audenciaculture@gmail.com

The Unmeasurable Heart of the Museum – Counting More Than Just Visitors

Arts visuels, Réflexions

The spreadsheet on my desk declared the previous quarter a success: visitor numbers were up, acquisition targets were met. But late one night, alone in the Jianghai Museum under the soft glow of the exhibition lights, that success felt curiously hollow. I was preparing for a « Museum Night » event, and the silence around me wasn’t empty—it was thick with potential. Staring at a newly restored porcelain vase, a question seized me: how do we measure this? Not the vase itself, but the stillness, the anticipation, the connection a visitor might feel hours later.

My role at Jianghai Museum placed me at the center of this tension. I wasn’t just theorizing about performance management; I was deep in the trenches of it, grappling daily with two powerful frameworks: Key Performance Indicators (KPIs) and the Balanced Scorecard (BSC).

Think of KPIs as the museum’s pulse—specific, quantifiable metrics that track vital signs like visitor numbers and new acquisitions. They tell you what you’re achieving. The BSC, in contrast, provides the strategic story. It’s a broader lens that examines the museum through four interconnected perspectives—Public Values, Public Service, Internal Processes, and Learning & Growth—forcing you to ask not just « What are we doing? » but « How do all these efforts weave together to create public values? »

=For my work at Jianghai Museum, personally I defined ‘Public Value’ not as financial return or visitor volume, but as the institution’s fundamental, often intangible, benefit to society. It manifests in three core dimensions: social cohesion (fostering a sense of community through shared cultural experiences), cultural identity (helping the public understand the relationship between history and themselves), and inspiration & education (igniting curiosity and critical thinking). In short, it measures a museum’s contribution to building a more knowledgeable, connected, and culturally confident society.

This definition became my compass. It challenged me to look beyond numbers and to figure out ways of recognizing the impacts of my work, particularly those shifts in public engagement that unfold over years, not just fiscal reports..

I can still remember those long meetings debating KPIs. « If we aim for four major exhibitions a year, what does ‘major’ really mean? » we’d ask. We built detailed metrics for everything, from new acquisitions to school visits. Later, as we struggled with the limitations of these numbers—they could count tours, but not the spark of understanding in a visitor’s eyes—our team began exploring the BSC. We started asking even harder questions: « How do we know if we’re genuinely creating public value? »

The shift in questioning was uncomfortable but vital. It forced us to look beyond our comfort zone of spreadsheets and into the messy realm of human experience. We began to see that our true impact wasn’t just in the number of educational sessions held, but in the quality of questions visitors asked afterwards. It wasn’t about the percentage increase in traffic, but about whether someone spent thirty minutes diving deep into a collection, truly connecting with a piece of history. This wasn’t merely a change in tools; it was a change in mindset, from managing outputs to stewarding outcomes. We were learning to value the story behind the statistic.

This firsthand experience from counting artifacts to understanding the public value of museums is what I want to share.

To understand this story, you need to know its main character: the Jianghai Museum itself. It’s not just any institution; it’s a national second-grade museum, a fixture among China’s Top 100 Thematic Museums, and a AAA-level tourist attraction where modern architecture frames exhibitions on the culture of rivers and oceans. Located in Jiangsu Province, a region defined by its waterways, the museum’s mission is both a tribute to local heritage and a statement about ecological and cultural connections. This unique blend of local identity and broader purpose is what made its performance management so critical—and so challenging. We weren’t just protecting a collection; we were creating public values.

There’s no denying the power of a clear target. For a museum like Jianghai, a goal like « acquire 3,948 items in three years » provides incredible focus and a clear finish line. The discipline pays off; the pride we felt when we surpassed that target was real. Similarly, the KPI for « four thematic exhibitions annually » pushed us to be both disciplined and creative, resulting in acclaimed shows like « Light of Jianghai, » which explored the transformation of rivers and seas over two millennia.

But the anxiety creeps in when you realise what the numbers leave out.

You can proudly report 1,450 guided tours, but that figure says nothing about the satisfaction of the participants. Were we just counting, or were we actually connecting? This relentless focus on the measurable can quietly steer resources away from public values which matter deeply but can’t be captured in an annual report—like foundational research or long-term staff development.

The true soul of Jianghai Museum, however, was never in the spreadsheets, or single perspectives from KPI. It lived in the programs we designed to bridge the gap between numbers and meaning, lived in the public values it’s created.

Let’s take our « Director’s Reception Day » as an example to illustrate this point. It is a totally free event, developed monthly on the first Tuesday. A handful of visitors would join the director for tea in his office at that day. What began as a formal overview of our goals would turn into a free-flowing conversation. The real magic happened backstage—in the conservation lab, where visitors might watch a restorer carefully working on a centuries-old porcelain piece. I recall one visitor turning to me, awe-struck, and whispering, « I had no idea this level of care existed. It feels like a sacred duty. » That moment of shared understanding—that sense of collective responsibility—was worth more than a thousand data points. This was our live attempt to embody the « Public Service » perspective of the BSC, building trust one conversation at a time, and thus to create public values.

Then there was « Museum Night. » We threw the doors open until midnight, completely transforming the atmosphere. I vividly remember one themed « The Sound of History, » where the galleries resonated with traditional music. Visitors became active participants, trying out replica instruments, laughing, and deep in conversation with our curators. Of course, the cleanup afterward was a nightmare, but seeing the galleries so alive made it all worth it. Sure, the event boosted our visitor numbers, a KPI, to catch the people who’d never set foot in a museum during normal hours. But its real success was the public values it created. We became a vibrant hub, not just a static archive. There was a distinct magic in seeing guests return to an exhibit they’d rushed by earlier, now able to engage deeply without the daytime crowds. That’s the « Public Service » and « Internal Process » perspectives the BSC describes—something you feel in the air, not find in a spreadsheet.

Let me share another detail that particularly resonated with me. When we were implementing the KPI for « monthly public activities, » the pressure was intense—we had to meet quantitative targets while avoiding superficiality. In response, Our team came up with a « Cultural Relic Restoration Experience Day, » allowing visitors to try their hand at simple ceramic reconstruction. I’ll never forget when I watched a mother and her daughter spend a full hour completely absorbed in reconstructing a replica pottery jar, naturally discussing the importance of preserving history. That hour taught me more about engagement than any report ever could. It was a lesson in the power of creating the conditions for genuine connection, where learning emerges not from instruction, but from shared discovery. In that moment, it became clear: the most profound public value emerges from genuine, hands-on engagement and the quiet wonder of intergenerational learning.

Beyond these scheduled events, the most telling signs of success were often the spontaneous ones. I’d notice a group of students who had visited for a school tour returning on the weekend with their families, the children eagerly acting as guides. Or I’d overhear conversations in the cafe where visitors were discussing an artifact they’d just seen. These unscripted moments—these threads of connection being woven completely outside of our programs—were perhaps the ultimate evidence that we were creating a space that mattered to people. They were metrics of the heart, impossible to plan for but invaluable when they occurred.

Some of the most telling indicators revealed themselves not during grand events, but on quiet Tuesday afternoons. I’d sometimes see a retiree spending an entire hour with a single display, taking notes carefully, or a young artist sketching in a corner, finding inspiration in ancient forms. These solitary, deeply personal engagements were a quiet testament to the museum’s role as a sanctuary for thought and creativity. They reminded us that public value isn’t always about collective experiences; it’s also about providing the space for individual discovery.

So, what’s the takeaway from Jianghai’s experience? It’s not about discarding KPIs. They provide the essential skeleton of a strategy. But that skeleton needs the flesh, blood, and soul of a human-centred framework like the BSC.

The future, I believe, lies in weaving the two together. It starts with a clear, compelling map—a « strategy map » that shows the connective tissue: how training our staff (Learning & Growth), leads to more engaging exhibitions (Internal Processes), which in turn creates memorable visit experiences (Public Service), and ultimately, a stronger, more culturally vibrant community (Public Value).

Traditional BSC

Museum BSC

Then, we need wiser indicators. Let’s keep track of annual visitors, but also track whether they come back. Let’s measure new acquisitions, but also measure the strengthening of local cultural identity.

The real work of museums, from where I stand, is to create these profound, lasting values. It demands the courage to value what’s hard to measure and the wisdom to treat numbers as a guide, not a gospel. A museum’s success is not a line on a graph. It’s in the quiet hum of a gallery after dark, thick with inspirations and echoing with the laughter of a visitor. That is the metric that matters most.

Author : Haoyu BAI

Transitional urban planning in Nantes

Architecture, Arts visuels, Nantes Culture, Pop culture

Le Lieu Unique is now one of the most striking cultural venues in the city of Nantes. It is one of the faces of the capital of the Pays de la Loire region and clearly demonstrates Nantes’ ability to use its real estate heritage to develop its cultural activity. Le Lieu Unique was formerly the LU biscuit factory. It is still possible to visit the old factories today. When the factory moved, the city council decided to keep the building, located in the city center, and turn it into a cultural venue. Today, Le Lieu Unique hosts exhibitions, concerts, live shows, conferences, and has a bar and restaurant. It is one of the best-known examples of successful transitional urban planning in France.

            Transitional urban planning can be defined as the use of vacant space (offices, housing, vacant lots, etc.) during an intermediate phase before a construction or an urban planning phase. These vacant spaces are now mostly occupied by cultural actors (who do not have a lot of resources), or sometimes by companies for offices. It is rare for transitional urban planning to provide housing for people, as it is often very complicated to create decent living spaces in empty buildings. Transitional urban planning is no longer so transitional, as some transitional spaces have become such important cultural venues that they are being preserved in the next development project. This is the case with Le Lieu Unique, but also with other venues such as the La Station Gare des Mines nightclub (Porte de Paris), which was due to be demolished to make way for housing but will now be preserved due to its cultural significance.

History of transitional urban planning in Nantes:

Nantes was one of the first cities to develop a genuine transitional urban planning policy in the 1990s, notably with the Allumés festival. This festival was created at a time when Nantes was undergoing deindustrialization. Factories in the city center (LU) and on the Île de Nantes were closing one after the other. The city was losing its identity and dynamism. The former Socialist Party mayor, Jean Marc Ayrault, decided to focus the city’s policy on culture. It was in this context that the Allumés festival was created. Between 1990 and 1995, the city hosted artists from six cities for six days and six nights: Barcelona (1990), Saint Petersburg (1991), Buenos Aires (1992), Naples (1993), Cairo (1994), and Havana (1995). The festival took place in all the city’s unusual venues, particularly the disused LU factories and the eastern part of the Île de Nantes. The festival was a huge success. It was followed by numerous concerts and rave parties in these same abandoned factories. This festival was a national example of the use of vacant buildings for large-scale cultural projects. Since the 1990s, numerous cases of transitional cultural urban planning have developed in Nantes and throughout France.

Allumés festival, Nantes 1992

Nantes has continued to be a pioneer in terms of cultural activity in transitional spaces. One example is Transfert, a huge cultural venue bringing together all kinds of artistic and cultural practices. This cultural venue was in Rezé on the wasteland that was once home to the city’s old slaughterhouses. This venue existed from 2018 to 2022 and set the pace for Nantes’ cultural and nightlife scene for five years. Transfert was created by the Pick up Production association, which organizes numerous cultural events in Nantes, such as the Hip Opsession festival, the Ateliers de Chanzy, and other events. The aim of Transfert was to create a dialogue between the city’s artists and residents in a place of urban and cultural experimentation.

Transfert, Rezé 2022

Transitional urban planning has become increasingly important in recent years, particularly due to rising real estate prices and cuts in cultural funding. Associations and cooperatives in cities are finding it increasingly difficult to find premises and spaces to express themselves. However, these cultural practices are essential to sustaining the social and solidarity economy in Nantes, which accounts for 16% of jobs in the city. The city of Nantes therefore provides several transitional spaces prior to final development projects. These projects help to counter the financialization of real estate in urban areas, increase the intensity of use of these spaces, and create activity for residents. Transitional urban planning is integrated into the urban planning strategies of all major cities in France. 

Transitional urban planning today :

Transitional urban planning projects now take many forms in Nantes. There are numerous examples in coworking, such as Solilab on the Île de Nantes, which brings together more than 140 start-ups in a former factory on the island of Nantes, the digital canteen, Open-Lande, also on the Île de Nantes in former offices, Le Grand Bain near the university hospital, which was the city’s former public baths, and Gueule de Bois, a former factory converted into a workspace for carpenters in Bouguenais. 

The city also has many places dedicated to welcoming artists: Bonus (in a former school in Saint Félix and on the Île de Nantes), L’atelier de la Ville en bois (a small office converted into an artist’s residence), Pol’n (an office and apartment converted into an artist’s residence and exhibition space). Art studios have completely disappeared from the city center in traditional real estate. These art studios are therefore essential because they allow artists to work in the city center and develop their artistic network despite the continuous rise in rents. 

There are also numerous multidisciplinary cultural venues that would not exist without transitional urban planning and the city council’s support for cultural creation, such as Le Trempo and Le Stéréolux, renowned music venues perfectly located in the heart of the Île de Nantes. Another example is the Blockhaus, an underground exhibition and concert venue located 50 meters from the elephant in an unusual reinforced concrete structure that look like a bunker. 

New projects are developed every year, such as the former Nantes École des Beaux Arts in Bouffay, which is currently being taken over by the Yes We Camp association (well known in transitional urban planning in Paris and Marseille). This association is working with citizens to co-develop a social, cultural, and solidarity program in this former school dating from the early 20th century. 

Transitional urban planning can also have a very significant political dimension, capable of changing the face of a city. The current debate surrounding Nantes University Hospital is a perfect example of this. The university hospital building is a huge concrete structure the size of an entire neighbourhood, located five minutes from the city center. However, a new hospital is being built on the Île de Nantes to replace the existing one, which is too old and too small for the number of inhabitants. The city is therefore considering what to do with the old hospital. Should the old university hospital be demolished to build new housing for the city in the heart of the center, thus creating a new neighbourhood, or should the existing building be kept and its use transformed? The city is not necessarily in Favor of demolishing the site for environmental reasons. Many architects and urban planners are therefore considering how to adapt the building. The Nantes University Hospital project therefore seems to be the ideal place to develop transitional urban planning projects that were previously unimaginable. The role of artistic and cultural associations and collectives will be essential in the reuse of this building.

Transitional urban planning nevertheless raises many ethical and political questions. Although this practice appears to be a means of combating rising real estate prices, developing the cultural, social, and solidarity economy, and providing a place for culture and art in the city center, transitional urban planning has also become a financial means for multi-property owners to increase the value of their assets. The latter seek out artistic and cultural associations to occupy their spaces in order to avoid squatters, increase the value of these vacant lots, and ultimately gentrify downtown areas. Transitional urban planning is therefore sometimes a real estate strategy that complements traditional real estate, enriching owners centers, and increasing rents.

Transitional urban planning is also highly controversial in France because it contributes to the gentrification of areas. Abandoned sites that have been repurposed for cultural use are often located on the outskirts of cities, in poor neighborhoods with aging industries. However, with the rise in real estate prices, these neighborhoods are increasingly sought after by the more affluent classes who want more space at a better price than in the city center. Transitional cultural spaces often cater to this more bourgeois population with cutting-edge cultural programming and high-quality consumption at high prices. The historic residents of these neighborhoods are therefore often left on the margins of these transitional projects, which has attracted criticism. This criticism can be seen in particular in the Parisian suburb of Pantin with “La Cité Fertile” (the largest cultural third place in Paris, located on a waste land). This venue is located in a poor, mixed-income neighbourhoods of Pantin, but prices at La Cité Fertile are very high and the clientele is mostly affluent Parisians. Long-time residents of the neighbourhood have therefore strongly criticized La Cité Fertile, accusing it of gentrifying the neighbourhood.

Transitional urban planning is also a way for cities to avoid actually addressing the structural problems of culture in France. Cities support the arts community by providing them with venues for a limited period of time while reducing their culture budgets, sometimes in their own interest as this also increases the property value of various sites belonging to the city council or the local authority. 

Author and photographer: Kamil ALLET

San Luigi dei Francesi – a dialogue between cultures

Architecture

Located between the Pantheon and Piazza Navona, the Church of San Luigi dei Francesi (Saint Louis des Français) is one of Rome’s most significant French landmarks. It was built as the national church of France in Rome and this is immediately obvious, simply by looking at its façade, decorated with French monarchs and saints. It is inside, however, that it is possible to find the real treasure of this church. The Contarelli Chapel houses three paintings by Caravaggio, works that influenced the representation of sacred themes and secured his reputation as a revolutionary figure in art history. Moreover, in front of the Chapel, in the right nave, there are the tombs of French artists and patrons who came to Rome in order to study and work at the local French Academy.  

I visited the church for the first time this summer, when I was attending a French preparatory course at the Centre Saint-Louis located next to it. Unfortunately, I don’t remember much from the course but I have a vivid memory of the moment when I entered it. The noise of the cars vanished immediately, replaced by a religious silence, sometimes interrupted by tour guides or by visitor’s reactions to the beauty before them. 

The foundation of San Luigi dei Francesi dates back to 1518, when Cardinal Giulio de’ Medici, later Pope Clement VII, commissioned its construction to Jean de Chenevières. However, after the Sack of Rome in 1527, the construction stopped and the church was only completed in 1589 under the guidance of Giacomo della Porta and Domenico Fontana. The church was intended as a national sanctuary for the French community in Rome, a space where French pilgrims, diplomats, and residents could gather for worship.  

As mentioned above, the façade, in classical late-Renaissance style, reflects this French identity. Among the famous figures of French history represented there are: Charlemagne, King Saint Louis (Louis IX), Saint Clotilde, and Queen Jeanne de Valois.  

Inside, the plan follows a typical layout of Roman churches of the period, with three naves flanked by side chapels. Several French patrons contributed to decorating these chapels, commissioning works of art that reflect both religious devotion and national presence in Rome. Nowadays, the church remains under the responsibility of the Pious Establishments of France in Rome and Loreto, maintaining its function as the French national church. 

In my experience, as soon as I entered, my expectations were so high that I just wanted to go straight to the famous chapel. Even the soft light from the windows seemed to guide me to it. But the church in its integrity is a gem very difficult to describe. The path that leads to the famous paintings is rich in marvellous pieces of art that are as capable as the chapel at hypnotising the visitor. For people like me who want to read every plaque before moving to the next painting or statue, the visit can take a really long time. I recommend admiring the canvases last, in order to just increase the wait and the consecutive reaction. Even the position of the chapel, located at the end of the left nave, encourages the visitor to appreciate it as the last element of his or her visit. 

This space was dedicated to Saint Matthew and founded by Cardinal Matthieu Cointerel (Contarelli when translated in Italian). After his death in 1585, the commission to decorate the Chapel was entrusted to Michelangelo Merisi da Caravaggio, a rising but controversial figure in Rome’s art world at the time.  Between 1599 and 1602 Caravaggio produced three canvases that remain among his most famous works: The Calling of Saint Matthew, The Martyrdom of Saint Matthew, and The Inspiration of Saint Matthew. This was considered his first major public commission and established him as a master of a radically new style. This was considered his first major public commission and established him as a master of a radically new style. Beyond San Luigi dei Francesi, other Roman churches also preserve Caravaggio’s masterpieces, such as the Church of Sant’Agostino with the Madonna of the Pilgrims, or Santa Maria del Popolo, where his Conversion of Saint Paul and Crucifixion of Saint Peter still hang in their original chapels. These places remind us that Rome itself can be seen as a vast open-air museum, where art of immeasurable value is freely accessible. These churches don’t require a ticket to enter, and I think that few other cities in the world allow such an immediate encounter with masterpieces of this kind.  

On the left wall of the chapel, it is possible to admire the first painting that Caravaggio made, The Calling of Saint Matthew. It depicts the moment when Christ calls the tax collector Levi, who will become the apostle Matthew, to redeem him and invite him to join the apostles. Caravaggio decided to set the scene not in a biblical setting but in what looks like a tavern, filled with ordinary men dressed in contemporary clothing. A shaft of light cuts across the composition, illuminating Matthew’s surprised face as he gestures toward himself in disbelief. The famous chiaroscuro effect is here used magnificently and it turns the scene into a dramatic encounter between the sacred and the everyday.   

This is by far my favourite painting of the three. I think that the setting is what I appreciate the most. The choice of representing such important moments in an everyday context is what really distinguishes Caravaggio. The way he painted saints, kings, prostitutes and every character as part of the same real, lively world, one which his contemporaries could recognise in Rome. In fact, Caravaggio has always preferred to use as models people from the poorest layers of society (peasants, shoemakers, workers) in order to give to his masterpieces a more realistic and authentic touch. 

On the opposite wall, The Martyrdom of Saint Matthew presents the final moments of the life of the Saint, when he was murdered by the soldiers of the wicked king of Ethiopia. He is attacked while celebrating Mass, struck down in a violent and chaotic moment. The executioner dominates the canvas, ready to strike with his sword at the saint, while an angel descends from above. The composition is dense and tumultuous, reflecting the brutality of the event. Once again, light plays a decisive role, highlighting the drama and guiding the viewer’s eye. 

The last canvas made by Caravaggio is The Inspiration of Saint Matthew located above the altar of the chapel. The artist made a first version of this subject, known as Saint Matthew and the Angel, that was rejected for being too unconventional and that was unfortunately destroyed during WWII.  In the final version here located, Matthew sits at a desk, pen in hand, while an angel gently guides him while he’s writing the Gospel. The Saint appears humble and his pose is uncertain: he leans his arm against the table and his left leg is on a stool in an unstable balance, highlighting his uncertainty about what he’s writing.  

In these three paintings Caravaggio rejected the idealized forms of Renaissance tradition, opting instead for realism, ordinary models, and intense contrasts of light and shadow. These works, that shocked his contemporaries, propelled him to fame and secured further important projects in Rome. 

San Luigi dei Francesi also serves as a place of memory. As mentioned above, over the centuries, many French artists, writers, and patrons connected with the French Academy in Rome were buried here. Their tombs testify to the deep ties between France and the Eternal City. They are located in the right nave, and among those commemorated are figures such as Cardinal de Bernis, a diplomat and patron of the arts, and Pauline de Beaumont, a writer and friend of Chateaubriand. 

But not all the tombs are located here. In fact, scattered throughout the church, there are other tombs dedicated to French soldiers that, on several occasions during the centuries, fought in Rome. For example, there is a tomb dedicated to the French soldiers that fought during the short life of the Roman Republic, between 1849 and 1850.  

I always find these monuments fascinating to analyse in depth. Seeing a real testament to the people who lived or fought for this city makes me feel more connected to the roots of the history of the place where I live. Looking at their tombs, I wondered if they too had once walked through the streets of Rome: what it was like at the time, how the landmarks were experienced, what living there meant to them, and whether they missed their homeland. This reminds me that this church is both a gallery of masterpieces and a memorial to cultural exchange. In a way, it reflects what I, like many other exchange students, am experiencing at Audencia and in Nantes: we are suddenly immersed in a new country, sometimes with our thoughts still at home, while at the same time engaging with this new culture and learning through encounters with people from all over the world. 

San Luigi dei Francesi is a remarkable example of how art, history, and identity converge in a single space. Visiting the church today is therefore more than an encounter with beautiful paintings. It is an immersion into a centuries-old dialogue between France and Italy, faith and art, memory and creativity. 

Author and photographer: Fulco ANZALONE

Le Printemps de Bourges Crédit Mutuel: une 47ème édition dédiée au RAP et à l’émergence

Spectacle vivant,

Le Printemps de Bourges Crédit Mutuel 2023 a déclaré la saison des festivals de musiques actuelles ouverte en mettant la barre haute en termes de création et de programmation. Du mardi 18 au dimanche 23 avril, nous avons pu retrouver des artistes de renom comme Juliette Armanet, Benjamin Biolay, Lomepal, -M- au Chapiteau du W, des artistes programmés dans beaucoup de festivals cet été,  Pierre de Maere, Biga Ranx*, Adé, Kalika mais aussi 6 créations orchestrées par Florent Marchet, Léonie Pernet, Thomas De Pourquery, l’ancienne inouïe Silly Boy Blue, Oxmo Puccino et La Maison Tellier.

L’affiche de l’édition 2023

L’émergence, un fer de lance pour le Printemps

Fondé en 1977 à Bourges, le Printemps  a toujours souhaité mettre en avant les artistes émergent.es en créant au fur et à mesure des années un réseau chargé d’un tremplin d’artistes. Le Réseau Printemps s’appuie aujourd’hui sur le travail d’exploration et de repérage local des professionnel.les associé.es commencé dans leurs régions et s’occupe de ce qu’on appelle depuis 2012: Les Inouïs du Printemps de Bourges.

Après un processus de présélection sur écoutes, d’auditions régionales puis nationales, 34 projets ont été choisis pour suivre un Stage de Structuration Professionnelle et se produire sur les scènes du 22 lors du Festival. Parmi eux, les projets Aghiad, Demain rapides et Briques argent ont d’ailleurs été récompensés respectivement par les prix du Public, le prix du Jury et le Prix du Printemps de Bourges Crédit Mutuel. 

Place au Rap, c’est de la frappe !

En 2022, 30 des 50 titres les plus écoutés en France en 2022 étaient des morceaux de rap, le Printemps de Bourges Crédit Mutuel a décidé de mettre en lumière  ce genre que le milieu musical français a mis du temps à considérer et à légitimer.

Oxmo Puccino a ouvert le bal à la scène nationale de Bourges en proposant, le jeudi 21 avril,  une création originale nommée “DÉSIR(S)”. Il a fait appel aux anciens inouïs  BB Jacques et  Eesah Yasuke ainsi qu’aux artistes Benjamin Epps, Jäde et Jok’Air pour explorer et dialoguer ensemble sur  les différentes formes de désirs.

Le festival a proposé ensuite une soirée dédiée au Rap au sein du Chapiteau du W en programmant à nouveau B.B Jacques, l’ambitieuse Doria, Hamza, Tiakola, Gazo, Lorenzo pour clôturer la soirée avec Vladimir Cauchemar.

Pour aller plus loin, l’exposition retraçant l’Histoire du Rap, « Rap ! Un scratch, un beat » a été accueillie dans le Hall de la Maison de la Culture de Bourges. Créée en collaboration avec la documentation de Radio France, elle affiche des pochettes d’albums, unes de presse et objets symboliques comme le disque d’or de Mc Solaar.

L’affiche de l’exposition « Rap ! Un scratch, un beat »

Les professionnel.les de l’industrie musicale au rendez vous comme le reste des festivaliers

Le Printemps représente le premier grand rendez vous des professionnel.les de la musique de l’année, qui continuent de venir chaque année pour les concerts, les showcases et les rencontres avec les artistes.

Si la plupart des festivals ont rencontré cette année des problèmes financiers face à l’augmentation des prix de l’énergie mais aussi des cachets des artistes, plusieurs ont été contraints de répercuter cela sur le tarif du billet. Le Printemps de Bourges est heureux de ne pas avoir touché à ses tarifs alors que « Pour faire le même festival, cette année, nous comptons environ 10 à 12 % d’augmentation des coûts. L’énergie et les matières premières sont nettement plus chères. » déclare Boris Vedel, directeur général du festival du Printemps de Bourges depuis 2015, dans un entretien avec le HuffPost.

L’atout du festival est sûrement qu’il rayonne dans la ville entière en proposant une offre culturelle en accès libre: Le Printemps dans la ville. On retrouve ainsi la scène de dijing Riffx sur la place Séraucourt, le village Demain le Printemps au pied de la Cathédrale dédié aux familles et à l’environnement ou encore les nombreux concerts programmés dans les bars de la ville.

Alix Playoust

Liens utiles:
Festival Le Printemps de Bourges Crédit Mutuel (printemps-bourges.com)

Printemps de Bourges : découvrez en vidéo l’exposition rap à la Maison de la Culture – Bourges (18000) (leberry.fr)

Maison de la Culture de Bourges – Hors les murs depuis 2011, la maisondelaculture de Bourges, scène nationale, poursuit sa programmation spectacle vivant et cinéma dans différents lieux de la ville (auditorium, théâtre Jacques Cœur, etc) en attendant l’achèvement d’un nouveau bâtiment, place Séraucourt. (mcbourges.com)


Sources:

Livre de COLLING Daniel, MAGNIER Philippe. Le Printemps de Bourges : scènes, rues et coulisses. Paris : Editions du Garde-Temps. 2002.

Le Printemps de Bourges retrouve ses marques (lemonde.fr)

Printemps de Bourges 2023 : disque d’or de MC Solaar, manuscrit de NTM… le rap expose sa grande Histoire à la Maison de la Culture (francetvinfo.fr)

Récompense

Cannes 2023 : Crasse et paillettes

Cinéma / TV, , , ,

On y est ! 

En ce moment a lieu le 76ème festival de Cannes. Le 31 mars dernier, le premier film de la sélection a été annoncé, Killers of The Flower Moon, drame policier de 3h26 porté par un duo légendaire : Leonardo DiCaprio et Robert de Niro, et réalisé par le grand Martin Scorsese.

Avec ceci, une impressionnante sélection officielle a été révélée en amont, donc comme tout bon cinéphile qui se respecte, on a déjà envie d’y être.

Entre retour de grands cinéastes, polémiques naissantes et menaces de black out, cette édition risque d’être mouvementée, ce qui nous promet une année riche en émotions.

Affiche du film Killers of The Flower Moon de Martin Scorsese, 2023. Source : https://www.allocine.fr/

Ruben Östlund, l’insider outsider

Le 28 février dernier, le nom du président du jury de cette 76ème édition a été révélé. 

C’est le réalisateur suédois Ruben Östlund qui aura l’honneur d’élire la Palme d’Or 2023 : c’est un des 9 double palmé au festival de Cannes avec The Square en 2017 et Sans Filtre l’année dernière mais aussi lauréat d’un prix du jury en 2014 dans la sélection Un Certain Regard pour Snow Therapy, le tout avec seulement 6 longs-métrages à son actif. Pas mal.

Le maître du cinéma suédois contemporain vient donc succéder à Vincent Lindon et a déclaré suite à sa nomination : « Nul autre lieu dans le monde ne suscite un tel désir de cinéma lorsque le rideau se lève sur un film en compétition. »

Ruben Östlund récompensé de la Palme d’or pour son film Sans filtre, lors de la 75ᵉ cérémonie du Festival de Cannes, 2022. Photo : PATRICIA DE MELO MOREIRA / AFP. Source : https://www.lemonde.fr/

Quelles sont les oeuvres qui susciteront notre désir de cinéma ?

Voyons donc ce qu’il y a au menu de cette 76ème édition. Commençons par le plus croustillant : les long-métrages en compétition, ceux qui concourent pour la palme tant convoitée.

Tout d’abord, on se réjouira du grand retour de Ken Loach, habitué de la Croisette, 4 ans après son dernier film Sorry We Missed You. 

A 86 ans, le britannique double palmé revient en compétition avec The Old Oak, drame social se déroulant au nord-est du Royaume-Uni, dans une localité marquée par la chômage dû à la fermeture de la mine de charbon. Le pub local « The Old Oak » va accueillir des réfugiés syriens, ce qui va diviser la population. 

L’engagé Ken Loach avait d’ailleurs récemment apporté son soutien aux grévistes français, qualifiant ces moments de mobilisation de « galvanisants ». Il a aussi déclaré que ce long-métrage sera probablement son dernier film de fiction : réussira-t-il l’exploit d’être le premier cinéaste à remporter trois palmes d’or ? 

Dans la catégorie « grand retour », on aura le plaisir de voir L’Été Dernier, le nouveau film de Catherine Breillat 10 ans après son dernier long-métrage. Ce drame porte sur une histoire d’amour interdite entre une avocate et son beau-fils de 17 ans interprétés par Léa Drucker et Samuel Kircher. Elle semble s’être accordée avec l’américain Jonathan Glazer, de retour avec un drame se déroulant durant la seconde guerre mondiale, The Zone of Interest, 10 ans aussi après son dernier film, le fascinant Under The Skin.

On aura du très beau monde sur la Croisette, on peut déjà citer le casting gargantuesque du nouveau Wes Anderson, Asteroid City, avec, accrochez-vous bien : Scarlett Johansson, Margot Robbie, Tom Hanks, Bryan Cranston, Tilda Swinton, Edward Norton, Adrian Brody, Steve Carrell, Willem Dafoe, Jeff Goldblum et plus encore, rien que ça.

Extrait image de la bande annonce officielle du film Asteroid City de Wes Anderson, 2023. Source : https://www.youtube.com/

Natalie Portman et Julianne Moore seront également de la partie, un duo qui nous laisse rêveurs, dans le nouveau film de Todd Haynes, May December.

On pourra aussi compter sur la présence du double oscarisé Sean Penn dans Black Flies de Jean-Stéphane Sauvaire, notre Juliette Binoche nationale dans La Passion de Dodin Bouffant de Trần Anh Hùng ou encore le charismatique Jude Law dans Firebrand de Karim Aïnouz.

On se régale d’autant plus en réalisant que tout ce gratin de stars est seulement constitué des films en compétition. 

Effectivement, en zieutant les autres catégories et les films hors compétition, on se demande comment les commerçants de Beverly Hills feront pour éviter la banqueroute durant la période du festival.

On s’est tous réjouis de l’annonce de la sélection du nouveau film de Martin Scorsese, qui n’était pas revenu sur la Croisette depuis 1986 avec After Hours mais aussi du retour de notre aventurier préféré avec Indiana Jones et le Cadran de la Destinée, dernier volet de la saga homonyme mondialement connue. Au casting : l’habituel Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridges, Mads Mikkelsen, Antonio Banderas.

On aura aussi le plaisir de voir Pedro Almodovar revenir avec le court-métrage Strange Way of Life, western romantique entre Pedro Pascal et Ethan Hawke.

Que demande le peuple ?

Derrière les strass et les paillettes, on aperçoit cependant quelques zones d’ombre et des polémiques naissantes autour de cette prochaine édition.

Le 76ème festival de Cannes entre déjà dans l’histoire. Avec 7 réalisatrices, c’est le record de représentation des femmes en compétition dans l’histoire du festival. Cependant, c’est un triste record car on reste encore très loin de la parité demandée par le collectif 50/50. 

Ce même collectif a également dénoncé la présence du film Le Retour de Catherine Corsini, annoncé dans la programmation initiale, puis retiré, puis réintégré.

En effet, ce film a été pointé du doigt après des suspicions d’agressions sexuelles sur mineur lors du tournage. 

Le collectif 50/50 considère que la réintégration du film dans la sélection est « un signal dévastateur envoyé aux victimes de violences sexistes et sexuelles. C’est aussi une manière de renforcer les connivences qui règnent dans notre industrie, et qui empêchent la libération apaisée de la parole sur ce sujet crucial. ».

Le fait que le film ait une telle exposition a suscité beaucoup de réactions, notamment sur les réseaux sociaux avec le producteur Marc Missionnier qui a lancé l’hashtag #BoycottCannes. 

Publication de Marc Missionnier sur Tweeter en réponse à la présence du film Le Retour de Catherine Corsini dans la programmation du festival de Cannes, 2023. Source : https://twitter.com/marcmissonnier/

Johnny reste

Le 5 avril dernier était annoncé Jeanne du Barry, le nouveau long-métrage de Maïwenn en ouverture du 76ème festival de Cannes avec… Johnny Depp.

Ce film marque le grand retour de Johnny Depp à l’écran après plus d’un an de démêlés judiciaires avec son ex-compagne Amber Heard. 

De plus, seulement trois jours après l’officialisation de la sélection de nouveau long-métrage de Maïwenn, il a été révélé que le journaliste Edwy Plenel a porté plainte en mars contre la réalisatrice française pour violences, cette dernière lui aurait tiré les cheveux avec violence et craché au visage dans un restaurant parisien fin février.

Le choix de Jeanne du Barry en tant que film d’ouverture du plus grand festival de cinéma au monde a donc suscité énormément de réactions, notamment sur les réseaux sociaux où de nombreux internautes ont exprimé leur mécontentement à la suite de l’annonce.

Les jours pesant

Autre colère, qui doit ravir notre cher Ken Loach, c’est la menace de plonger le festival de Cannes dans le noir lancée par la CGT la semaine dernière.

C’est en guise de réponse aux 100 jours « d’apaisement et d’action » mentionnés par Emmanuel Macron au cours de sa dernière allocution que les syndicats de la Fédération nationale Mines Energies CGT a déclaré son intention de se faire entendre et elle aurait « techniquement les moyens » de plonger le festival dans le noir. Pour le moment, aucune réaction ni par le festival de Cannes ni par son délégué général, Thierry Frémeaux n’a été constatée. 

Entre ombre et lumière, on se questionne sur la façon dont va se dérouler ce 76ème festival de Cannes. 

Ce qui est sûr, c’est qu’on a déjà du bon spectacle. Il n’y a plus qu’à espérer qu’on ait du bon cinéma.

Affiche officielle de la 76e édition du festival de Cannes, 2023. Source : https://www.lefigaro.fr/

Antoine Madon

Booba et A.L.I

Lunatic, ou le groupe le plus ambivalent du rap français.

Musique, Spectacle vivant,

Lunatic (adj, nom) : Celui ou celle qui est influencé(e) par la lune, qui a l’humeur changeante, déconcertante.

Nous connaissons tous Booba, mais les moins passionnés de rap français d’entre nous ne connaissent probablement pas son début de carrière avec A.L.I. au sein d’un duo qui a marqué l’histoire de cette discipline : Lunatic.

Commençons par le commencement, selon certains, B2o et A.L.I respectivement originaires de Boulogne-Billancourt et d’Issy-les-Moulineaux, se seraient rencontrés en 1994. D’abord membres du collectif La Cliqua, les deux compères s’affilient ensuite à Beat de Boul’, au sein duquel, avec Zoxea à la baguette, ils réaliseront leur premier album, Sortis de l’ombre en 1995, qui ne sera malheureusement jamais exploité. À la même période, le duo que forme Lunatic fait ses premières apparitions sur les mixtapes de DJ Cut Killer (La première K7 freestyle de rap français, Les Lunatic). À la suite de différends avec Beat de Boul’, Lunatic rejoint alors un autre collectif : Le Time Bomb, composé notamment d’Oxmo Puccino, Pit Baccardi et des X-men, qui produiront ensemble une quantité hallucinante de freestyles d’anthologie …

Booba et Ali, photographie de 2019. Source : https://intrld.com/

Booba-Ali, 2 alter égos

C’est en 1996 avec Le crime paie (paru sur la compilation Hostile Hip-Hop volume 1) que le groupe connaît son premier succès qui commence à dépasser les frontières de l’underground : la magie opère sur ce morceau. Les deux MCs y dépeignent leur réalité, de manière pesante, presque angoissante, à l’aide d’un rap imagé et cru (« Tu me connais, j’suis assez bestial pour de la monnaie »). Le duo fait déjà preuve d’une forte complémentarité, grâce à de nombreux passes-passes et des phases comme « Des 2 Lunatic, tu veux en test 1 ? Si tu en tues 1, protège ton dos…il en reste 1 ! ». C’est alors les prémices de ce qu’on entendra plus tard sur Les vrais savent (en 1997 sur la compilation L 432), où Booba rappait déjà « A.L.I. mon double ou moi le sien » ce à quoi A.L.I. répondra « Booba mon double ou moi l’sien » sur HLM 3, extrait de Mauvais Œil, le seul et unique album du groupe paru à ce jour…

Mauvais Œil ou l’art du contraste et de la nuance, voire du paradoxe…

La force du duo réside dans sa capacité à installer une atmosphère lourde, brute et oppressante sur leurs morceaux, notamment grâce aux prods singulières de Marc Jouanneaux (Animalsons), Geraldo, Cris Prolific ou encore Frédéric Dudouet. Mais en dépit de ce côté brutal et imposant, là où Lunatic fait la différence, c’est que le duo manie à merveille la comparaison, l’image, la nuance et le paradoxe, comme s’il avait compris que l’Homme est un être changeant (lunatique donc), qui se contredit lui-même, tant dans ses choix que dans son comportement, tous deux parfois déroutants. Sur fond de dénonciation de la condition des jeunes de quartiers dits « difficiles » et de rage envers le fonctionnement du monde qui les entoure (la colonisation, les inégalités…). Booba et A.L.I. arrivent à mettre des mots sur un pan indéniable de la condition humaine : l’ambivalence. Dans Les vrais savent Booba rappait « Dans le mauvais il y a du bon aussi » …

Album double vinyle de Mauvais Œil, édition limitée du label français 45 Scientific. Source : https://shop45scientific.com/

Dans l’Intro de Mauvais Œil, dès les premières mesures, A.L.I. déclame « Lunatic, ainsi est la vie, chaos et harmonie ». La deuxième track de l’album, Pas l’temps pour les regrets, aborde, comme son nom l’indique le fait qu’ils ne reviennent pas sur ce qui a été fait dans la mesure où leur humeur est changeante, comme s’ils étaient influencés par la lune, ce qui les empêcherais de contrôler totalement leurs actes, mais dans un élan de lucidité, ils savent reconnaître leur part de responsabilité (« Les erreurs n’appartiennent qu’à nous-mêmes ») et en avertissent leurs semblables (A.L.I. : « À nous les fautes, quand les pulsions l’emportent sur la réflexion, te privent de contrôle, primitive réaction, préviens les autres »).

Sur L’effort de paix (feat Sir Doum’s), Booba débute le morceau par « J’suis venu en paix, pour faire la guerre aux bâtards », plutôt contradictoire n’est-ce pas ? Plus tard A.L.I. surenchérit par « La vie est ainsi, pour que la paix s’apprécie, faut passer par les combats la sueur et la pression », comme pour rappeler qu’il n’y de paix sans guerre, donc que la paix n’est rien si elle n’est pas mise en opposition, en contraste, avec son opposé : la guerre. Dans la même veine Civilisé (sans doute mon morceau préféré de tous les temps) appelle à l’accalmie tout en se voulant par moments violents : « On est les plus divisés du monde, c’est pour mes gars, civilisés ou non, mes troupes sont mobilisées, j’vire dans l’rouge mais j’dois rester civilisé ». C’est encore une fois un effort de paix que l’homme doit faire, même quand il se laisse emporter. Cet art du paradoxe se ressent également dans l’approche de la morale des deux produits du 92. En effet, il semble qu’ils soient tiraillés entre le bien et le mal, diptyque représentant le combat perpétuel qui a lieu en chaque être humain : A.L.I. rappait alors « Guerrier en paix avec moi-même » sur Le son qui met la pression, ou, étant lui-même rappeur, « Tu veux rapper pour quoi et pour qui ? La gloire, le cash, le sexe tout c’qui s’en suit ? Pour ça tu donnerais ta vie, hein ? » sur HLM 3 pendant que Booba scandait sur Si tu kiffes pas… « J’aime les ‘tasses mais j’veux pas dire à mes gosses que, elles aiment les grosses voitures et les grosses queues » …

Lunatic, une séparation inexorable…

Cependant, lorsque l’on écoute attentivement Mauvais Œil (Al 3ayn en arabe), on constate que la complémentarité entre A.L.I. (Africain Lié à L’Islam) et Booba va plus loin que le simple art de la rime, et que le contraste, au-delà de leur musique, caractérise la différence profonde entre les deux MCs, notamment en termes religieux. En effet, tout au long de l’album, Booba multiplie les rimes provocatrices (cependant moins blasphématoires que ce qu’il pourra faire par la suite), là où Ali se veut plus pieu et porteur d’un message, celui de l’Islam, mais plus largement celui de la religion dans son sens le plus global. C’est d’ailleurs cette différence qui fait également la force du duo. Quand Booba nous dit « Fais ton chemin bien, qu’tu choisisses le mauvais ou le droit », sur Avertisseurs, « Suicide à la hyia, trop faya pour aller prier » sur Pas l’temps pour les regrets ou encore « À fond dans l’autre sens de la droiture » sur Civilisé, les textes d’A.L.I. sont bourrés de multiples références et rappels religieux ainsi que d’incitations à l’élévation spirituelle. Il dit, entre autres « À chacun son langage propre, rares se comprennent, preuve de la malédiction descendue sur Babel. Chacun pour soi dans l’éphémère et l’Éternel pour tous ceux qui ont foi en sa bénédiction » toujours sur Avertisseurs et « J’aime la foi, celle qui nous maintient debout. Et qu’on garde à ses côtés pendant le sommeil comme une épouse » sur Si tu kiffes pas…

C’est donc cette divergence, une fatalité glaçante et nihiliste côté Booba, une lucidité teintée d’espoir et de repentance côté Ali, qui mènera sans doute à leur séparation, le rap d’A.L.I. se voulant sans doute plus en accord avec les valeurs de la religion, là où celui de Booba prendra par la suite une direction plus divertissante et donc plus sujette à la vanité.

Pablo Picasso, La Guerre et la Paix, 1952, huile sur isorel d’environ 120 m2, chapelle de Vallauris. Source : https://musees-nationaux-alpesmaritimes.fr/. La disposition spatiale exprime la dualité entre le mal et le bien, dans toute leur ambivalence que matérialise le duo Booba-Ali. Le panneau central, Les Quatre parties du monde, a été installé en 1959, juste avant l’inauguration officielle.

Ainsi, la musique de Lunatic est bel et bien on ne peut plus humaine, dans le sens où elle est le produit de deux hommes et rappeurs extrêmement complémentaires, reflétant chacun à leur manière les paradoxes humains, mais qui finiront inexorablement par entrer en désaccord dans leur vision de la musique. Lunatic a, selon moi, marqué l’histoire, car ils ont été ceux qui ont pu saisir et retranscrire au mieux le mystère de l’Homme : son ambivalence, son Lunatisme…

Etienne Rouault

Fresque présente sur l'East Side Gallery

En quoi l’East Side Gallery est-elle un symbole de l’Histoire de Berlin ?

Arts visuels, , ,
East Side Gallery, Mühlenstraße, Friedrichshain. Photo prise à l’occasion des 25 ans de la chute du Mur de Berlin : © Gerhard Westrich. Source : https://www.geo.de/

L’East Side Gallery: un lieu culturel engagé et chargé d’histoire

L’East Side Gallery est la partie du mur de Berlin qui a été la mieux conservée. Elle mesure 1,3 km de long et est recouverte de fresques dessinées par des artistes peu après la chute du mur de Berlin. Elle est classée monument historique et est aujourd’hui l’une des plus grandes galeries en plein air du monde.

L’East Side Gallery se trouve dans le quartier berlinois de Friedrichshain. En janvier 1990, 118 artistes de 21 pays se sont réunis ensemble pour peindre cette partie du mur qui était restée intacte. Elle a été officiellement inaugurée en tant que galerie d’art en plein air le 28 septembre 1990. Les thèmes choisis par les artistes étaient bien sûr la division et la réunification de l’Allemagne. Mais les peintures montrent aussi l’espoir d’un renouveau, le souhait d’un monde meilleur, l’euphorie de la chute du mur, le changement. Un an plus tard, la galerie a obtenu le statut de « monument protégé ».

Aujourd’hui, la partie la mieux conservée de l’East Side Gallery se trouve près de la gare Ostbahnof, où les fresques ont été rénovées. Malheureusement, les œuvres subissent les mauvais traitements du temps et surtout des nouveaux graffitis viennent aujourd’hui recouvrir certaines oeuvres et les font disparaître. Il y a donc de nouveaux projets de rénovation, et les fondateurs de la galerie ont également créé une association afin de récolter des fonds et de protéger les œuvres.

Berlyn de Gerhard Lahr, 1989, East Side Gallery. Cette œuvre a été endommagée par les nombreux graffitis. Photo : © djunaphotos. Source : https://berlinpoche.de/

Un lieu historique qui rappelle les années sombres de la Guerre froide et du mur de Berlin

L’East Side Gallery est avant tout un lieu historique, un rappel des années sombres de la guerre froide et de l’Histoire particulière de Berlin. Elle est en tout premier lieu un souvenir du mur de Berlin lui même, qui se tenait là avant elle. Ce lieu, cette galerie, avant d’être une oeuvre d’art, était ce mur qui divisait Berlin en deux parties que tout opposait. A la fin de la Seconde Guerre mondiale en 1945, l’Allemagne est en effet divisée en quatre zones d’occupation : une zone soviétique, une zone britannique, une zone américaine et une zone française. La ville de Berlin, située au cœur de la zone d’occupation soviétique, est alors également divisée en quatre parties.

En 1949, la République fédérale d’Allemagne (RFA) est créée, comprenant les zones américaine, britannique et française. Peu après, l’Union soviétique créé la République démocratique d’Allemagne (RDA), officialisant ainsi la division de Berlin en deux entités distinctes.
C’est à cette époque que les Allemands de l’Est commencent à émigrer massivement vers l’Ouest. Leurs raisons sont politiques, idéologiques, économiques… Le respect des libertés individuelles, de meilleurs salaires, une croissance plus forte, une abondance de biens que l’on ne trouvait pas à l’Est, …; ce sont les raisons principales à l’époque pour décider de quitter l’Allemagne de l’Est. C’est donc pour empêcher l’exode massif vers l’Ouest que le mur de Berlin est créé dans la nuit du 12 au 13 août 1961. Le mur de Berlin, souvent qualifié de « mur de la honte » par les Allemands de l’Ouest en réaction à l’appellation officielle du gouvernement est-allemand qui était « le mur de protection antifasciste », devient rapidement le symbole de la division de l’Allemagne et du monde. C’est un symbole concret de la guerre froide, mais aussi un symbole pour les victimes de cette guerre.

La construction du mur de Berlin dans la nuit du 12 au 13 août 1961. Photo : © dpa/picture alliance. Source : https://www.dw.com/

Une matérialisation forte de l’opposition entre deux modèles économiques et géopolitiques

La construction du mur est une réaction à l’effondrement économique de la RDA. Comme les autres pays du bloc de l’Est, le SED ( le parti socialiste unifié) met en place à cette époque une économie planifiée. Mais le plan septennal (1959-1965) est un échec dès le début, la production industrielle augmentant moins vite que prévu et la collectivisation des terres agricoles entraînant une baisse de la production et une pénurie alimentaire. 63 000 Berlinois de l’Est perdent leur emploi à l’Ouest, 10 000 Berlinois de l’Ouest perdent leur emploi à Berlin-Est, et ce sont aussi des milliers de familles qui seront séparées pendant plus de 20 ans.

Les deux parties de Berlin, à l’image des « deux Allemagne » vont en effet connaître un tout autre développement. Alors que Berlin-Ouest se modernise, Berlin-Est perd sa dynamique. Un fossé politique, économique et culturel entre l’Est et l’Ouest se creuse et se propage de plus en plus, mais également sur le plan culinaire et architectural. L’Est en particulier, prend, sous le pas communiste, un retard économique qu’il mettra des années à rattraper.

Aujourd’hui, la galerie comme symbole de la réunification de l’Allemagne…

La chute du mur a été favorisée par l’ouverture des frontières entre l’Autriche et la Hongrie en mai 1989. En effet, de plus en plus d’Allemands se rendent en Hongrie afin d’avoir un asile en République fédérale d’Allemagne. Cela conduit à de grandes manifestations à Leipzig et dans d’autres grandes villes de la RDA qu’on appellera les « Montagsdemonstrationen ». Des milliers d’Allemands de l’Est manifestent pour avoir plus de liberté et entamer un changement.

Le 9 novembre 1989, le gouvernement de la RDA déclare que le passage vers l’Ouest est autorisé. Le même jour, des milliers de personnes se rassemblent aux points de contrôle, comme Checkpoint Charlie, pour passer de l’autre côté et personne ne peut les arrêter. Le lendemain, les premières fissures voient le jour dans le mur. Après cette libération, familles et amis ont pu se retrouver 28 ans après. 329 jours après la chute du Mur, la réunification des deux États allemands est achevée le 3 octobre 1990 : La RDA rejoint la République fédérale d’Allemagne.

Rassemblement près d’une partie du mur de Berlin détruite après la décision de la République démocratique allemande (RDA) d’ouvrir les frontières entre Berlin-Est et Berlin-Ouest vers novembre 1989 à Berlin. Photo : ©Getty – Carol Guzy /The Washington Post / Contributeur. Source : https://www.radiofrance.fr/

… et un symbole de la liberté d’expression et une invitation au devoir de mémoire

Les artistes montrent par leurs œuvres et leur engagement que le désir de liberté est plus fort que les mesures coercitives et la violence. Avec plus d’une centaine de peintures, ils ont exprimé dans leur travail leur joie au moment de la chute du Mur, mais aussi leurs espoirs, leurs doutes, leurs questionnements, leurs craintes et leurs rêves de paix, de liberté et de démocratie.

L’East Side Gallery permet à chacun de se remémorer cette période, et ce devoir de mémoire est aussi une manière de faire en sorte qu’une telle division ne puisse plus jamais se reproduire. Elle devient un monument vivant et un témoignage de cette période si particulière de l’Histoire de l’Allemagne mais aussi du monde. Surtout, la galerie permet à chacun de se rappeler que le changement est toujours possible.

L’East Side Gallery est donc un symbole vivant de l’histoire de Berlin, car elle témoigne de l’histoire sombre de Berlin après la Seconde Guerre mondiale. L’East Side Gallery permet à chacun de se remémorer la guerre froide, comment des milliers de personnes ont perdu leur liberté, comment ils ont espéré un nouveau monde, un nouveau modèle et un nouveau système et comment ils ont exprimé leur euphorie après la chute du mur. Avant tout, ce lieu culturel qui attire aujourd’hui de nombreux visiteurs est un symbole de la réunification, du vivre ensemble, du lien fraternel, et est un symbole du présent et des décisions qui sont prises toujours encore aujourd’hui pour que l’Allemagne et le monde ne puissent plus jamais être séparés.

Test the Best (Trabant) de Birgit Kinder, 1989, East Side Gallery. La Trabant, la voiture populaire d’Allemagne de l’Est, transperce le Mur de Berlin et rappelle les nombreux Allemands de l’Est qui ont tenté de fuir à l’Ouest. Photo : © djunaphotos. Source : https://berlinpoche.de/

Sophie Nille

Vers une mort de la musique live ?

Musique, Spectacle vivant, , , ,

La place de la musique live dans le paysage musical a radicalement changé lors de ces vingt dernières années, que ce soit dans le rôle qu’elle joue ou simplement en termes de chiffres : aux États-Unis par exemple, les ventes de billets pour des concerts musicaux généraient environ 1 milliard de dollars de recette en 1990 contre près de 8 fois plus en 2017. Si la crise du Covid a temporairement mis sur pause ce phénomène, il n’a pas manqué de reprendre sa course dès l’été 2022 avec la réouverture des salles de concert et la reprise des festivals.

Il n’a donc jamais été aussi facile de découvrir de nouveaux artistes sur scène qu’aujourd’hui : il suffit d’aller regarder les programmations des salles de concerts de sa ville pour s’en rendre compte, on trouve toujours de quoi se satisfaire ! Prenons l’exemple du Zénith de Nantes : une programmation allant de Stromae à Ibrahim Maalouf en passant par Michel Sardou ou une interprétation orchestrale des musiques du Seigneur des Anneaux, il y en a pour tous les goûts.

Mais alors si la musique live semble si bien se porter, pourquoi donc parler d’une mort de celle-ci ?

Des évènements dangereux

Le premier facteur à prendre en compte est le caractère insécuritaire des événements de musique live. Récemment, une très forte augmentation de piqûres lors d’événements musicaux a été remarquée. Si la menace de se faire droguer à son insu n’est pas un phénomène nouveau, et en particulier dans le monde de la nuit chez des publics plutôt féminins, jamais il n’avait été aussi commun de se faire piquer par une seringue lors d’un concert. On peut alors aisément comprendre l’appréhension de certains de se jeter dans les foules d’une salle ou d’un festival ! D’autant plus qu’il est très difficile de lutter contre ces pratiques : malgré le renforcement de la sécurité dans ces événements ces dernières années, il reste extrêmement difficile d’empêcher ce phénomène de piqûres sauvages.

            De plus, les concerts deviennent de plus en plus violents. En témoignent la ré-émergence des pogos, une danse associée au punk rock des années 70 qui consiste à sauter de manière désordonnée en se bousculant violemment, ou encore des murs de la mort – séparation de la foule en deux parties qui se jettent l’une contre l’autre. Malheureusement, les accidents sont assez fréquents, comme en témoigne le concert de Travis Scott et Drake en 2021 où huit personnes ont trouvé la mort et plus de trois cents ont été blessées lors d’un mouvement de foule. 

Vidéo d’un mur de la mort dans un concert de DJ Snake

La menace des showcases

Pour comprendre le déclin des concerts, il me semble également nécessaire de parler des showcases, une représentation en live d’un artiste, généralement dans une discothèque. Ce phénomène est devenu central dans l’économie de l’industrie musicale : du côté des boîtes de nuit c’est un moyen de faire venir beaucoup de monde et ainsi capitaliser sur les ventes de boissons durant la soirée. Pour les artistes, c’est une rentrée d’argent facile permettant de financer leurs projets artistiques et leurs équipes.

Si les showcases semblent bénéfiques à tout le monde, que ce soient les discothèques, les artistes et aussi leur public qui jouissent d’une représentation de leur artiste préféré, c’est en fait plus compliqué. Dans les faits, lorsque les artistes se produisent en showcase, les représentations sont souvent très courtes, peu préparées voire parfois bâclées, en particulier pour les rappeurs qui mettent leur musique à fond sur les enceintes, et réalisent leur performance entièrement en playback.

Mariah Carey en concert : un exemple de playback raté

De telles performances sont déjà préjudiciables, mais le vrai problème réside dans la « showcasification » des concerts eux-mêmes. Les artistes se confortent bien souvent dans ces pratiques, et le concert n’est alors plus qu’une diffusion des pistes studios sur une scène : il n’y a que très peu d’artistes qui font l’effort de repenser leur musique pour l’adapter à une interprétation scénique. Booba, un des rappeurs français avec le plus d’influence, confirmait dans une interview que « animer un Stade de France pendant 3 heures est moins fatiguant que faire un footing », preuve que le concert n’est alors plus une véritable performance, et n’est rendue possible que par une ambiance électrique instaurée directement par un public surexcité à la vue de leur idole.

Un public trop peu exigeant ?

Cela donna alors naissance à une problématique essentielle : les publics sont-ils devenus trop peu exigeants ? Si le concert perd son aspect de performance unique et authentique, pourquoi alors se rendre dans les concerts, et donner de la crédibilité à des artistes qui ne respectent plus leurs auditeurs ? Cela pose une vraie question, celle du fanatisme d’une partie de l’audience : les artistes sont placés sur un piédestal et tout leur est pardonné. Les artistes n’ont donc plus aucune raison de consacrer de gros budgets à la réalisation de mises en scènes innovantes, ni de prendre des risques sur scène puisque peu importe leur performance, les salles seront pleines et le public en transe s’occupera d’animer l’événement.

Une lueur d’espoir pour la musique live ?

Le constat est donc un peu paradoxal : c’est en partie à cause du public que les performances live sont de moins en moins travaillées, et c’est ce même public qui en fait les frais. Cependant, le tableau n’est pas si sombre : certains artistes continuent de penser leur musique et la mise en scène pour des représentations uniques et travaillées au détriment des bénéfices financiers, en particulier lorsqu’il s’agit d’artistes underground ou émergent qui mettent souvent un point d’honneur à délivrer des propositions musicales et scéniques originales. Certaines superstars continuent également de montrer l’exemple à toute une génération d’artistes timides – l’exemple le plus probant étant la splendide performance de Rihanna lors de la mi-temps du SuperBowl 2023, qui a marqué les esprits.

Basile Plm Guerri

Kazuo Ishiguro : de la narration à la réflexion

Littérature, ,

J’avais aujourd’hui envie de partager mon coup de cœur pour un auteur peu connu en France qui a pourtant reçu le prix Nobel de Littérature pour l’ensemble de son œuvre en 2017 et a réussi à se faire un nom dans le milieu littéraire anglo saxon, Kazuo Ishiguro.

Connaître l’auteur pour comprendre l’œuvre

Kazuo Ishiguro est né en 1954 à Nagasaki au Japon où il ne vit que les six premières années de sa vie. Sa famille déménage en effet en 1980 en Angleterre, dans le Surrey. Si ses œuvres sont toutes écrites en langue anglaise, le Japon et la culture japonaise dans laquelle l’auteur a été élevé y conservent une influence fondamentale. Ses premiers romans Lumière Pâle sur les Collines et Un Artiste du Monde Flottant se déroulent d’ailleurs dans le Japon d’après-guerre tandis que la nouvelle A Family Supper raconte le retour, dans son Japon natal, d’un jeune homme parti vivre aux Etats-Unis. Cependant, son style reste fortement similaire à celui des auteurs européens qui l’ont inspiré à l’instar de Marcel Proust et Fiodor Dostoïevski.

Des textes qui miment la pensée

Chacun de ses romans, à l’exception du Géant Enfoui, est écrit à la première personne du singulier. C’est que Kazuo Ishiguro est adepte du procédé littéraire du « monologue intérieur », qu’Edouard Dujardin définit comme « le flux ininterrompu des pensées qui traversent l’âme du personnage au fur et à mesure qu’elles naissent sans en expliquer l’enchaînement logique ». A travers cette technique, l’écriture mime les mouvements de la pensée qui erre d’une idée à une autre sans suivre une structure précise mais en suivant des liens établis par le narrateur entre deux souvenirs. Aussi le récit n’est-il pas narré de manière chronologique mais en conservant la fluidité des mouvements de la pensée. Le récit est souvent le fruit d’une réflexion que le personnage a sur son passé et donne l’impression que le personnage se remémore son passé au moment même où nous lisons. Dans Les Vestiges du Jour comme dans Auprès de Moi Toujours, par exemple, c’est un voyage en voiture qui engendre la réflexion. Il est difficile pour le lecteur d’établir une chronologie dans les actions qui sont relatées dans le roman comme il est parfois impossible de remettre ces souvenirs dans le bon ordre.

Des personnages face au changement

Les thématiques abordées par Ishiguro sont souvent liées au changement et à la difficulté de vivre dans un monde en constante évolution. De fait, ses romans sont souvent ancrés dans une période précise où l’histoire des personnages se retrouve mêlée à l’Histoire avec un grand H. L’auteur est particulièrement inspiré par la période d’après-guerre, que ce soit dans Les Vestiges du Jour ou dans Un Artiste du Monde Flottant qui se déroulent respectivement dans l’Angleterre et le Japon d’après Seconde Guerre Mondiale. Cette période de grands changements pousse le protagoniste à appréhender différemment son environnement et à questionner sa culture et son rôle dans la société. Dans ses romans, jeunesse et maturité se confrontent, qu’il s’agisse du protagoniste avec d’autres personnages avec lesquels il interagit ou du protagoniste se remémorant une version révolue de lui-même. Le narrateur se replonge dans les choix marquants de sa vie et imagine l’influence qu’ils ont eue sur son présent.

Le récit au service de la réflexion

Par les réflexions de son protagoniste, Ishiguro nous pousse avec douceur à repenser notre manière d’appréhender le monde, à envisager les relations familiales, les relations amoureuses ou les choix que nous faisons. Ses textes sont une pente douce vers la réflexion philosophique dans le sens où elle se mêle au récit sans jamais se dévoiler de manière trop manifeste. Tandis que Auprès de moi Toujours amène progressivement le lecteur à se questionner sur la notion d’humanité et d’âme dans le contexte des intelligences artificielles, Un Artiste du Monde Flottant propose une réflexion sur l’engagement dans l’art face à « l’art pour l’art ». Le tout s’effectue dans un rythme paisible qui donne l’impression d’une discussion partagée avec un ami.

Appréhender la douleur avec douceur

Si le style d’Ishiguro est empreint de douceur et de calme, c’est pour mieux aborder les drames auxquels chacun fait face. Sans trop en dévoiler pour ne pas divulguer, les protagonistes sont tous confrontés à un moment ou un autre au deuil ou à d’autres épreuves que peut réserver la vie et chacun partage sa façon d’y faire face et de vivre avec. Malgré la dureté de ce qui est dépeint dans ses livres, le sentiment de sérénité demeure laissant au lecteur un sentiment doux amer lorsqu’il referme le livre.

Lire Kazuo Ishiguro en somme, c’est se plonger avec douceur dans une réflexion philosophique, c’est converser avec un ami du sens que l’on donne aux choses anodines comme essentielles. C’est aussi lire des récits passionnants, parfois bouleversants, toujours écrits finement. Lire Kazuo Ishiguro en somme c’est lire un grand roman contemporain sans voir le temps passer. Je ne peux donc que vous conseiller de découvrir son œuvre. 

Clémence Redondo

« Decision to leave », le nouveau Park Chan-Wook

Cinéma / TV

Après Mademoiselle (2016), Park Chan-wook revient avec Decision to Leave, une romance tourmentée alimenté d’un thriller bien ficelé, par ailleurs récompensé par le Prix de la Mise en scène lors du 75e Festival de Cannes.

Decision to Leave commence par le détective Jang Hae-jun(Park Hae-il) qui enquête la mort d’un homme tombé au haut d’une montagne. Lorsqu’il rencontre la femme du défunt, Song Seo-rae (Tang Wei), il commence à la soupçonner tout en ressentant l’attirance par elle.  A mesure que l’enquête devient de plus en plus intense, ce film capte habilement l’affection inattendue entre les deux personnages ainsi que la curiosité qu’ils éprouvent l’un par l’autre, offrant un mélange de suspense et de romance.

La montagne et la mer

Tout au long du film, la montagne et la mer sont les images clés qui véhiculent les personnalités et les relations des personnages et la métaphore de cette histoire d’amour tumultueuse. Les deux parties s’entremêlent et se fondent l’un dans l’autre. Ils forment la ligne de démarcation entre les montagnes et la mer où les émotions de deux personnages se rencontrent.

Hae-jun est la montagne. Son rôle social, ses normes de comportement, sa famille apparemment parfaite, tous sont comme la montagne, la solidité, la justice. Seo-rea est la mer. Une femme qui se marie loins de chez elle, subit des violences domestiques, devient une criminelle et tombe amoureuse d’un policier. Elle est folle, tolérante, courageuse comme la mer. Lors du leur premier interrogatoire, elle dit à Jang Hae-jun : « Un homme bienveillant aime les montagnes, un homme sage aime l’eau, je ne suis pas un homme bienveillant, j’aime la mer ». Hae-joon reçoit la signification avec un traducteur, et le film ne dit pas explicitement s’il comprend vraiment les mots ; tout ce qu’il sait, c’est qu’elle aime la mer et qu’il veut être un homme de la mer comme la façon de l’expression de son amour caché.

L’ambiguïté de la langue

Particulièrement, les paroles de Song Seo-rae, en tant qu’une Chinoise, la rendent difficile à cerner non seulement pour Jang Hae-jun et aussi pour les publics, ce qui renforce la tension dramatique. Il y a beaucoup de scènes dans ce film où Song Seo-rae utilise le traducteur pour communiquer avec lui.

Mais c’est aussi l’une des choses les plus ambiguës reste le processus de conversion du coréen et du chinois l’un vers l’autre. Est-ce qu’ils se comprennent complètement ? On ne peut jamais savoir. Généralement, nous nous fions souvent aux expressions et aux mouvements des mains de notre interlocuteur pour deviner. Il est également possible d’embellir la sémantique de l’autre personne et de se faire sa propre idée de l’esprit de l’autre personne en tant que tel.

La différences des langues devient ici un moyen d’attraction. Selon la réaction de Hae-jun, elle dit plus de chinois par la suite, comme s’il faisait semblant de dire au chat, mais en fait à Hae-jun qui écoute aux portes : « Apportez-moi son cœur, je le veux. » Mais il se trompe le cœur (un organisme) entre le cœur (une affection).

« Le moment où tu me dis que tu m’aimes, ton amour prend fin, le moment où ton amour prend fin, mon amour commence. »

Lorsque tous les secrets sont révélés et que l’amour irrationnel de l’héroïne est révélé, et lorsque le public suit la vision de Hae-jun jusqu’à la plage où le néant revient, tout devient plus violent sous les vagues de l’humanité et finira par revenir à la paix. Lorsque la « ligne entre la montagne et la mer » a disparu, le film atteint son apogée émotionnelle, et Seo-rae quitte finalement Hae-jun avec un mystère qui ne sera jamais résolu.

Jiajia Lin