L’Amour ouf. Gilles Lellouche’ second film. The intensity and authenticity of a first film, plus experience and resources.
The first film is a clever mix of intensity and fragility. The most important project of a budding director. The one that has matured in his mind for many years, and which is imbued with his personality, his experiences, his vision of the world. This first film can be the one that propels him to higher spheres, but it can just as easily be the one that puts an end to a career that has barely begun. The director knows that he may not have a second chance, so he puts everything into it, even if it means putting too much into it, for fear of not being able to do it later. His thoughts, his world, the subjects that are close to his heart. François Truffaut made his first film, The 400 Blows, at the age of 27. Without expectations from the public or the studios, he freely and authentically signs a semi-autobiographical film about childhood through his alter ego Antoine Doinel. Simple in appearance, it actually deals with many subjects that are generally little represented, but dear to the author, such as unhappy childhood, rejection, isolation, or the need for emancipation. The film also offers a critical and compassionate look at post-war French society, echoing a need for freedom that Truffaut felt personally as an artist. Spontaneity is also reflected in his experimental way of filming, he uses long sequence shots, fluid camera movements and outdoor shots. However, the early films also suffer from some drawbacks. Experimentation is double-edged, and some viewers may not appreciate the raw style of Truffaut’s hand-held camera. The budget is also a determining factor, if a low budget allows more freedom, it can hold back its director in the completion of his project. David Lynch in his first film Eraserhead must make do with $10,000 and must be cunning to obtain the uneasy atmosphere that he will perfect in the rest of his filmography. These are limited films in terms of sets, costumes and special effects. The author’s vision is also not completely complete, when we look at the filmography of Yorgos Lanthimos, The Lobster or The Favorite are only the beginnings of Poor Things.
Let’s now focus on the more advanced films in a director’s filmography. They have since gained notoriety and thus have a bigger budget and bigger contract. But this goes hand in hand with other elements. Expectations are higher. From the studios’ point of view, they invest more but expect a significant return, because a failure would have serious consequences. They are therefore more cautious about more experimental projects that some directors are sometimes forced to finance out of their own pockets than Coppola’s Megalopolis. The vision is therefore less personal, and more polished, to fit into the format expected by the production studios. Some films are no more than commissioned films whose director executes a specification giving disappointing results as with David Lynch for The Straight Story or Dune. On the other hand, the public’s expectations are difficult to satisfy. After a first success, some spectators may be disappointed if the next one does not correspond to the same style, others will be because it will appear as a pale copy of the previous one. With Tenet, Christopher Nolan wanted to reproduce in excess a well-oiled mechanism with Inception or Interstellar, becoming a caricature of his own style, just like Miyazaki’s last film, The Boy and the Heron, a film embodying the lack and freshness and the difficulty in renewing oneself for an old filmmaker. More recently, with Joker 2, Todd Philippe’s film combines these two flaws, a film responding only to a financial logic, taking up the codes and the universe of the first film, in less good.
So, would the best film be the second? The Godfather, Seven, Pulp Fiction, there is no shortage of examples. These films keep the authenticity and freshness of the first films while having more budgets, without falling into the pitfalls mentioned in the second paragraph. And that is what love few embodies. A budget of 35 million euros, which is substantial for a French film, carried by a 5-star cast with François Civil, Adèle Exarchopoulos. It is numerous sets, choreography, special effects as well as a worked soundtrack that accompany this project. But this ambitious project is also a project that has been germinating in Gilles Lellouche’s head since 2000, and who bought the adaptation rights of the book in 2004. It is a film driven by passion, in which many themes present in his personal life and in his acting career are present, like that of urban life, fraternity and romantic relationships. It is a film that breathes the 80s and 90s, very referenced and personal on music and other cultural elements. It is also a project that offers a richness in form, which tries, which mixes different influences, an explosion of original processes in the service of the story. A very worked image in terms of grain and colorimetry in order to perfectly reflects an atmosphere. All this gives a dynamic, ingenious and personal film, earning him a 17-minute standing ovation at Cannes and a very good reception from the public.
After such a success, some are already impatiently awaiting Gilles Lellouche’s third film, it will be interesting to see if the latter will manage to renew himself, and draw on new inspirations, or if like Matthieu Kassovitz, he will remain forever in the shadow of his second film.
Pourquoi le second film d’un réalisateur est-il son meilleur?
L’Amour ouf. Le second film de Gilles Lellouche. L’intensité et l’authenticité d’un premier film, l’expérience et les moyens en plus.
Le premier film et un savant mélange d’intensité et de fragilité. Le projet le plus important d’un réalisateur en devenir. Celui qui a muri dans son esprit pendant de longues années, et qui est empreint de sa personnalité, de son vécu, de sa vision du monde. Ce premier film peut être celui qui le propulse dans de plus hautes sphères, mais il peut tout aussi bien être celui qui met un terme à une carrière à peine entamé. Le réalisateur sait qu’il n’aura peut-être pas de seconde chance, alors il met tout, quitte à mettre trop, par peur de ne pouvoir le faire plus tard. Ses réflexions, son monde, les sujets qui lui tiennent à cœur. François Truffaut réalise son premier film, les 400 coups à 27 ans. Sans attente du public ni des studios, il signe de manière libre est authentique un film semi-autobiographique sur l’enfance à travers son alter ego Antoine Doinel. D’apparence simple, il traite en réalité de nombreux sujet peu représenté en générale, mais cher à l’auteur, comme l’enfance malheureuse, le rejet, l’isolement, ou encore le besoin d’émancipation. Le film propose également un regard critique et compatissant sur la société française d’après-guerre, faisant écho à un besoin de liberté, que Truffaut ressentait personnellement en tant qu’artiste. La spontanéité se reflète aussi dans sa manière expérimentale de filmer, il utilise de longs plans-séquences, des mouvements de caméra fluides et des plans en extérieur.
Toutefois les premiers films souffrent aussi de certains inconvenants. L’expérimentation est à double tranchant, et certains spectateurs n’apprécieront peut-être pas le style brut de la caméra à l’épaule de Truffaut. Le budget est également un facteur déterminant, si un faible budget permet plus de liberté, il peut refréner son réalisateur dans l’aboutissement de son projet. David Lynch dans son premier film Eraserhead doit se contenter de 10 000 $ et doit ruser pour obtenir l’ambiance malaisante qu’il perfectionnera dans la suite de sa filmographie. Il s’agit de films limités en termes de décors, de costumes et d’effets spéciaux. La vision de l’auteur n’est également pas totalement aboutie, quand on observe la filmographie de Yorgos Lanthimos, The Lobster ou encore La Favorite ne sont que les prémices de Pauvres Créatures.
Attardons-nous maintenant sur les films plus avancés de la filmographie d’un réalisateur. Ils ont alors depuis gagné en notoriété et ont ainsi un plus gros budget et de plus gros contrats. Mais cela va de pair avec d’autres éléments. Les attentes sont plus grandes. Du point de vue des studios, ils investissent plus, mais attendent un rendement conséquent, car un échec aurait de lourdes conséquences. Ils sont ainsi plus frileux concernant des projets plus expérimentaux que certains réalisateurs sont parfois obligés de financer de leur propre poche que Megalopolis de Coppola. La vision est donc moins personnelle, et plus policée, pour rentrer dans le format attendu par les studios de productions. Certains films ne sont plus que des films de commande dont le réalisateur exécute un cahier des charges donnant des résultats décevant comme avec David Lynch pour Une Histoire Vraie ou encore Dune. D’autre part, les attentes du public sont difficiles à satisfaire. Après un premier succès, certains spectateurs peuvent être déçus si le suivant ne correspond pas au même style, d’autres le seront, car il apparaitra comme une pâle copie du précédent. Avec Tenet, Christopher Nolan a voulu reproduire à outrance une mécanique bien huilée avec Inception ou encore Interstellar, devenant une caricature de son propre style, tout comme le dernier film de Miyazaki, Le garçon et le héron, film incarnant le manque, la fraicheur et la difficulté à se renouveler pour un vieux cinéaste. Plus récemment, avec Joker 2, le film de Todd Philippe cumule ces deux défauts, un film répondant uniquement à une logique financière, reprenant les codes et l’univers du premier film, en moins bien.
Le meilleur film serait-il donc le deuxième ? Le Parrain, Seven, Pulp Fiction, les exemples ne manquent pas. Ces films gardent l’authenticité et la fraicheur des premiers films tout en ayant plus de budgets, sans pour autant tomber dans les travers évoqués dans le second paragraphe. Et c’est cela que L’Amour ouf incarne. Un budget de 35 M d’euros ce qui est conséquent pour un film français, porté par une distribution 5 étoiles avec François Civil, Adèle Exarchopoulos. C’est de nombreux décors, chorégraphies, effets spéciaux ainsi qu’une BO travaillée qui accompagne ce projet. Mais ce projet ambitieux, c’est aussi un projet qui germe dans la tête de Gilles Lellouche depuis 2000, et qui a acheté les droits d’adaptation du livre en 2004. C’est un film animé par la passion, dans lequel de nombreuses thématiques présentes dans sa vie personnelle et dans sa carrière d’acteur sont présentes, comme celle de la vie urbaine, la fraternité et les relations amoureuses. C’est un film qui respire les années 80 et 90, très référencés et personnel sur les musiques et autres éléments culturels. C’est aussi un projet qui propose une richesse dans la forme, qui tente, qui mêle différentes influences, une explosion de procédés originaux au service du récit. Une image très travaillée en termes de grain et de colorimétrie afin de refléter parfaitement une ambiance. Le tout donne un film dynamique, ingénieux et personnel, lui valant un standing ovation de 17 minutes à Cannes et un très bon accueil du public.
Après un tel succès, d’aucuns attendent déjà avec impatience le troisième film de Gilles Lellouche, il sera intéressant de voir si ce dernier arrivera à se renouveler, et puiser dans de nouvelles inspirations, où si comme Matthieu Kassovitz, il restera à jamais dans l’ombre de son deuxième film.
Théophile Milliat
