Myriam Mihindou, Malala Andrialavidrazana, Barbara Chase Riboud, Iyo Bisseck and a collective of eleven artists under the protective figure of Tituba take the pride place of this new season of exhibition of the Palais de Tokyo (Paris). From October 17th to January 5th, black women narratives are highlighted to tend to our society transgenerational wounds and ancestral scars.
Starting on Thursday, October 17th, the new season of exhibitions of the Palais de Tokyo explores a diversity of forms and arts curated around the need for care. It calls on the transformative power of creation, beauty and poetry in the face of division and chaos. Visions and voices of the past approach the present in a variety of narratives to tend to its wounds. Artists invoke “benevolent ghosts” to care for ancestral bonds, making visible those absent, yet powerful figures.
Six exhibitions start on October 17th, four of them spread light on the brilliant work of some black female artists. Two others are a group show in the context of the Lithuanian cultural season in France entitled Borders are noctural animals / Sienos yra naktiniai gyvūnai and an immersive experience, Stone speakers, created by Julian Charrière based on his recordings of volcanoes from all around the world.
This season of exhibition is completed by a semi-permanent installation of mural paintings by Renée Lévi and an exclusive programme of performances by Pierre Bal Blanc.
Myriam Mihindou, “Praesentia”
Through installation and sculpture, drawing, writing, photography, video and even performances, Myriam Mihindou seeks to heal the individual and collective wounds caused by diverse forms of domination.
The multidisciplinary artist thus embraces the many functions of art: spiritual and therapeutic, social and political. Her work addresses issues of identity and language, memory and ritual, as well as the female condition, living-beings, spirituality and ecology.
This exhibition, co-conceived and co-produced by the CRAC Occitanie in Sète and the Palais de Tokyo in Paris, displays a proficient part of her work plus new productions. Under a polysemous title evoking presence, power and protection, “Praesentia” re-reads dominant narratives and renders visible bodies and voices, practices and imaginaries that have long been neglected or minoritised.
Malala Andrialavidrazana, “Figures”
The light-filled “grande verrière” gallery of the Palais de Tokyo welcomes Malala Andrialavidrazana’s “Figures” reshaped into a 60-metre-long mural installation.
Since 2015, the artist has been developing digital photomontages using images from the 19th and 20th centuries: selected representations drawn from stamps, banknotes, prints, advertisements and others are superimposed over geographical maps to convey the multiple contradictory realities underlying the idea of modernity.
Her work is a place of conflict that brings together maps and images as they are products of mechanisms of knowledge and power. By doing so, Malala Andrialavidrazana questions the birth of globalization by way of colonialism, the expansion of capitalism and the accelerated circulation of goods and images to the detriment of natural resources.
“Tituba, qui pour nous protéger ?” [Tituba, who protects us ?]
Named after the 1986 novel Tituba, Black Witch of Salem by Maryse Condé, this collective exhibition invites eleven artists from France, Great Britain, and North America with Carribean and African diasporic trajectories to propose artworks on the topics of grief, memory, migration and ancestrality.
The eponymous character of Tituba is invoked as a figure of protection while the artists reflect, both in an intimate and a collective way, on the role of spiritual protectors and imaginary friends played on the every day by our lost loved ones, our memories, our myths and dreams.
Artists invited are Naudline Pierre, Adigail Lucien, Rhea Dillon, Miryam Charles, Monika Emmanuelle Kazi, Naomi Lulendo, inès Di Dolco Jemni, Liz Johnson Artur, Tanoa Sasraku, Claire Zaniolo and Massabielle Brun.
Barbara Chase-Riboud, “Quand un noeud est dénoué, un dieu est libéré” [Everytime a knot is undone a god is released]
Between the abstract and the figurative, the visual work of sculptor, draftswoman, poet and novelist, Barbara Chase-Riboud unravels lots of explicit and implicit references to the history of the African diaspora. Her bronzes, textiles and drawings pay a subtile tribute to great figures from the transatlantic slave trade up to the struggle for civil rights in the United States.
Flirting with illegibility and unintelligibility, the exhibition features delicate evocations of her literary oeuvre embroidered on paper with white thread as well as a listening room where multiple voices read her texts and poems. Famous bronze sculptures then round up the selective display of her most recent work at the Palais de Tokyo.
“Quand un noeud est dénoué, un dieu est libéré” is part of a nationwide celebration of her oeuvre, carried by seven Parisian institutions to give Barbara Chase-Ribon a well-deserved recognition in France where she is underrecognized despite having lived and worked here for the past decades, being well-known in the US and considered among the major artists of her time.
Iyo Bisseck at La Friche #3, Digital Commons
Interaction designer and programmer, the multidisciplinary artist Iyo Bisseck is invited, along with four other digital artists and researchers, to the Palais de Tokyo for this season’s edition of La Friche [“The Wilderness”].
Since 2023, La Friche has welcomed artists and collectives into a 250sqm space of work, reflection, production, encounters and calm within the exhibition galleries of the Palais de Tokyo. This year, the program proposes to question the links between art, ecology, politics and digital technologies using the notion of the digital commons as a starting point.
Through immersive digital environments, sculptural installations, moving images and video games, Iyo Bisseck undertakes a critical exploration of the continuities of colonial systems and capitalists logics within digital tools, such as AI. Her work aims to create spaces of care and community while advocating for decolonial and queer causes.
Presented by Ben Mazué, written by Fanny Sydney and Ben Mazué, inspired by Maud Ventura.
Ben Mazué, whose real name is Benjamin Mazuet, is a French singer-songwriter and musician. Very private about his life, he explores themes of love and its challenges, his children, his divorce, and his emotional states in his songs. These bittersweet stories and songs allow listeners to relate and provide comfort amidst the whirlwind of emotions and feelings.
When his tour was halted by the lockdown and COVID in January 2021, Ben asked in an Instagram story for anyone who wished to send him letters about their matters of the heart so he could respond. It was during a dinner with Maud Ventura, who encouraged him to continue his idea of reading those messages, that Ben began to develop his podcast Amour Jungle!
What’s the concept?
Ben recieves letters from unknown people sharing their life experiences on a different theme in each episode: parenting, divorce, crushes, etc. The podcast is built around those testimonies, with each of the eleven episodes focusing on one theme. Those live sessions are co-hosted by Ben and one or more guests (singer, actor, director, or athlete). They reflect, testify, and discuss the topic while reading the letters from those unknown individuals. This involves a certain vulnerability, or conversely, a degree of reserve from some guests. Periodically, they attempt to provide solutions or advice regarding the letters, responding to the questions asked. Sometimes, no commentary is given: the letter speaks for itself.
Matters of the heart
The podcast addresses, in two parts, the exchange surrounding the letters of three or four unknown individuals per episode.
First, the letters read are from 2021, sent during the initial wave of the podcast’s development. The hosts, Ben and his guest, read them, discuss, occasionally offer advice, and express their viewpoints while supporting the testimonies.
Then, a second wave of letters from the same people is read. However, these are from 2023, three years after the Instagram story. Ben Mazué introduces this second part with the words: “I thought it might be interesting to contact again the authors of these letters to see what had become of them. So, three years later, what have they become?” Thus, we follow the evolution of a person in relation to the subject: sometimes they change completely, they grow; occasionally they despair, and sometimes they find comfort. Some people may choose not to follow up on their initial letter.
Ben Mazué introduces each beginning of episode the topic with a personal experience or another viewpoint that often relates to the guests present on the show. He defines the subject based on a dictionary, his perspective, and the letters received.
Ben Mazué starts the episode on Jalousie by discussing athletes who use their competitive spirit, their drive to not lose, and their jealousy towards winners to surpass their limits, thus connecting with his guest, an amateur ultra-trailer and executive at JCDecaux in La Défense, Paris: Casquette Verte, whose real name is Alexandre Boucheix. Over the fifty minutes of the podcast, Ben and Alexandre read, question, define, and outline what jealousy is, its limits according to them, society, and the letters.
The body of each episode consists of reading these letters, but also includes three other parts. The first is a chronicle by Elise Baudouin, who examines the scientific aspects of the emotions we feel. The second is a cinematic representation of romantic situations or relationships presented by Jean-Baptiste Toussaint, also known as Tales From The Click. Finally, the third concludes the episode with music.
Cinematic Representations of Relationships
Jean-Baptiste Toussaint hosts the segment “Cinema and ***.” On his YouTube channel, which has 546,000 subscribers, he discusses cinema and its industry in nearly 185 videos.
In his segment, Jean-Baptiste explains how cinema refines, shapes, or questions our perception of the themes discussed in the podcast. He begins Cinema and Parentalité by emphasizing that despite all their efforts and desire to educate their children in the best way possible, these children will always end up blaming their parents for their upbringing. Parenting in cinema is a recurring subject: Mommy by Xavier Dolan and Nebraska by Alexander Payne depict complex relationships between parents and children, echoing some of the testimonies read. In Cinema and Crush, he redefines the contours of a crush. A crush is unforgettable in that it remains forever stuck at the boundary of fantasy. A crush is often unreciprocated, as seen in Her by Spike Jonze, where Joaquin Phoenix’s character falls in love with an Artificial Intelligence.
What do science and society say?
Elise Baudouin, a journalist, hosts a chronicle to provide “a certain number of sociological, historical, anthropological, or even philosophical [sometimes psychoanalytical] insights on the themes raised during the episode.”
Elise relies on statistics, such as studies from INSEE and INED from 2013, for the podcast Le Célibat, which establishes that 21% of individuals aged 25-65 are single, or one in five. These elements support her arguments and complement her historical research. In the episode on Jalousie, she explores and explains how cultures, education, and individual experiences influence this feeling primarily rooted in fear, followed by sadness, anger, etc. She generally concludes her chronicle on a positive note: she highlights in the episode on Jalousie that the ultimate game of the jealous feeling, which comes from within oneself, is emotional autonomy.
Is it easier in song?
The podcast ends with music. At the end of each episode, Ben, accompanied or not by his guests, performs an original song that he composed, wrote, or co-wrote on the topic discussed. Sometimes, they reinterpret another song or existing text that illustrates the nuances and complexities of the podcast.
To close the episode on Parentalité, Grand Corps Malade, Gaël Faye, and Ben Mazué perform “Le Seul Bonheur”, written by Nicolas Mathieu. This text was initially written for another project.
In the episode on Crush, Barbara’s song “A chaque fois” is performed by Ben and Anaïde Rozam. The Jalousie episode concludes with “Jealous Guy” by John Lennon, sung by Ben and Alexandre Boucheix, as known as Casquette Verte.
In conclusion, through his podcast Amour Jungle, Ben Mazué helps us understand, put things into perspective, and articulate the emotions and situations we may go through. Ben Mazué represents the soothing power of words to heal our pains.
Sophie Juffet
Amour Jungle, un podcast des courriers du cœur
Présenté par Ben Mazué, écrit par Fanny Sydney et Ben Mazué, inspiré par Maud Ventura.
Ben Mazué, de son vrai nom Benjamin Mazuet, est un auteur-compositeur-interprète et musicien français. Très discret sur sa vie, il aborde dans ses chansons l’amour et ses travers, ses enfants, son divorce, et ses états d’âme. Ses histoires, ses chansons, au parfum doux-amer, permettent à chacun de s’identifier, d’apporter un apaisement au tourbillon que prennent les émotions, les sentiments.
Alors que sa tournée est interrompue par le confinement et le COVID en janvier 2021, Ben demande dans une story Instagram, à celles et ceux qui le souhaitent de lui envoyer leur courrier du cœur afin qu’il y réponde. C’est lors d’un dîner avec Maud Ventura, qui lui souffle de poursuivre son idée de lire les courriers du cœur, que Ben va construire son podcast Amour Jungle !
Qu’est-ce qu’un courrier du cœur ?
C’est une lettre d’inconnu.e qui répond, témoigne de sa vie, de ses expériences sur une thématique différente à chaque émission : la parentalité, le divorce, le crush…
Le podcast est donc bâti autour de ces témoignages où chacun des onze épisodes reprend un des thèmes. Ces live sessions sontcoanimées par Ben et un ou plusieurs invités (chanteur.se, acteur.ice, metteur.se en scène ou sportif.ve). Ces derniers pensent, témoignent et discutent du sujet tout en lisant les lettres de ces inconnu.e.s. Ceci implique donc une mise à nu, générale, ou au contraire une certaine réserve selon les invité.e.s. Par intermittence, ils essayent d’apporter des solutions ou des conseils à ces lettres, de répondre aux questions qu’on leur pose. Quelquefois, aucun commentaire n’est apporté : la lettre répond d’elle-même.
Les courriers du cœur
Le podcast aborde, en deux temps, l’objet de l’échange autour des lettres de trois ou quatre inconnu.e.s par émission.
Tout d’abord, les lettres lues sont celles datant de 2021, envoyées lors de la première vague de construction du podcast. Les animateurs, Ben et son invité, les lisent, discutent, par moment conseillent, définissent leur point de vue, soutiennent les témoignages.
Ensuite, une deuxième vague de lettres de ces mêmes inconnu.e.s sont lues. Toutefois, celles-ci datent de 2023, soit trois ans après la story Instagram. Ben Mazué introduit cette deuxième partie par ces mots : « Je me suis dit que ça pourrait être intéressant de recontacter les autrices et les auteurs de ces courriers pour savoir ce qu’ils étaient devenus. Alors 3 ans plus tard, que sont-ils devenus ? » Ainsi, on suit l’évolution d’une personne face au sujet : parfois la personne change du tout au tout, elle grandit, de temps en temps elle désespère, occasionnellement elle se complait. Il arrive que certain.e.s inconnu.e.s ne souhaitent pas donner suite à leur première lettre.
Ben Mazué introduit chaque début d’émission par une expérience personnelle, un autre point de vue qui souvent est en lien avec le.s invité.e.s présent.e.s sur le plateau. Il en définit le sujet, d’après un dictionnaire, d’après lui, d’après les lettres reçues.
Ben Mazué débute l’épisode sur la Jalousie en parlant des sportifs qui utilisent leur esprit de compétition, leur rage de ne pas perdre, leur jalousie envers les gagnants pour outre-passer leurs capacités, faisant ainsi le pont avec son invité ; un ultra-traileur amateur et cadre chez JCDecaux à la Défense, à Paris : Casquette Verte, de son vrai nom Alexandre Boucheix. Au cours des cinquante minutes du podcast, Ben et Alexandre, vont lire, s’interroger, définir, esquisser ce qu’est la jalousie, ses limites selon eux, selon la société, selon les lettres.
Le corps de chacune des émissions est composé de la lecture de ces lettres, ainsi que de trois autres parties. La première est une chronique d’Elise Baudouin qui interroge sur l’aspect scientifique des émotions que l’on ressent. La deuxième est la représentation cinématographique des situations amoureuses ou relations d’un individu, présentée par Jean-Baptiste Toussaint, connu aussi sous le nom de Tales From The Click. Enfin, la troisième clôture l’émission en musique.
Les représentations cinématographiques des relations
Jean-Baptiste Toussaint orchestre la chronique « le Cinéma et *** ». Sur sa chaîne YouTube, de 546 000 abonnés, il parle du cinéma et de son industrie dans près de 185 vidéos.
Dans sa rubrique, Jean-Baptiste raconte comment le cinéma peaufine, façonne ou interroge notre perception des thématiques du podcast. Il débute Le Cinéma et La Parentalité en soulignant que malgré toute leur volonté et leur désir d’éduquer leur enfant de la meilleure des façons, ces derniers finiront toujours par reprocher à leurs parents leur éducation. La parentalité dans le cinéma est un sujet redondant : Mommy de Xavier Dolan ou Nebraska d’Alexander Payne relatent des relations complexes entre les parents et les enfants, faisant écho aux témoignages lus. Dans Le Cinéma et Le Crush, il redessine les contours du crush. Un crush est inoubliable dans la mesure où, pour l’éternité, il restera coincé à la frontière du fantasme. Le crush est souvent non partagé, comme dans Her de Spike Jonze : le personnage de Joaquin Phoenix tombe amoureux d’une Intelligence Artificielle.
Que dit la science, la société ?
Elise Baudouin, journaliste, anime une chronique pour apporter « un certain nombre d’éclairages sociologiques, historiques, anthropologiques ou même philosophiques [parfoispsychanalytiques] sur les thématiques soulevées pendant l’émission ».
Elise s’appuie sur des statistiques, comme les études de l’INSEE et de l’INED de 2013, pour le podcast Le Célibat, qui établit à 21% la part de célibataires parmi les 25-65 ans, soit une personne sur cinq. Ces éléments soutiennent son argumentation et complètent également ses recherches plus historiques. Dans Jalousie, elle explore et explique comment les cultures, l’éducation et nos expériences individuelles influencent ce sentiment fondé principalement sur la peur, puis la tristesse, la colère… Elle termine sa chronique généralement sur une touche positive : elle souligne dans Jalousie, que le jeu final du sentiment jaloux, qui vient de l’intérieur de soi, est l’autonomie affective des individus.
Est-ce plus facile en chanson ?
Le podcast se termine en musique. A chaque fin d’émission, Ben, accompagné ou non par ses invités, interprète une chanson inédite, qu’il a composée, écrite ou coécrite sur le sujet abordé.
D’autres fois, ils réinterprètent une autre chanson ou un texte existant, qui illustre les nuances et les complexités du podcast.
Pour clôturer l’émission Parentalité, Grand Corps Malade, Gaël Faye et Ben Mazué interprètent “Le Seul Bonheur”, écrit par Nicolas Mathieu. Texte, qui, initialement, avait été écrit pour un autre projet.
Dans l’émission Crush, la chanson de Barbara, “A chaque fois”, est interprétée par Ben et Anaïde Rozam. Jalousie se termine par “Jealous Guy” de John Lennon, chantée par Ben et Alexandre Bouchaix, autrement nommé Casquette Verte.
Pour finir, Ben Mazué, à travers son podcast Amour Jungle, nous aide à comprendre, à relativiser, à mettre des mots sur les émotions et les situations que nous pouvons traverser. Ben Mazué, c’est la douceur des mots pour soigner les maux.
Recently, Italian art collections have been in the spotlight in Parisian museums! After two remarkable exhibitions at the Louvre Museum, it is the turn of the Jacquemart-André Museum. For its first exhibition after a closure of more than a year due to renovation work, the museum situated in the 8th arrondissement of Paris, reopen with a collection that is rarely presented out of Italy. “Masterpieces from the Borghese Gallery” (06.09.2024 – 05.01.2025) reunites about forty well-known art pieces (paintings, sculptures…) from the Roman museum, realized by famous artists like Botticelli, Raphael, Titian, Veronese, Antonello da Messina, and Bernini, along with works by Caravaggio, and Rubens…
Two Exceptional Museums with Complementary Collections
On the banks of the Seine… In the 19th century, the Jacquemart-André Museum was the private mansion of Nélie Jacquemart and Edouard André, a couple of major collectors, mainly interested in Italian paintings, sculptures and furniture, from the Middle Ages to the 18th century. Nowadays, it is an essential institution of Italian art in France.
The Parisian museum took the opportunity of renovation work in the Roman museum to obtain certain artworks, more than usually, to be exhibited in Paris. So, if you are an admirer of Italian art (or not!) and cannot go to the Eternal City, do not hesitate to visit this temple of Italian art at the heart of Paris!
On the banks of the Tiber… The Borghese Pinciana Villa in Rome is a luxurious all’antica villa, surrounded by the verdant landscape of the park, in which Romans and tourists wander freely every day. The domain includes the Borghese Gallery, a museum presenting artworks from the Renaissance andBaroque movement. This human-scale gallery encompasses artworks among the most famous of western art, like David and Goliath by Caravaggio (1606–1607), The Deposition by Raphael (1507), Sacred and Profane Love by Titian (1514), Danae by Correggio (1531) or Leda, a copy after a lost painting by Leonardo da Vinci.
The history of this unique museum began with Scipione Caffarelli-Borghese (1577-1633), nephew of Pope Paul V (1550-1621), who built this palace between 1607 and 1616. He was inspired by other magnificent villa and ambitioned to dedicate the palace and gardens to the exhibition of his collection of antique and modern paintings and sculptures. He collected pieces of art throughout his life, reunited them, but also considered their staging in from the beginning, which made it a museum before its time. He already reflected on his visitors’ experience as he wrote this saying in Latin at the original entry of the villa: “Go where you want, ask, look for what you like and leave when you want.”
The Borghese Collection, how did it come about?
The founder of the Villa, Scipione Borghese, was an admirer of Caravaggio and the famous sponsor of the genius of Baroque sculptor, architect and painter Bernini. He notably ordered him four mythological groups of sculpture, which he could afford, since he had access to the money of the Roman Curia (the administrative institution of the Vatican) and worked to enrich it as well as him… As a nephew of the Pope, he had tremendous privileges… And a sulfurous reputation! If he was famous for being an important figure of art patronage in the 17th century, he was also known for being cunning and determined when it came to enriching his collection, using more or less legal means at this end. His opportunism and nepotism became legendary. His collection was preserved by his descendants (except for a part of the Antique pieces, obtained by Napoleon) until 1902, when it was sold to the Italian State.
The founder of the Villa, Scipione Borghese, was an admirer of Caravaggio and the famous sponsor of the genius of Baroque sculptor, architect and painter Bernini. He notably ordered him four mythological groups of sculpture, which he could afford, since he had access to the money of the Roman Curia (the administrative institution of the Vatican) and worked to enrich it as well as him… As a nephew of the Pope, he had tremendous privileges… And a sulfurous reputation! If he was famous for being an important figure of art patronage in the 17th century, he was also known for being cunning and determined when it came to enriching his collection, using more or less legal means at this end. His opportunism and nepotism became legendary. His collection was preserved by his descendants (except for a part of the Antique pieces, obtained by Napoleon) until 1902, when it was sold to the Italian State.
Two masterpieces you may want to see
Youth with a Basket of Fruit, Caravaggio, circa 1596, oil on canvas, 70 x 67 cm
This masterpiece of young Caravaggio representing a young boy, dressed in an antique white tunic, showing a muscular shoulder, with a basket full of fruits and vine leaves, is looking at us in a realistic and sensual way. Scipione Borghese acquired this painting (and many others) by seizing it when he made Caravaggio’s master, Cavaliere d’Arpino, fall from grace under false accusations.
Firstly, this artwork is very interesting since it shows the beginnings of his use of chiaroscuro, for which Caravaggio would become famous. Secondly, it is a portrait as well as a still-life, the fruits and the boy are sharing the limelight. If you come near the painting, you can appreciate the richness of the highly realistic and detailed depiction of the fruits. It can have a more metaphysical interpretation, though. Indeed, time may be the main subject. Fruits and vine leaves are not perfect, some are perishing, it shows that time flies and the beauty of the young boy will also fade one day. So, as Lorenzo de Medici said at the beginning of his ballad The Triumph of Bacchus:
“Fair is youth and void of sorrow; But it hourly flies away. – Youths and maids, enjoy to-day; Naught ye know about to-morrow.”
Concert “Theft of the amulet”, Gerrit van Honthorst, circa 1620-1630, oil on canvas, 168 x 202 cm
This genre scene was painted by Gerrit van Honthorst after his return from Italy. It was inspired by Caravaggio, especially by Youth with a Basket of Fruit (can you see why?). It depicts a man playing a bass violin for a young man and a young woman to sing along to the music and, while singing, the woman is caressing the man’s hair… and stealing his earring (probably an amulet)! At the same time, the old woman behind has her hand in the singer’s bag, surely stealing money.
The old woman’s behavior has been interpreted in two ways. A moralistic interpretation says that, with her finger raised, she is issuing a warning about the vanity and dangers of drinking, music, lust and looking only for pleasure, which was the atmosphere in Holland at that time. But a more recent interpretation considers that she is just raising her finger to tell the musician (realizing their plan of stealing) to keep quiet! So, look at the painting and make up your own mind!
Ces derniers temps, les collections d’art italiennes sont à l’honneur dans les musées parisiens ! Après deux expositions remarquables au Louvre, c’est au tour du Musée Jacquemart-André. Pour sa première exposition après plus d’un an de fermeture pour cause de travaux de rénovation, le musée, situé dans le 8e arrondissement de Paris, rouvre avec une collection rarement présentée hors d’Italie. « Chefs d’œuvres de la Galerie Borghèse » (06.09.2024 – 05.01.2025) réunit près d’une quarantaine d’œuvres (peintures, sculptures…) du musée romain, réalisée par de célèbres artistes tels Botticelli, Raphaël, Titien, Véronèse, Antonello de Messine, et le Bernin, sans oublier le Caravage et Rubens…
Deux musées exceptionnels aux collections complémentaires
Sur les rives de la Seine… Au XIXe siècle, le Musée Jacquemart-André était l’hôtel particulier de Nélie Jacquemart et Édouard André, un couple de grands collectionneurs, principalement intéressés par les peintures, les sculptures et le mobilier italiens, du Moyen Âge au XVIIIe siècle. Aujourd’hui, c’est une institution incontournable de l’art italien à Paris.
Le musée parisien a saisi l’opportunité d’une campagne de travaux de rénovation dans le musée romain pour obtenir certaines œuvres, plus qu’il n’en est prêté habituellement, et les exposer à Paris. Donc, si vous êtes un(e) grand(e) admirateur(trice) d’art italien (ou pas !) et ne pouvez vous rendre dans la cité éternelle, n’hésitez pas à venir visiter ce temple de l’art italien au cœur de Paris !
Sur les rives du Tibre… La Villa Borghèse Pinciana à Rome est une luxueuse villa all’antica, nichée au cœur d’un parc verdoyant, dans lequel Romains et touristes se baladent librement tous les jours. Le domaine inclut la Galerie Borghèse, un musée présentant des œuvres de la Renaissance et du mouvement baroque. Cette galerie à taille humaine contient des œuvres parmi les plus célèbres de l’art occidental, tel le David et Goliath du Caravage (1606-1607), La Déposition de Raphaël (1507), Amour sacré et Amour profane de Titien (1514), Danaé du Corrège (1531) ou Léda, une copie d’époque faite d’après un tableau perdu de Léonard de Vinci.
L’histoire de ce musée hors du commun commence avec Scipion Caffarelli-Borghèse (1577-1633), neveu du Pape Paul V (1550-1621), qui a construit ce palais entre 1607 et 1616. Il s’est inspiré d’autres villas grandioses et avait pour ambition de dédier ce palais et ses jardins à l’exposition de sa collection de peintures et sculptures antiques et modernes. Il a collectionné des œuvres d’art tout au long de sa vie, les a réunies, mais surtout, a dès le début réfléchi à leur mise en scène, ce qui en fait un musée avant l’heure. Il avait déjà pensé à l’expérience vécue par ses visiteurs, comme le montre cette maxime en latin inscrite à l’entrée d’origine de la villa : « Allez où vous voulez, demandez, cherchez ce que vous aimez et partez quand vous voulez ».
Comment est née la collection Borghèse ?
Le fondateur de la Villa, Scipion Borghèse, était un admirateur du Caravage et le célèbre mécène du sculpteur, architecte et peintre baroque de génie, le Bernin. Il lui a notamment commandé quatre groupes de sculpture mythologique, ce qu’il pouvait se mettre, puisqu’il avait accès à l’argent de la Curie romaine (l’institution administrative du Vatican) et a travaillé à l’enrichir, ainsi que lui-même… En tant que neveu du Pape, il avait des privilèges considérables… et une réputation sulfureuse ! S’il était célèbre pour son rôle éminent de mécène d’art du XVIIe siècle, il était aussi connu pour être rusé et déterminé quand il s’agissait d’enrichir sa collection, usant de moyens plus ou moins légaux à cette fin. Son opportunisme et népotisme sont devenus légendaires. Sa collection a été préservée par ses descendants (à l’exception d’une partie des œuvres Antiques, achetée par Napoléon) jusqu’en 1902, année à laquelle elle a été cédée à l’État italien.
Deux chefs d’œuvres à admirer
Garçon à la corbeille de fruits, Caravage, vers 1596, huile sur toile, 70 x 67 cm
Ce chef-d’œuvre de jeunesse du Caravage représentant un jeune homme habillé d’une tunique blanche à l’antique, dévoilant une épaule musclée, et portant une corbeille remplie de fruits et feuilles de vigne, nous regarde d’une manière réaliste et sensuelle. Scipion Borghèse a acquis cette peinture (et beaucoup d’autres) lors d’une saisie des œuvres que possédait le Cavalier d’Arpin, le maître du Caravage, et qu’il a fait tomber en disgrâce sous de fausses accusations.
Tout d’abord, cette œuvre est très intéressante, car elle montre les prémices de son utilisation du clair-obscur, qui feront la renommée du Caravage. De plus, c’est un portrait autant qu’une nature morte, les fruits et le garçon se partageant la vedette. Si vous vous en approchez, vous pourrez apprécier la richesse et l‘aspect très réaliste et détaillé des fruits. Mais on peut y déceler une interprétation plus métaphysique. En effet, le temps pourrait être le sujet central. Les fruits et feuilles de vigne ne sont pas parfaits, certains se gâtent, cela montre que le temps s’écoule inexorablement et que la beauté du jeune garçon se fanera aussi un jour. Ainsi, comme l’a dit Laurent de Médicis au début de sa ballade Chanson de Bacchus :
« Comme elle est belle, la jeunesse qui fuit toujours ; qui veut être joyeux, qu’il le soit : on ne sait de quoi demain sera fait. »
Concert « Le vol de l’amulette », Gerrit van Honthorst, vers 1620-1630, huile sur toile, 168 x 202 cm
Cette scène de genre a été peinte par Gerrit van Honthorst après son retour d’Italie. Elle est inspirée du Caravage, notamment du Garçon à la corbeille de fruits (voyez-vous pourquoi ?). Elle montre un homme jouant du violoncelle ainsi qu’un jeune homme et une jeune femme chantant sur la musique, la femme caressant les cheveux du jeune homme… en lui volant sa boucle d’oreille (probablement une amulette) ! Au même moment, la vieille femme derrière a sa main dans la bourse du chanteur, sûrement pour lui voler son argent.
Deux interprétations ont été faites quant à la vielle femme. Une plutôt moraliste veut qu’avec son doigt levé, elle adresse un avertissement sur la vanité et les dangers de la boisson, de la musique, de la luxure et d’être uniquement à la recherche des plaisirs, ce qui correspond à l’ambiance de l’époque aux Pays-Bas. Mais une interprétation plus récente considère qu’elle s’adresse au musicien (qui prend conscience du vol) et ne lève son doigt que pour lui intimer l’ordre de se taire ! Jetez donc un œil à cette peinture et faites-vous votre propre opinion !
The duty to remember. This is my translation of the French notion that appeared during the 1990s “Le devoir de mémoire”. The context of this notion is related to the events of the Second World War and the idea behind it is that if we remember, we can avoid making the same mistakes. It is now used to refer to tragic historical events in general. Although we speak of “duty” there is no personal obligation but rather a societal commitment that many actors participate in upholding. Historians uncover the facts, teachers and artists make them common knowledge and government officials fund and lead these projects. These efforts are what give life to the words engraved on the memorial of the Dachau concentration camp: “Never again”.
This article addresses what artists bring to the table, drawing examples from Nantes, the city I currently live in and city that owes its past growth to participation in the slave trade.
A necessary reminder
Do you, the reader, remember all the math formulas that you learnt throughout your education? Unless you’ve become a math teacher, the answer is probably no. Everyone forgets things and, with time, it may happen that an entire community forgets certain historical events. Art, whether it be entertainment (movies, books, video games …), culture (Monuments, museums, public art …) or other forms, is omnipresent and therefore serves as reminder and helps our society not to forget. One day, as I was walking from A to B, I realized that thousands of plaques were covering the street, I realized moments later that each one bore the name of a slave ship that had passed through Nantes at some point in time. Those plaques are part of the Memorial of the Abolition of Slavery by Krzysztof Wodiczko and Julian Bonder in Nantes and although I knew this city was heavily linked to slavery, I had forgotten until this artwork unearthed forgotten memories.
« Paroles de nègres » – Sylvaine Dampierre in Manifest, Photo by Nida Kamal
Les Anneaux de la Mémoire is a Nantes association that aims to strengthen the awareness of the transatlantic slave trade. Enabling and fostering artistic expression is one of the areas into which they put most of their efforts and it has been since the 1990. Going to their latest exposition MANIFEST, Nouveaux Regards sur l’esclavagecolonial (New visions on colonial slavery), was a big inspiration behind me writing this article.
An emotionally engaging format
Regarding this “duty to remember”, the artist can choose how to frame the information they have. Instead of making a list with all the names of those slave ships, Wodiczko and Bonder decided to display 2 000 plaques on the ground and in doing so invite the user to engage with the information. Art is more engaging than data. I have never read a historian’s report about the slave trade, but I have visited museums, read poems and watched films on the subject. Because art has a personality that data does not and is able to provoke emotional reactions in the audience.
Manifest exhibition, Photo by Nida Kamal
It is important to note here that artworks are very personal and are often left open to interpretation. This means that on one side, two different members of the audience can take away very different things from the experience, and on the other side art can reflect fiction or a point of view, which we must be sure not to confuse with the hard truth. That being said, I believe points of view are also integral to the duty to remember. Certain cultures have been heavily scarred in history and it is important to realize that those scars are still present today and that the transatlantic slave trade or the holocaust are just things that happened and are no longer relevant. One artwork of MANIFEST, Nouveaux Regards sur l’esclavage colonial, Paroles de Nègres (Words of Negroes), shows how the present of Grand Anse, a town in Guadalupe, is still very much governed by their heritage, as its economy relies on sugar cane. Except now, with most of the factory workers also having to work as cane farmers.
“Never again”
To sum up, I believe that the art is essential to our duty to remember because it often offers a more accessible and attractive way to remind us as a society of what has happened in the past and must never happen again.
Gaël Faye: a voice for a (hi)story that demands to be told
Gaël Faye is a Franco-Rwandan singer-songwriter, rapper and writer, born in 1982 in Bujumbura, the capital of Burundi, a small country in the south of Rwanda between DRC and Tanzania. His father is French, and his mother, originally from Rwanda, took refuge in Burundi after the first waves of persecution against the Tutsi following the 1959 revolution led by the Hutu. In 1993, civil war broke out in Burundi, followed by the Rwandan genocide against the Tutsi in 1994 leading him to flee the country for France at the age of thirteen.
He is best known for his first novel Petit Pays (Small Country) published in 2016. The novel won the “Prix Goncourt des lycéens”, sold over a million copies and has been translated in 40 languages, becoming a true literary success.
Petit Pays is semi-autobiographical and tells the story of a ten-year-old boy living in an expatriate neighborhood in Burundi in 1992, with his Rwandan mother, French father and little sister. At first, the novel paints a picture of a boy’s joyful childhood but this innocence is soon disrupted by the brutal events that will ravage his “small country”.
The novel was later adapted into a movie directed by Eric Barbier.
Jacaranda: a new novel already highly acclaimed
In this literary season, Jacaranda, Gaël Faye’s new novel, has made an impressive debut in bookstores.
Gaël Faye continues to explore the tragedy experienced by his homeland: the Rwandan genocide against the Tutsi. But this time, he’s also interested in the aftermath.
The novel tells the story of Milan, a young boy born of a French father and a Rwandan mother, who lives in Versailles near Paris and who knows little about his mother’s country. At its core, it’s the story of a mother who wishes to forget about her country and a son who wants to know more. It’s about how silence within a family and a country can become deafening. Indeed, the silence of trauma survivors is meant to protect both themselves and future generations, but it often leads to anxiety for the latter.
The novel follows four generations, exploring the lives of both the children of survivors and the children of perpetrators, weaving a powerful narrative about Rwanda, a haunted country in the process of rebuilding itself. It’s a story about memory and healing.
It’s interesting to know that for the author, writing about such a sensitive topic remains a challenging process as breaking the silence surrounding these events is still a cultural taboo. Besides, for Gaël Faye, Jacaranda (which is a tree with mauve flowers that mirror the color of the book cover), is a metaphor for Rwanda that embodies themes of protection, secrecy, and the concept of transmission.
Since Tuesday, October 1st, the list of the novels running for the Goncourt Prize went from 16 to 8. Jacaranda is still part of it. The four finalists will be selected on October 22nd and the winner will be announced on November 4th.
Meet the author
For those looking to have a complete experience around the novel Jacaranda, Gaël Faye has organized a series of events to celebrate the book’s release. In Nantes, the event will take place on October 17th. The Coiffard bookstore is in charge of the organization. It will be a musical reading of selected extracts of the novel accompanied by the guitarist Samuel Kamanzi at “Théâtre 100 Noms” followed by a book signing session in the restaurant “Squadra”. Unfortunately, tickets for the event are already sold out, but you still have a chance to win the last two tickets on Théâtre 100 Noms’ Instagram page.
Several other events will be held in different cities, so if you’re interested, you may still be able to find a spot elsewhere.
Roberto Bolaño is widely recognized as one of the most influential writers in contemporary literature. Born in Chile in 1953, his life and work have left a lasting mark on both Latin American and global literature. Despite his early death in 2003, Bolaño’s prolific output as both a novelist and poet has achieved remarkable international success. His works have been translated into over 20 languages, and his major novels « The Savage Detectives » and « 2666 » earned prestigious awards, including the National Book Critics Circle Award and the « Prix du Meilleur Livre Étranger » in France.
Life and Political Engagement
Bolaño’s life was shaped by the military coup in Chile, led by General Pinochet in 1973. Arrested during the coup, he spent several days imprisoned before being released thanks to friends and family. Following this, Bolaño fled Chile, spending years in exile across Europe, an experience that deeply influenced his writing. His early life was marked by adversity, but he began publishing his work as a poet, releasing his first poem at the age of 19.
In the mid-1980s, Bolaño settled in Barcelona, working various jobs while continuing to write. His debut novel, « Advice from a Morrison Disciple to a Joyce Fanatic » (1985), received critical attention, but it was « The Savage Detectives » (1998) that made his reputation as a major literary force. This novel won numerous literary prizes and brought Bolaño international fame.
Bolaño’s political experiences shaped much of his writing. In novels such as « The Savage Detectives » and « 2666 », he delved into the trauma of Latin American history, especially the violence of military regimes and the complicit role of intellectuals. His characters—often poets, writers, and artists—struggle with political upheaval, torn between revolutionary ideals and the futility of such pursuits in the face of moral ambiguity.
Literary Career and Poetry
Though known primarily for his novels, Bolaño’s career began with poetry. His first collection, « Reinventing Love » (1980), showcased the dark and melancholic tone that would characterize much of his later work. Drawing from his own experiences of poverty and illness, Bolaño’s poetry reflected his personal struggles while maintaining an evocative and emotional depth. His later collections, such as « The Romantic Dogs » and « Three » are a big part of his poetry works.
Themes and Political Engagement in His Work
Bolaño’s work is characterized by its exploration of a wide range of themes, including violence, solitude, death, and politics. He frequently depicted marginalized individuals, exiles, and revolutionaries, reflecting his own experiences of political repression and exile. His novels offer a profound reflection on the human condition, grappling with questions of identity, memory, and resistance to oppression.
A politically engaged writer, Bolaño was an active participant in the student movements of his time and a member of the Chilean Communist Party. His political commitment is evident in his fiction, where he critiques capitalism and globalization, portraying them as forces eroding cultural identity. Despite his critiques, Bolaño’s writing is nuanced, acknowledging the complexities of political action and the often conflicting roles of intellectuals within political movements.
His ability to capture the essence of Latin American life and history, along with his inventive narrative techniques, have made him a figure in modern literature. Even though a premature death in 2003, Bolaño has left a durable influence on our world. Writers such as Alejandro Zambra, Valeria Luiselli, and Yuri Herrera have acknowledged his impact on their own work, particularly in their exploration of marginalized characters and unconventional narratives. Through his novels and poetry, he gave voice to the voiceless and made literature a tool for resistance and subversion. Despite his struggles with illness and his early death at the age of 50, Bolaño’s influence remains powerful, with his work continuing to captivate and inspire a new generation of readers and writers.
Roberto Bolaño, une vie en marge
Roberto Bolaño est largement reconnu comme l’un des écrivains les plus influents de la littérature contemporaine. Né au Chili en 1953, sa vie et son œuvre ont laissé une empreinte durable tant sur la littérature latino-américaine que mondiale. Malgré sa mort prématurée en 2003, la production prolifique de Bolaño, tant en tant que romancier que poète, a connu un succès international remarquable. Ses œuvres ont été traduites dans plus de 20 langues, et ses romans majeurs, « Les Détectives Sauvages » et « 2666 », ont remporté des prix prestigieux, notamment le National Book Critics Circle Award et le « Prix du Meilleur Livre Étranger » en France.
Vie et engagement politique
La vie de Bolaño a été façonnée par le coup d’État militaire au Chili mené par le général Pinochet en 1973. Arrêté pendant le coup, il a passé plusieurs jours en prison avant d’être libéré grâce à l’intervention de ses amis et de sa famille. Par la suite, Bolaño a fui le Chili et a vécu des années d’exil en Europe, une expérience qui a profondément influencé son écriture. Ses premières années furent marquées par l’adversité, mais il commença à publier dès l’âge de 19 ans, avec son premier poème.
Au milieu des années 1980, Bolaño s’installe à Barcelone, où il occupe divers emplois tout en continuant d’écrire. Son premier roman, « Conseils d’un disciple de Morrison à un fanatique de Joyce » (1985), a attiré l’attention de la critique, mais c’est avec « Les Détectives Sauvages » (1998) qu’il s’est imposé comme une force littéraire majeure. Ce roman a remporté de nombreux prix littéraires et a apporté à Bolaño une renommée internationale.
Les expériences politiques de Bolaño ont façonné une grande partie de son œuvre. Dans des romans comme « Les Détectives Sauvages » et « 2666 », il explore les traumatismes de l’histoire latino-américaine, en particulier la violence des régimes militaires et le rôle complice des intellectuels. Ses personnages, souvent des poètes, écrivains et artistes, luttent contre les bouleversements politiques, tiraillés entre les idéaux révolutionnaires et la futilité de ces luttes face à une réalité moralement ambiguë.
Carrière littéraire et poésie
Bien que principalement connue pour ses romans, la carrière de Bolaño a commencé avec la poésie. Son premier recueil, « Réinventer l’amour » (1980), dévoile le ton sombre et mélancolique qui caractérisera une grande partie de son travail ultérieur. Puisant dans ses propres expériences de pauvreté et de maladie, la poésie de Bolaño reflète ses luttes personnelles tout en conservant une profondeur émotionnelle évocatrice. Ses recueils ultérieurs, tels que « Les Chiens Romantiques » et « Trois », constituent une partie importante de son œuvre poétique.
Thèmes et engagement politique dans son œuvre
Le travail de Bolaño se distingue par l’exploration de nombreux thèmes, notamment la violence, la solitude, la mort et la politique. Il dépeint fréquemment des individus marginalisés, des exilés et des révolutionnaires, reflétant ses propres expériences de répression politique et d’exil. Ses romans offrent une réflexion profonde sur la condition humaine, abordant des questions d’identité, de mémoire et de résistance à l’oppression.
Écrivain politiquement engagé, Bolaño a activement participé aux mouvements étudiants de son époque et a été membre du Parti communiste chilien. Cet engagement se reflète dans ses œuvres de fiction, où il critique le capitalisme et la mondialisation, qu’il considère comme des forces destructrices de l’identité culturelle. Malgré ses critiques, l’écriture de Bolaño est nuancée, reconnaissant les complexités de l’action politique et les rôles souvent contradictoires des intellectuels dans les mouvements politiques.
Sa capacité à capturer l’essence de la vie et de l’histoire latino-américaines, combinée à ses techniques narratives inventives, en a fait une figure incontournable de la littérature moderne. Bien que sa mort prématurée en 2003 ait mis fin à sa carrière, Bolaño a laissé une influence durable sur notre monde. Des écrivains comme Alejandro Zambra, Valeria Luiselli et Yuri Herrera ont reconnu l’impact de son travail sur leur propre œuvre, notamment dans l’exploration de personnages marginalisés et de récits non conventionnels. À travers ses romans et sa poésie, Bolaño a donné une voix à ceux qui n’en avaient pas et a fait de la littérature un outil de résistance et de subversion. Malgré ses luttes contre la maladie et sa mort prématurée à 50 ans, l’influence de Bolaño reste puissante, et son œuvre continue de captiver et d’inspirer une nouvelle génération de lecteurs et d’écrivains.
Today, both jungle music and video games are celebrated as cultural milestones in their own right. Jungle music, a genre born from the underground rave scene, spread internationally influencing several generations, while video games have evolved into a global entertainment giant.
However, one connection often overlooked is the symbiotic bound between these two different forms of creation. In the 1990s and early 2000s, jungle music didn’t just echo through rave clubs, it became a core element of gaming soundtracks, forever shaping the experiences of millions of players.
The Jungle Frenzy
Jungle music is characterized by its high-speed breakbeats, frenzied rhythms, and rolling basslines, often complemented by atmospheric soundscapes, reggae-influenced samples, and dub effects. Taking its source of inspiration from jazz samples, breakbeat, hip-hop movements and reggae culture with DJ Soulslinger or DJ Raw in the United States during the late 1980s, Jungle music then fully developed in the UK rave scene of the early 1990s. UK producers like Goldie, LTJ Bukem, Roni Size or even Remarc began creating the unique and aggressive sound that shaped this genre’s music and culture. From underground parties to mainstream recognition, the genre not only shaped electronic music but became deeply tied to the British urban youth culture.
A Symbiotic Development
As jungle music rose in popularity in the 1990s, its energetic, fast-paced nature proved to be a perfect fit for video games. Japanese producers such as Yuzo Koshiro and Motohiro Kawashima and game developers started recognizing the synergy between the breakneck tempo of jungle and the fast-paced, often chaotic nature of gaming. Jungle music enhanced the intensity of gameplay, giving players an adrenaline-filled experience that aligned perfectly with the visual action on screen.
A good example is The Wipeout series (1995) on PlayStation, one the most iconic games of this era where futuristic racing and breakbeats collided to create an immersive, high-speed gaming experience. Players could hear tracks from The Prodigy and Leftfield echoing in their ears while drifting at high speed through the game’s futuristic landscapes, elevating the intensity of each race. Then came Jet Set Radio in 2000, where jungle music was central to the rebellious, street-culture vibe of the game. With its cell-shaded graphics and chaotic cityscapes, the music perfectly encapsulated the game’s frenetic energy, making each trick and turn on the city rooftops even more exhilarating. Games like Rollcage (1999) also leaned into jungle and drum and bass, enhancing the high-speed nature of futuristic racing. The genre’s syncopated rhythms and unpredictable beats created a sense of tension, driving players deeper into the immersive world of gaming. Jungle music was not just functioning as background sound, it was enhancing the emotional connection between the player and the game. These tracks lulled players through their runs, creating a dreamlike sensation of speed, unique and inalterable.
Reconnection To Retrogaming
In recent years, the rise of retrogaming has brought many players back to the iconic titles of the 90s and early 2000s. This comeback is driven largely by nostalgia, with players longing to relive the sounds, sights, and emotions of their childhood gaming experiences. The jungle music that underscored these games is a key component of this nostalgia, triggering powerful memories of past gaming sessions. As Players revisit classic titles such as Need for Speed: Underground or even SSX, the music that once energized their gaming experiences is rediscovered. This resurgence is particularly poignant in a world where digital and physical media from the 90s have become cultural artifacts. The familiarity of those sounds offers more than just a pleasing reminder, it reawakens the visceral energy and excitement of our childhood, bringing back this feeling of innocence and delight while our younger selves where racing through cities and landscapes.
Indie games and remakes are starting to incorporate jungle-inspired soundtracks, further feeding into the retro revival. Titles like Hotline Miami (2012) evoke a similar sense of nostalgia through their rhythmic intensity, bridging the gap between the fast-paced sounds of jungle and the desire for vintage gaming experiences.
A Timeless Bond
The intersection of jungle music and video games is a hidden yet integral part of the nostalgic appeal that many gamers feel when revisiting old titles. Jungle music not only defined the sound of an era but also deeply shaped the emotional experience of gaming during the 90s and early 2000s. As retrogaming continues to thrive, the nostalgic pull of jungle music ensures that its influence, both in music and gaming, will remain timeless.
13 ans après sa mort, Arte revient sur l’histoire de DJ Mehdi, figure incontournable de la scène rap et électro française, avec une série documentaire intimiste et touchante. Cet article revient sur le parcours atypique de ce génie pourtant méconnu du grand public.
Mehdi, l’enfant virtuose
Il a marqué une époque charnière du rap français et pris un virage à 180° pour explorer de nouveaux terrains musicaux. DJ Mehdi, de son vrai nom Mehdi Favéris-Essadi, s’est frayé un passage dans la cour des grands, collaborant aux côtés des DJs les plus célèbres de son temps.
Dès l’âge de douze ans, Mehdi se prête de jeu de DJ, en bricolant lui-même ses platines et son sampler. Il passe ses journées à écouter les vinyles familiaux de funk, disco et jazz en passant par la musique arabe, et compose ses propres remix.
En 1992, alors qu’il n’a que quinze ans, Mehdi rejoint et devient le compositeur du groupe Ideal J, fondé par Kery James dont il est très proche. Un premier pas qui le propulsera dans le milieu hip hop parisien des années 90. L’album Le combat continue sorti en 1998 signe la consécration d’Ideal J et permet à Mehdi de se faire davantage connaître. Il intègre naturellement la Mafia K’1 Fry, collectif déjà implanté et reconnu en région parisienne. De même qu’avec Ideal J, le groupe qui revendique le rap hardcore enchaîne les tournées et termine par un concert historique L’Elysée Montmartre.
Il est impossible de parler de la carrière de Mehdi sans mentionner son travail avec le trio du 113, avec lequel il produit le son “Princes de la ville”, hymne fédérateur d’une génération. L’album Tonton du bled rencontre un succès fou avec près d’un million de ventes et le groupe est élu Révélation de l’Année 2000 aux Victoires de la Musique en plus du prix de la catégorie « rap, reggae ou groove ».
En parallèle de son activité de producteur dans les groupes hip-hop, DJ Mehdi fonde son propre label, Espionnage, et sort un premier projet en 2002, Espion Le EP, où se mêlent sonorités rap, électro et acoustiques. Peu à peu, Mehdi se détache de son image de DJ hip-hop pour explorer l’électro, un genre qui a toujours éveillé sa curiosité. Ses rencontres avec le duo Cassius et le manager des Daft Punk, Pedro Winter, lui ouvrent les portes d’un milieu élitiste et majoritairement blanc et marquent le début d’une nouvelle ère dans sa carrière. Il signe chez le label Ed Banger et multiplie les collaborations avec d’autres DJs.
Un héritage avant-gardiste resté pourtant discret
Une épopée musicale qui prend tragiquement fin le 13 septembre 2011, lorsque Mehdi décède des suites d’un accident domestique. Sa disparition suscite l’émotion parmi les plus grandes stars américaines, dont Pharrell Williams et Drake, et laisse une empreinte indélébile dans l’industrie musicale. Le Ministre de la Culture, Frédéric Mitterrand, le décrit dans un communiqué comme « l’un des artistes les plus dynamiques et inspirés de la jeune scène française du hip-hop et de l’électro ».
Avec son travail expérimental et avant-gardiste, Mehdi a ouvert la voie aux futures fusions électro-rap et à de nouvelles manières d’envisager la création. Malgré cette ascension fulgurante, Mehdi est resté discret car n’a cherché à séduire une audience plus mainstream, contrairement à ce que l’on pourrait attendre d’un artiste comme lui. Son authenticité, sa soif de découverte musicale et son refus de formater son style aux attentes des grands labels font de lui un modèle inspirant de “self-made man” dans un milieu pourtant précaire et compétitif.
La nécessité d’un récit biographique
Sorti sous la forme d’une mini-série de six épisodes de 30 minutes, le documentaire DJ Mehdi, Made In France est le fruit d’un long travail d’archivage étalé sur treize années. L’idée de livrer un témoignage de son parcours atypique émerge dans l’esprit de Thibaut de Longeville, ami d’enfance de longue date de Mehdi, peu après son décès en 2011. Cependant, le projet est suspendu car trop précoce pour la famille et les proches de l’artiste encore endeuillés. Ce n’est que quelques années plus tard, lorsque le feu vert est donné, que Thibaut de Longeville se lance dans la réalisation du documentaire.
Avec l’évolution des technologies et l’avènement des plateformes de streaming, le projet change de forme à plusieurs reprises. Dans une interview, le réalisateur confie avoir essuyé plusieurs refus des grandes plateformes de streaming jugeant le projet trop niche. Mehdi ayant été un DJ, le postulat initial du documentaire était de raconter l’histoire originale d’un artiste peu connu du grand public, quelle que soit l’audience. Thibaut de Longeville déclare ainsi : ‘L’objectif, c’est que le plus rigoureux des fans de rap français et des connaisseurs de l’histoire de la Mafia K’1 Fry puisse dire « c’est incontestable. » Mais aussi que la personne la plus distanciée, qui n’a pas la moindre idée de qui sont 113 ou Ideal J, puisse être informée et divertie.’ La forme d’un documentaire en plusieurs parties est finalement adoptée, lorsque le projet est retenu par Arte, convaincu par l’idée. Sont alors filmées les interviews des proches de Mehdi, artistes comme famille, et rassemblées les archives vidéos des treize années passées à ses côtés dans son studio parisien. 90% des archives présentes dans le film sont inédites et témoignent de la richesse et du storytelling du projet.
Le format permet au spectateur de découvrir pas à pas l’univers de DJ Mehdi, de comprendre l’environnement musical dans lequel il a évolué, sa vision de la création artistique et ses choix de carrière, le tout à travers le regard de son entourage. Le soin est pris d’expliquer également les principes de base du sampling, essentiel à l’œuvre de Mehdi. En ressort un documentaire passionnant et touchant, à regarder de toute urgence.
« Je ferais mieux d’aller choisir mon vocabulaire, pour te plaire. Dans la langue de Molière ».
C’était l’un des moments les plus marquants de la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques de Paris 2024 : la performance musicale entre Aya Nakamura et la garde Républicaine sur le symbolique pont des Arts. Si pour la majorité d’entre nous cette performance a été exceptionnelle, pour d’autres, elle a été un désastre pour la France.
Aya Nakamura est devenue aujourd’hui une artiste incontournable à la fois sur la scène nationale et internationale. De « Love d’un voyou » à « Hypé » en passant par « Djadja », ses titres ont fait le tour du monde et font briller la France à l’international à l’image de ces chiffres stratosphériques : plus de 6 milliards d’écoutes sur toutes les plateformes musicales, et plus de 8,6 millions d’abonnés Spotify l’écoutent par mois. Pourtant, l’artiste d’origine malienne ne fait pas l’unanimité. Racisme, misogynie, cyberharcèlement, Aya Nakamura a été forcée de se sculpter une carapace afin de se protéger de ses détracteurs. Mais alors pourquoi sont-ils aussi nombreux ? Pourquoi le phénomène Aya Nakamura dérange-t-il autant ? Quelle est l’histoire de cette femme au destin imprévisible ?
Nous allons donc retracer le parcours de cette femme qui, à la base, voulait juste faire de la musique.
Aya Coco Danioko
Aya Nakamura, de son vrai nom Aya Coco Danioko, est née à Bamako au Mali. Elle est l’aînée d’une fratrie de 5 enfants et est issue d’une famille de griots (personnes qui chantent des louanges). Quelques mois seulement après sa naissance, Aya et sa famille emménagent en France à Aulnay-Sous-Bois (93).
Après un court passage en études de mode, elle décide de s’orienter vers la musique. C’est en 2014, alors âgée de 19 ans, qu’ellepublie son premier titre, Karma, sur Facebook. Elle enchaîne ensuite les sorties de titres sur les réseaux et c’est en 2015 qu’elle connait son 1er succès auprès des adolescents avec la sortie des titres “Brisé” (13 millions de vues sur YouTube) et “Love d’un voyou” en collaboration avec le rappeur Fababy. Elle signe alors rapidement avec une maison de disque et sort son 1er album en 2017 intitulé Journal intime .
Djadja
En 2018, alors que la France a les yeux rivés sur la préparation des Bleus, futurs champions mondiaux, un phénomène fait irruption : “Djadja”. Sorti à la base pour promouvoir son futur album, le titre se classe rapidement à la 1ère place des singles français et devient le « tube de l’été ». Il traverse même les frontières de la France en se glissant parmi les titres les plus écoutés notamment aux Pays-Bas. Le phénomène Aya Nakamura prend vie et toute la planète chante le refrain devenu culte. Ce succès s’intensifie et traverse l’Atlantique puisqu’une année après, en 2019, Rihanna danse sur le hit “Djadja” lors d’une soirée pour sa marque.
Tout va très vite pour la jeune artiste car en juin 2019, elle est nommée dans la catégorie « meilleur artiste international » lors de la cérémonie américaine BET Awards et devient la première artiste féminine francophone à être nommée dans cette catégorie.
Aya enchaîne avec les succès avec la sortie de son 3e album « Aya » en 2020 puis de son dernier album en 2023 baptisé « DNK » en mémoire de son nom de famille Danioko.
Des critiques justifiées ?
« Catchaka qui est l’ode à la levrette » Ce sont les mots de Gérard Larcher (président du Sénat) lorsqu’on lui demande son avis, sur le plateau des « Quatre Vérités » en mars dernier, sur la présence d’Aya Nakamura à la cérémonie d’ouverture des JO.
Aya Nakamura a souvent été critiquée car les paroles de ses chansons sont jugées incompréhensibles ou encore vulgaires. Ces critiques, même si elles peuvent être recevables, ne justifient pas l’acharnement dont elle est victime. De plus, ces critiques perdent leur sens lorsque l’on sait que des artistes comme Charles Aznavour et Edith Piaf employaient eux-mêmes des mots d’argot dans leurs textes. D’ailleurs, le nom de scène « Piaf » est un nom populaire faisant référence à un moineau. De son côté, Charles Aznavour avait été censuré à la radio pour son titre “Après l’amour”.
Des critiques qui ne font donc pas vraiment sens puisque les artistes avec lesquels Aya est comparée et qui sont aujourd’hui adorés, avaient été critiqués pour les mêmes raisons il y a quelques décennies.
Aya Nakamura : un symbole ?
Qu’on l’adule ou la critique, la haïsse ou l’adore, Aya Nakamura est le symbole d’une génération qui fait ce qui lui plait et qui casse les codes établis depuis des décennies.
En effet, l’une des particularités de cette nouvelle génération est son utilisation des réseaux sociaux, et c’est grâce à ces mêmes réseaux qu’Aya est née. Elle a publié ses premiers titres dessus et l’emballement qu’elle a connu a été propulsé par les réseaux. Il est intéressant de noter qu’il y a un tournant dans l’histoire de la consommation musicale puisqu’une chanson postée sur un réseau social (Instagram, TikTok…) peut facilement devenir une « trend » (à la mode) et donc faire propulser un(e) artiste à une échelle nationale et même internationale. Aya Nakamura a bénéficié de ce système et a réussi à se créer une place alors même qu’elle avait les médias traditionnels (TV, radio) sur son dos.
Malgré son succès planétaire, l’artiste fait l’objet de critiques permanentes qui dépassent la seule appréciation de sa musique. Elle est constamment victime de racisme et de misogynie et est la cible parfaite de l’extrême droite. On se souvient de la banderole déployée par un groupe d’extrême droite à l’annonce des rumeurs de sa participation aux JO, qui inscrivait : « Y a pas moyen Aya. Ici c’est Paris pas le marché de Bamako ».
Même avec toutes ces critiques et cet acharnement permanent, Aya reste digne et continue de faire sa musique. Elle est devenue, malgré elle, un symbole de liberté et d’expression d’une nouvelle génération qui sort des codes habituels. Elle est pour beaucoup de personne une source d’inspiration et de combat contre des idées souvent dépassées.
Le mot de la fin
Pourquoi ne sommes-nous pas fiers d’Aya Nakamura ? Pourquoi une partie de la France la rejette alors qu’elle est accueillie les bras ouverts à l’international ? Encore récemment, l’artiste a fait un concert sur la place Vendôme lors du Vogue World Paris 2024 et en mai 2024 elle est la 1ère chanteuse française à être invitée au Met Gala !
Toutes ces questions sont légitimes d’être posées et questionnent un sujet beaucoup plus profond : celui de notre identité.
Peu importe ce que l’on pense d’elle, Aya Nakamura représente une partie de la population et permet à des milliers de personnes de s’identifier et de s’assumer. Elle représente une génération qui se bat pour ses rêves et qui n’a pas peur d’oser et d’être elle-même. Elle est devenue le symbole d’une France nouvelle qui est fière d’accueillir celles et ceux qui la font rayonner. Une France qui est prête à voir émerger de nouveaux talents, peu importe leur origine sociale ou leur couleur.
FIN (nom d’une chanson d’Aya sortie dans son album DNK)
Miriam Makeba, born Zenzile Makeba and often referred to as « Mama Africa, » is one of the most emblematic figures in the struggle against apartheid and social injustice in South Africa. With a brilliant musical career, she used her voice not only to sing but also to combat oppression. Through her music, she made the voices of millions of silenced South Africans resonate. This article explores her life, her fight, and the memories she left behind.
Her Early Years Marked by Injustice
Born on March 4, 1932, in Johannesburg, South Africa, Miriam Makeba grew up in an environment of extreme poverty and racial injustice. At just 18 weeks old, she and her mother were imprisoned because her mother was accused of illegally brewing beer to feed her family, in a context where alcohol production was prohibited for Black people.
After leaving school at a young age and escaping a violent marriage, Makeba ultimately found her salvation in music. Her powerful voice quickly caught attention, particularly when she joined the Manhattan Brothers, a South African vocal group in the 1950s. It was during this time that she adopted her stage name, « Miriam Makeba, » and began to gain recognition beyond South Africa’s borders. However, her fate took a decisive turn when she was discovered by American director Lionel Rogosin, who invited her to play her own role in the anti-apartheid film Come Back, Africa, filmed clandestinely in South Africa in 1959. She performed two songs in the film: « Saduva » and « Ndiyekeni, » the latter being an emotional piece where she expresses the struggles and suffering of South Africans under apartheid.
A Voice Against Apartheid: Miriam Makeba’s Fight
More than just a singer, Miriam Makeba quickly became a militant voice against apartheid. Her forced exile led her to travel the world to denounce the horrors of the South African regime. She used her music as a weapon against oppression, with some of her songs, such as « Soweto Blues, » resonating as anthems of resistance.
In 1963, she addressed the United Nations to publicly denounce the brutalities of the apartheid regime, becoming an international spokesperson for civil rights in Africa. This political stance led to her being stripped of her South African citizenship, and she could only return to her homeland upon the invitation of Nelson Mandela after 31 years in exile. Despite this, she continued to sing for her people, becoming a true icon of the anti-segregation struggle.
A Boundless Style: The Unique Musical Fusion
One of Miriam Makeba’s greatest strengths lies in the diversity of her musical style. She was an artist capable of navigating between genres, moving from jazz to folk, while integrating traditional African sounds such as mbube or kwela. This musical richness is reflected in her songs like « Pata Pata » (1967), her most famous track that many of you might know without realizing it, or « An Evening with Belafonte/Makeba » (1965), a politically engaged album against apartheid that she recorded with Harry Belafonte.
What is also remarkable is her ability to sing in several languages, including Xhosa, Zulu, English, and even French. This was part of her desire to value all African cultures and showcase the diversity and beauty of the continent to the world. By singing in local languages, Makeba paid homage to her roots while breaking cultural boundaries.
The Influence She Left Around the World
The impact of Miriam Makeba extends far beyond the musical sphere. Figures like Nelson Mandela, who dubbed her « Mama Africa, » saw her as a leading figure in the resistance. In his memoirs, Mandela wrote, « Miriam Makeba’s songs were weapons against apartheid, and her voice was the echo of our struggle. »
On the international stage, she collaborated with many influential artists, such as Nina Simone, Harry Belafonte, and Paul Simon during the Graceland tour. Furthermore, she inspired a whole generation of African musicians, like Youssou N’Dour and Angélique Kidjo. She also influenced the artist Jain, who dedicated one of her most well-known songs, « Makeba, » to her, singing, « I wanna see you fight, ’cause you are the real beauty of human rights. »
From her forced exile to her triumphant return to South Africa in 1990, Miriam Makeba always embodied hope and resistance. Decorated by France as a Commander of Arts and Letters, and made an honorary citizen of many cities worldwide, she received international recognition for her work.
Her fight and music continue to inspire current and future generations. She passed away in 2008, just after performing on stage, but her legacy remains. The songs of Mama Africa, such as « Pata Pata » and « Malaika, » still resonate today in the struggles for social justice, demonstrating that music can transcend borders and unite people in the quest for freedom.
Miriam Makeba: contre l’oppression et l’injustice grâce à la musique
Miriam Makeba, de son vrai nom Zenzile Makeba et souvent surnommée « Mama Africa » est l’une des figures les plus emblématiques de la lutte contre l’apartheid et l’injustice sociale en Afrique du Sud. Avec une carrière musicale brillante, elle a su utiliser sa voix non seulement pour chanter, mais également pour combattre l’oppression. À travers sa musique, elle a fait résonner les voix de millions de Sud-Africains réduits au silence. Cet article explore sa vie, son combat et les souvenirs qu’elle a laissés derrière elle.
Ses débuts marqués par l’injustice
Née le 4 mars 1932 à Johannesburg, en Afrique du Sud, Miriam Makeba grandit dans un contexte de pauvreté extrême et d’injustice raciale. Âgée de seulement 18 semaines, elle et sa mère sont emprisonnées, car cette dernière était accusée de brasser illégalement de la bière pour nourrir sa famille, dans un contexte où l’alcool était une activité interdite aux populations noires.
Après avoir quittée l’école assez tôt et échappée à un mariage violent, c’est finalement dans la musique que Makeba trouve son salut. Sa voix puissante la fait remarquer rapidement, notamment lorsqu’elle rejoint les Manhattan Brothers, un groupe vocal sud-africain dans les années 1950. C’est à ce moment qu’elle adopte son nom de scène, « Miriam Makeba » et commence à se faire connaitre en dehors des frontières sud-africaines. Mais son destin bascule véritablement lorsqu’elle est repérée par le réalisateur américain Lionel Rogosin, qui l’invite à jouer son propre rôle dans un film antiapartheid, « Come Back, Africa » tourné clandestinement en Afrique du Sud en 1959. Elle y interprète deux titres : « Saduva » et « Ndiyekeni », le dernier étant un titre émouvant dans lequel elle exprime les luttes et la souffrance des Sud-Africains sous le régime d’apartheid.
Une voix contre l’apartheid : le combat de Miriam Makeba à travers la musique
Plus qu’une chanteuse, Miriam Makeba devient rapidement une voix militante contre l’apartheid. Son exil forcé l’amène à voyager à travers le monde pour dénoncer les horreurs du régime sud-africain. Elle utilise sa musique comme une arme contre l’oppression, et certaines de ses chansons, comme « Soweto Blues », résonnent comme des hymnes de résistance.
En 1963, elle se rend aux Nations Unies pour dénoncer publiquement les brutalités du régime d’apartheid, devenant ainsi une porte-parole internationale pour les droits civiques en Afrique. Cette prise de position politique lui vaut d’être déchue de sa citoyenneté sud-africaine, elle pourra seulement retourner dans son pays natal suite à l’invitation de Nelson Mandela après 31 ans d’exil. Malgré cela, elle continue de chanter pour son peuple, devenant une véritable icône de la lutte anti-ségrégation.
Un style sans frontières : la fusion musicale unique de Miriam Makeba
L’une des grandes forces de Miriam Makeba réside dans la diversité de son style musical. Elle était une artiste capable de naviguer entre les genres, passant du jazz au folk, en intégrant des sonorités africaines traditionnelles comme le mbube ou le kwela. Cette richesse musicale se reflète dans sa musique comme dans « Pata Pata » (1967), son titre le plus célèbre, que vous connaissez sûrement tous sans le savoir, ou « An Evening with Belafonte/Makeba » (1965), un album engagé contre l’apartheid qu’elle enregistre avec Harry Belafonte.
Ce qui est également remarquable, c’est sa capacité de chanter dans plusieurs langues, notamment en xhosa, zoulou, anglais, et même en français. Cela faisait partie de son désir de valoriser toutes les cultures africaines et de montrer au monde la diversité et la beauté du continent. En chantant dans des langues locales, Makeba rendait hommage à ses racines tout en brisant les frontières culturelles.
L’influence qu’elle laisse à travers le monde
L’impact de Miriam Makeba dépasse largement la sphère musicale. Des personnalités comme Nelson Mandela, qui l’a surnommée « Mama Africa« , voyaient en elle une figure de proue de la résistance. Dans ses mémoires, Mandela écrit : « Les chansons de Miriam Makeba étaient des armes contre l’apartheid, et sa voix était l’écho de notre combat ».
Sur la scène internationale, elle collabore avec de nombreux artistes influents, tels que Nina Simone, Harry Belafonte, ou encore Paul Simon lors de la tournée Graceland. De plus, elle inspire toute une génération de musiciens africains, comme Youssou N’Dour et Angelique Kidjo. Elle a également marqué l’artiste Jain qui dédie un de ses titres les plus connus, « Makeba » a son nom et chante « I wanna see you fight, ’cause you are the real beauty of human rights ».
De son exil forcé à son retour triomphal en Afrique du Sud en 1990, Miriam Makeba a toujours incarné l’espoir et la résistance. Décorée par la France du titre de Commandeur des Arts et des Lettres, et devenue citoyenne d’honneur de nombreuses villes à travers le monde, elle a reçu une reconnaissance internationale pour son travail.
Son combat et sa musique continuent d’inspirer les générations actuelles et futures. Elle nous a quittée en 2008, juste après avoir performé sur scène, mais son héritage demeure. Les chansons de Mama Africa, comme « Pata Pata » ou « Malaika », résonnent encore aujourd’hui dans les luttes pour la justice sociale, montrant que la musique peut transcender les frontières et unir les peuples dans la quête de liberté.
