Audencia culture

When movie stars burn up the stage

Cinéma / TV, Spectacle vivant

The recent French translation of the memoirs of Al Pacino (Sonny Boy, 2024, Seuil) in which he extensively talks about his experiences at the theater shows how close the ties between cinema and theater are. It is especially true for movie stars, whereas this part of their career is often sidelined. Here are a few examples of some actress’ and actors’ ties and commitment to the stage.  

Theater as the entry to an actor’s career 

When discussing about the theater being a first step of an acting career, the cases of Julie Harris and Marlon Brando are perfect illustrations. Julie Harris, a legendary American actress, who famously co-starred with James Dean in East of Eden, also won five Tony Award for Best Actress in a Play and three Emmy Awards for her performances on TV. She notably won a Tony for her role of Sally Bowles in I Am a Camera (later adapted as the Broadway musical Cabaret and a movie).  

For more information on Cabaret, follow this link: https://culture.audencia.com/cabaret-and-the-paradox-of-entertainment/  

In addition, if Marlon Brando is very well-known for his role of Vito Corleone in The Godfather (1972) or his performance in Apocalypse Now (1979), he actually began his career in Broadway. In 1947, his interpretation of Stanley Kowalski in A Streetcar Named Desire, a play by Tennessee Williams and directed by Elia Kazan, signed his entry to stardom. It was a huge success and remained for 855 performances at Broadway. The movie adaptation made him renowned worldwide and launched a decade of Oscar nominations and Hollywood classics.  

A theater career can influence a life and make things happen, as for Al Pacino, an actor of the avant-garde Off-Broadway theater. Famous for his roles in The Godfather I, II & III (1972, 1974 & 1990), Serpico (1973), Scarface (1983), Scent of a Woman (1992) or Carlito’s Way (1993), the first milestone of his career is actually the role of Murph in The Indian Wants The Bronx. This one-act play by Israel Horovitz was played in 1968 at the Astor Place Theater, an off-Broadway theater (meaning a theater with a smaller seating capacity and featuring less mainstream plays; these theaters began to develop following the bohemian and beatnik atmosphere of the 1950s and early 1960s). Pacino won the Obie Award (Award for Off-Broadway plays) for Best Actor thanks to his performance. The actress Faye Dunaway who saw the play, recommended Pacino to the agent Marty Bergman, who took charge of his career and had a decisive influence over it.  

In 1969, Pacino’s role of Bickham in Does the Tiger Wear a Necktie? by Don Petersen and directed by Michael Schultz was a second milestone as the play premiered at the Belasco Theater in Broadway and Pacino won a Tony Award for Best Dramatic Actor in a Supporting Role. Francis Ford Coppola saw the theater piece, which surely have influenced his choice of Pacino for the role of Michael Corleone in The Godfather I, II & III, while the studios were vehemently against.  

These are only a few examples among many others who began at the theater like Maria Casarès, Jean Marais, Jeanne Moreau, Jean-Louis Trintignant, Jean-Paul Belmondo, Emmanuelle Béart… v

The actors’ attachment and commitment to theater  

In France, Gérard Philipe is probably the greatest example of a movie star attached to promote theater. Indeed, if he was a tremendously skilled actor and famous worldwide, he was also (and perhaps mainly) a theater actor. His roles of Rodrigue in Le Cid and of the prince in The Prince of Homburg, co-starring Jeanne Moreau, marked an entire generation. Some actors refused to play these roles for a period since they felt nobody could outperform him, as the memories of his interpretation were still vivid. He also notably played in several Alfred de Musset’s plays, including the very difficult Lorenzaccio. Besides, Philipe actively participated in the Festival d’Avignon as of 1951 and even without signing a contract, remained loyal to it by moral engagement until his death in 1959. Thanks to his talent and reputation, it helped attracting viewers and gave an ‘aura’ to the Festival.  

His friendship with Jean Vilar (founder of the Festival) is well-known and also took shape in Philipe’s support and participation in the Théâtre National Populaire (an organization aiming at democratizing the theater and considering it as a public service). The representations used to be in the Palais de Chaillot and they also organized tours in France and worldwide. His support and participation were crucial and generous as it took a significant part of his time, the fees were the same for all actors, their names were in alphabetic order (none put forward) and they alternated between leading and supporting role. In 1952, Philipe’s popular success in the swashbuckler movie Fanfan la Tulipe helped attract a new audience, more diverse and from a less privileged background.  

Finally, to go back to Al Pacino, his attachment to theater has remained over the years since he played in several Shakespeare’s plays like Richard III, Julius Caesar and The Merchant of Venice. In addition, he wrote, produced, directed and played in the documentary/fiction movie Looking for Richard (1996). This personal movie dedicated to the play Richard III allowed him to express his personal vision of the character and story. The aim was to make the viewers learn about the play and to challenge and question the prejudices of the American audience towards Shakespeare. This independent film was not a commercial success, also due to the American studios who controlled the distribution and did not take the risk to broadcast it widely.  Nevertheless, it received positive reviews and was featured at the Sundance Film Festival 1996 and Cannes Film Festival 1996 (category “Un Certain Regard”) and Pacino won the Directors Guild of America Award for Outstanding Directing – Documentaries. 

Therefore, all these examples can encourage us to be more attentive and curious about the careers of our favorite actors/actresses, but also to dare to go to the theater a little more often. 

Deborah Gille 

Quand les stars de cinéma brûlent les planches 

La récente traduction en français des mémoires d’Al Pacino (Sonny Boy, 2024, Seuil) dans lesquelles il évoque longuement son expérience théâtrale montre à quel point les liens entre cinéma et théâtre sont étroits. C’est d’autant plus vrai pour les stars de cinéma, alors que cette partie de leur carrière est souvent méconnue. Voici quelques exemples des liens et engagements d’actrices et d’acteurs pour la scène.  

Le théâtre comme porte d’entrée dans la carrière d’acteur 

Lorsque l’on évoque le théâtre comme première étape d’une carrière d’acteur, les cas de Julie Harris et de Marlon Brando sont de parfaits exemples. Julie Harris, actrice américaine légendaire, qui a partagé l’affiche avec James Dean dans East of Eden, a également remporté cinq Tony Awards de la Meilleure Actrice dans une pièce de théâtre et trois Emmy Awards pour ses prestations à la télévision. Elle a notamment remporté un Tony pour son rôle de Sally Bowles dans I Am a Camera (adapté plus tard en comédie musicale à Broadway, Cabaret, et en film).  

Pour en apprendre davantage sur Cabaret, suivez ce lien : https://culture.audencia.com/cabaret-and-the-paradox-of-entertainment/  

Par ailleurs, si Marlon Brando est très connu pour son rôle de Vito Corleone dans Le Parrain (1972) ou sa performance dans Apocalypse Now (1979), il a en réalité commencé sa carrière à Broadway. En 1947, son interprétation de Stanley Kowalski dans Un tramway nommé désir, une pièce de Tennessee Williams mise en scène par Elia Kazan, signe son entrée dans la célébrité. Ce fut un énorme succès qui resta à l’affiche pendant 855 représentations à Broadway. L’adaptation cinématographique l’a rendu célèbre dans le monde entier et a lancé une décennie de nominations aux Oscars et de classiques hollywoodiens.  

Une carrière théâtrale peut influencer une vie et faire la différence, comme l’illustre le cas d’Al Pacino, acteur du théâtre d’avant-garde Off-Broadway. Célèbre pour ses rôles dans Le Parrain I, II & III (1972, 1974 et 1990), Serpico (1973), Scarface (1983), Le Temps d’un Week-End (1992) ou L’Impasse (1993), le premier jalon de sa carrière est en fait le rôle de Murph dans L’Indien cherche le Bronx. Cette pièce en un acte d’Israel Horovitz a été jouée en 1968 à l’Astor Place Theater, un théâtre off-Broadway (c’est-à-dire un théâtre ayant une capacité d’accueil plus réduite et présentant des pièces moins grand public ; ces théâtres ont commencé à se développer à la suite de l’atmosphère bohème et beatnik des années 1950 et du début des années 1960). Pacino a remporté l’Obie Award (récompense pour les pièces Off-Broadway) du Meilleur Acteur grâce à sa performance. L’actrice Faye Dunaway, qui a vu la pièce, a recommandé Pacino à l’agent Marty Bergman, qui prend alors en charge sa carrière et exercera une influence décisive.  

En 1969, le rôle de Bickham dans Does the Tiger Wear a Necktie ? de Don Petersen et mis en scène par Michael Schultz a constitué une deuxième étape importante, puisque la pièce a été jouée pour la première fois au Belasco Theater de Broadway et que Pacino a remporté le Tony Award du Meilleur Acteur dramatique dans un rôle secondaire. Francis Ford Coppola a vu la pièce de théâtre, ce qui a certainement influencé son choix de Pacino pour le rôle de Michael Corleone dans Le Parrain I, II & III, alors que les studios étaient farouchement contre.  

Ce ne sont que quelques exemples parmi tant d’autres qui ont commencé par le théâtre comme Maria Casarès, Jean Marais, Jeanne Moreau, Jean-Louis Trintignant, Jean-Paul Belmondo, Emmanuelle Béart… 

L’attachement et l’engagement des acteurs pour le théâtre  

En France, Gérard Philipe est probablement l’exemple le plus illustre d’une star de cinéma attachée à la promotion du théâtre. En effet, s’il était un acteur d’un immense talent et célèbre dans le monde entier, il était aussi (et peut-être surtout) un comédien de théâtre. Ses rôles de Rodrigue dans Le Cid et du prince dans Le Prince de Hombourg, aux côtés de Jeanne Moreau, ont marqué toute une génération. Certains acteurs ont refusé de jouer ces rôles par la suite, estimant que personne ne pouvait le surpasser et tant le souvenir de son interprétation était encore vif. Il a également joué dans plusieurs pièces d’Alfred de Musset, dont le très difficile Lorenzaccio. Par ailleurs, Philipe participe activement au Festival d’Avignon à partir de 1951 et, sans signer de contrat, lui reste fidèle par engagement moral jusqu’à sa mort en 1959. Grâce à son talent et à sa réputation, il contribue à attirer les spectateurs et à donner une « aura » au Festival. 

Son amitié avec Jean Vilar (fondateur du Festival) est bien connue et s’est également concrétisée par le soutien et la participation de Philipe au Théâtre National Populaire (une organisation visant à démocratiser le théâtre et à le considérer comme un service public). Les représentations avaient lieu au Palais de Chaillot et des tournées étaient organisées en France et à l’étranger. Le soutien et la participation de Philipe étaient cruciaux et généreux, car il y consacrait une grande partie de son temps, les cachets étaient les mêmes pour tous les acteurs, leurs noms étaient classés par ordre alphabétique (aucun n’était mis en avant) et ils alternaient les premiers et les seconds rôles. En 1952, le succès populaire de Philipe dans le film de cape et d’épée Fanfan la Tulipe permet d’attirer un nouveau public, plus varié et issu d’un milieu moins favorisé. 

Enfin, pour en revenir à Al Pacino, son attachement au théâtre ne s’est pas démenti au fil des ans puisqu’il a joué dans plusieurs pièces de Shakespeare comme Richard III, Jules César et Le Marchand de Venise. En outre, il a écrit, produit, réalisé et joué dans le documentaire/fiction Looking for Richard (1996). Ce film personnel consacré à la pièce Richard III lui a permis d’exprimer sa vision personnelle du personnage et de l’histoire. L’objectif était de faire découvrir la pièce aux spectateurs et de remettre en question les préjugés du public américain à l’égard de Shakespeare. Ce film indépendant n’a pas été un succès commercial, notamment à cause des studios américains qui ont contrôlé la distribution et n’ont pas pris le risque de le diffuser à grande échelle.  Néanmoins, il a reçu des critiques positives et a été présenté au Festival de Sundance 1996 et au Festival de Cannes 1996 (catégorie « Un certain regard ») et Pacino a remporté le Directors Guild of America Award for Outstanding Directing – Documentaries (prix de la meilleure réalisation – documentaires). 

Tous ces exemples peuvent donc nous inciter à être plus attentifs et curieux quant à la carrière de nos acteurs/actrices préférés, mais aussi à oser franchir les portes d’un théâtre un peu plus souvent. 

Deborah Gille 

Why I stopped making music

Musique

This article has no universal ambition. I am not here to say that my situation is a typical one that all “artists” face, this is simply an introspection of sorts.  

When I was around 10 years old my brother introduced me to a music making software and taught me the basics to using it. After playing around with it for a few years, I started taking it a bit more seriously and tried writing actual songs. I now have 11 songs, that I am very proud of, published on music streaming platforms. However, I haven’t really gone back to making music since my last project finished around a year and a half ago. I’ve thought about it and most of my conclusion is that nothing made me stop but certain aspects stopped motivating me to continue.  

I remember when I decided I would make my first song I was completely lost but the idea of discovering everything this new world had to offer made it fun. It was like starting a video game eager to explore the rest of the map and I was enjoying the process of learning by doing. I looked forward to the feeling of finishing the project and feeling proud of what I had achieved. Growing up, I worked on new projects and started building a reputation of being “the music guy”, a reputation that I cherished and held close to my heart. These things that once pushed me to keep going have kind of dissipated over time.  

I know that there are still many ways for me to grow in music production, but I no longer enjoy pursuing that growth. Despite all the progress I had made, I still found myself jealous of others, their songs that made me feel ways that my own music couldn’t. Other people were succeeding in doing what I wanted to do, and I had trouble seeing the worth in continuing to learn, so I stopped.  

The feeling of completing a project is incredibly satisfying but there is a disconnect between how you expect others to react and how they actually do. I thought that this thing that was important to me would be of some interest to the people close to me but that wasn’t often the case. My daily listens would reach 100 on release day but quickly go back down to 1 or 0 a few days later. I was proud but others tended not to care which made me wonder if I had really accomplished anything. 

Finally, I had grown attached to this reputation of “the music guy” I had built for myself. Slowly, it became increasingly common for people around me to have a similar talent and I felt like I was losing something. I know it might be foolish to want to feel unique in this world with over 8 billion people but it’s a very satisfying thought. The other side of the coin was the painful realisation that I was just another music guy. 

To conclude, even as an artist who was making music for myself, I still felt preoccupied by what others thought of me. And even as an artist who has developed his technical abilities, I still fell prey to doubts. I’m not saying that I stopped forever, however this is how things are now.  

Cinematic encounter: Euzhan Palcy, a pioneer of Afro-Caribbean cinema, César and Oscar Winner 

Cinéma / TV, ,

“Honorary Oscar winner, 1st black female director produced by a major & woman director winner of a Cesar.” Here’s what can be found about Euzhan Palcy on social media. But who is this cinematic figure whose film Sugar Cane Alley has left a lasting impact on generations of West Indians and achieved international success? 

The birth of a filmmaker: artistic sensitivity and creative anger – The ingredients of a remarkable journey 

Euzhan Palcy is a French filmmaker born in Gros-Morne, Martinique, in 1958. When her name is mentioned, the first thing that often comes to mind is Sugar Cane Alley, the groundbreaking film she directed in 1983. 

But let’s take a step back and look at the journey that led her there. From a very young age, Euzhan Palcy displayed a deep artistic sensitivity. She painted, sang, and wrote poetry, but what fascinated her most—tying all her passions together—was the power of visual storytelling. She attributes this, in part, to the richness of West Indian culture, where storytelling and the marvelous play a central role. This fascination quickly turned into a love for cinema, inspired by filmmakers such as François Truffaut, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Ingmar Bergman, Costa-Gavras, and Ousmane Sembène. 

What drove her to become a filmmaker was a certain creative anger, an unwillingness to accept the exclusion of Black voices in cinema. She wanted to give them a voice. 

In the 1970s, Euzhan Palcy moved to Paris. After earning a degree in literature, she studied at École Louis-Lumière. During this time, she met François Truffaut, who would become her mentor in the industry. 

Filming a landmark movie inspired by Joseph Zobel’s Sugar Cane Alley 

When Euzhan Palcy met François Truffaut, she already had the script for Sugar Cane Alley in hand. Truffaut advised her on the structure of the film and supported her project. He even tried to help her find a producer, an endeavor that proved far more difficult than expected. Financing a film that exposed what the French Republic preferred to forget, especially one directed by a young Black woman at the start of her career, was no easy task. Indeed, set in 1930s Martinique, the story follows young José, a boy raised by his grandmother M’man Tine. He lives in Sugar Cane Alley, a community built around the labor of sugarcane fields, controlled by the white béké elite. At its core, the film is a coming-of-age tale, capturing José’s adventures with his friends and his deep bond with his grandmother, whose greatest concern is his education. Her goal: to ensure he escapes the cycle of poverty. Though deeply rooted in the West Indian experience, Sugar Cane Alley is above all a story of love and intergenerational transmission. 

This was Euzhan Palcy’s first feature film. A demanding shoot involving 800 extras and a meticulously reconstructed historical setting. The film’s set design was the work of Hoang Thanh At (that we also know for his work on Asterix & Obelix: Mission Cleopatra). The cinematography was entrusted to Dominique Chapuis, a renowned director of photography who collaborated with Jean-Luc Godard, Jean Eustache, Claude Miller… The soundtrack was composed by the West Indian music group Malavoi. 

For her debut film, Euzhan Palcy received the Silver Lion for Best First Feature at the Venice Film Festival and the César Award for Best First Work, making her the first woman ever to win this award. Meanwhile, her lead actress, Darling Légitimus, won the Volpi Cup for Best Actress. 

An international career where the camera becomes a tool for change 

For Euzhan Palcy, the guiding principle of her work is freedom. After Sugar Cane Alley, she directed A Dry White Season, a powerful film about apartheid in South Africa which led her to meet Nelson Mandela. With this project, she became the first Black female filmmaker to be produced by a Major Hollywood studio and the first woman to direct the legendary Marlon Brando. The film earned her an Oscar nomination in 1990. She later went on to direct Siméon, The Ruby Bridges Story… 

She is often asked: Is your cinema political? For her, the real question is about humanity, telling universal stories, which, by nature, are political. She describes her work as a cinema of memory, transmission. 

In 2022, she received an Honorary Oscar, following a deeply moving tribute from American actress Viola Davis. 

Euzhan Palcy is a source of inspiration for many Black actors and filmmakers, but above all, she embodies an inspiring journey within French cinema. Her film Sugar Cane Alley will remain a “madeleine de Proust” for an entire generation. 

Rencontre cinématographique : Euzhan Palcy, une pionnière du cinéma afro-caribéen, césarisée et oscarisée 

“Lauréate d’un Oscar d’honneur, première réalisatrice noire produite par un grand studio de cinéma et réalisatrice lauréate d’un César”. Voici ce qu’on peut lire sur les réseaux sociaux d’Euzhan Palcy. Mais qui est cette figure du cinéma dont le film Rue Cases-Nègres a marqué des générations d’Antillais et connu un succès public international ? 

Naissance d’une cinéaste : grande sensibilité artistique et colère créatrice, les ingrédients d’un parcours remarquable 

Euzhan Palcy est une réalisatrice française née au Gros-Morne en Martinique en 1958. La première chose qui nous vient en tête en évoquant son nom est peut-être ce film fondateur Rue Cases-Nègres qu’elle réalisa en 1983.  

Revenons d’abord sur le chemin qui l’a mené jusque-là. Très jeune, Euzhan Palcy fait preuve d’une grande sensibilité artistique. Elle peint, chante et écrit des poèmes mais ce qui la fascine et lie toutes ses passions c’est le pouvoir de l’image. Elle l’explique en partie par la richesse de la culture antillaise dans laquelle le merveilleux joue un rôle primordial par le biais des conteurs. C’est ainsi qu’elle se passionne très tôt pour le cinéma, inspirée entre autres par François Truffaut, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Ingmar Bergman, Costa-Gavras, Ousmane Sembène… 

Ce qui la pousse à réaliser est une certaine colère qui s’avère être créatrice. Celle de ne plus supporter l’exclusion des Noirs dans le 7ème art. Elle veut donner une voix aux siens. 

Dans les années 1970, Euzhan Palcy s’installe à Paris. Après être diplômée de la faculté des lettres de Paris, elle étudie à L’Ecole Louis-Lumière. C’est à cette période qu’elle rencontre François Truffaut qui devient son parrain de la profession.  

Tournage d’un film décisif inspiré du roman de Joseph Zobel La Rue Cases-Nègres  

Quand elle rencontre François Truffaut, Euzhan Palcy a déjà le scénario de Rue Cases-Nègres. Il la conseille alors sur la structure de son film et la soutient dans son projet. Il tente de l’aider à trouver un producteur, mission qui s’est avérée beaucoup plus difficile que prévue. Financer un film qui montre ce que la République française tente d’oublier qui plus est réalisé par une jeune femme noire qui débute. En effet, cette histoire qui se déroule en Martinique dans les années 1930 est celle du petit José, un enfant élevé par sa grand-mère M’man Tine. Il vit dans la rue Cases-Nègres organisée autour du travail des champs de canne à sucre gérés et dominés par les békés. C’est avant tout le récit des aventures de ce garçon entouré de ses amis et de son lien avec sa grand-mère dont la principale préoccupation est la réussite scolaire de son petit-fils. Son but : qu’il échappe à la misère de sa condition. Cette histoire est celle des Antilles mais surtout une histoire d’amour et de transmission. 

Rue Cases-Nègres est le premier long métrage d’Euzhan Palcy. C’est un tournage éprouvant avec 800 figurants et un décor qui est une réelle reconstitution de l’époque. Ce travail est celui du chef décorateur Hoang Thanh At (connu aujourd’hui pour son travail sur le film Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre). Le chef opérateur de ce film est Dominique Chapuis qui a travaillé avec les plus grands (Jean-Luc Godard, Jean Eustache, Claude Miller…). La bande originale est l’œuvre du groupe de musique antillais Malavoi. 

Pour ce premier film, Euzhan Palcy reçoit le Lion d’Argent du meilleur premier film à La Mostra de Venise et le César de la meilleure première œuvre. Elle est ainsi la première femme à recevoir cette récompense. Son actrice principale, Darling Légitimus, remporte quant à elle la coupe Volpi de la meilleure interprétation féminine. 

Une carrière internationale dans laquelle la caméra serre à mener des combats  

Le mot d’ordre d’Euzhan Palcy est la liberté. C’est le dénominateur commun de son œuvre. Après Rue Cases-Nègres, elle réalise Une Saison blanche et sèche qui traite de l’Apartheid en Afrique du Sud. Ce projet la fait rencontrer Nelson Mandela. Par ailleurs, elle devient la première réalisatrice noire à être produite par une major hollywoodienne et la première femme à diriger l’icône Marlon Brando. Elle est nommée aux Oscars en 1990. Elle réalise par la suite Siméon, Le Combat de Ruby Bridges… 

On lui pose souvent la question : Est-ce que votre cinéma est politique ? Pour elle, l’important est de parler de l’Homme et de questions universelles ce qui est forcément politique. Elle parle d’ailleurs de son cinéma comme un cinéma de mémoire, de transmission et de réhabilitation.  

En 2022, elle reçoit un Oscar d’Honneur introduit par un discours poignant de l’actrice américaine Viola Davis.  

Euzhan Palcy est ainsi une source d’inspiration pour beaucoup d’acteurs et réalisateurs noirs mais elle représente surtout un parcours inspirant du cinéma français. Son film Rue Cases-Nègres restera la madeleine de Proust de toute une génération. 

Nantes and Quebec: why are there so many Quebec references in Nantes? 

Nantes Culture, Spectacle vivant

Initially, France and Quebec share many alliances and partnerships, such as the Fédération France-Québec, the Délégation générale du Québec à Paris and the l’Office franco-québécois pour la jeunesse (OFQJ). 

In Loire-Atlantique, Nantes shares many similarities with Quebec. These include a relaxed rhythm of life, a cultural axis (such as the Île de Nantes) and proximity to water (the Loire and St. Lawrence rivers, and even the Atlantic Ocean). However, there are also close cultural, economic and artistic ties between Nantes, Montreal and Quebec City.  

Nantes-Métropole and Its Links With Quebec 

For almost ten years, Nantes and Quebec have maintained strong ties through regular exchanges and exploratory missions. In fact, Nantes is the only French city to have a permanent physical presence in Montreal, facilitating cooperation between the two territories.  

The two cities share common values of innovation, inclusion and sustainable urban development, fostering collaborations in key sectors such as digital technologies, health and artificial intelligence, cultural and creative industries, food and sustainable cities. This cooperation is also reflected in cross-investment: France is the second-largest foreign investor in Quebec, and some 30 Quebec companies have operations in Nantes.  

Nantes’ cultural institutions have shown a keen interest in Quebec, as part of a policy of decentralized cooperation. For over a decade, Montreal, Nantes and Quebec City have been working closely together on issues such as climate change, digital responsibility and the cultural and creative industries. 

Digital and Cultural and Creative Industries: A Strategic Partnership 

This collaboration is reflected in cultural and economic projects such as the Montreal “Cultural Corridor”, inspired by the Voyage à Nantes, as well as the presence of a delegation of Nantes’ economic, academic and cultural players at several major Quebec events (Semaine numériQC, le Web à Québec [W@Q], Festival TransAmériques, Prix Numix). Organizations such as Trempo, Stereolux and Maison de la littérature de Québec join forces to create new initiatives. Digital initiatives illustrate this desire to build the future together, stemming from the hosting of the Quebec delegation at Nantes Digital Week in September 2024 and Nantes’ presence at MTL connect in October 2024. 

BIS Nantes and the Quebec Presence 

The Biennales Internationales du Spectacle (BIS) in Nantes is one of the largest entertainment markets in French-speaking Europe. In January 2023, a Quebec delegation of some 50 professionals, accompanied by attachés from the Délégation générale du Québec in Paris, took part. The aim was to identify new cultural and artistic trends, while strengthening exchanges with European players. 

BIS is a must-attend event for the performing arts sector (music, dance, comedy, circus, theater, young audiences). The extensive program includes conferences and workshops on cultural policies, emerging trends and international issues. 

Quebec participation, mainly from the music world, was coordinated by SODEC in partnership with Musicaction under the “Côte à Côte” banner. In addition, the Délégation générale du Québec en France and the OFQJ encourage the presence of young professionals, thus stimulating Franco-Quebec links. 

Grub’s up! 

Alongside all these partnerships, there are also several Quebecois restaurants in downtown Nantes. To help you (re)discover Quebec culture, here are 3 places to visit when you’re in Nantes: 

  1. Comptoir de Québec  

Right next to Place du Cirque, this fine grocery store offers a good selection of savoury (baked beans, poutine sauce, steak spices), sweet (tea and herbal teas, maple butter and cookies, pancake mix*) and alcoholic beverages (Unibroue beers, ice cider, Canadian whisky and vodka). It’s also a typical Quebec diner with hot dogs, smoked meat and coleslaw. Yum! In addition, this counter travels all over France, for summer and Christmas markets. So maybe you’ll be lucky enough to come across it elsewhere! 

  1. Comptoir à poutine 

On the Ile de Feydeau (near Château des ducs de Bretagne), this restaurant offers a variety of poutines! In addition to the “regular” poutine, other options include pulled pork, vegetarian or even with a French twist, such as smoked duck breast, creamed leeks, marinated beef and even pork cheeks. In addition, there’s a small grocery store stocked with several Quebec beverages (St-Ambroise beers, Coureur des bois whisky, Chic-Choc rum), maple syrup and its derivatives (caramel, candies). They also offer a catering service…!  

  1. Tabarnak 

A cozy little bar in the heart of downtown, right next to Commerce station, with several cocktails and shooters featuring a selection of Quebecois spirits. Gourmet treats include Camembert with maple syrup and cocktail sausages! 

Bonus: “Quebec culture” 

For those who don’t know, “tabarnak” is a Quebec swearword. We say “tabarnak”, not “tabernacle”. It’s the most intense of all Québécois swear words, used to refer (with gravity) to someone or something. The beauty of Quebec culture is that all these swear words are used positively or negatively, whatever the context, and can have variations (e.g. tabarouette).  

The best example to demonstrate the various contexts and variants of this swearword is this short video excerpt from the “Elvis Gratton” trilogy of Quebec cult films. Robert Gratton is an Elvis Presley impersonator from Montreal’s South Shore, and the whole trilogy is a satirical critique of Quebec’s peculiar political context and the caricature of the middle-class Québécois. For more on all the swear words, see the fine description of “ma prof de français”. 

Bon appétit and enjoy discovering the wonderful world of Quebec in Nantes! 

Cynthia Hétu

Nantes et le Québec ; pourquoi y a-t-il autant de liens québécois à Nantes ? 

Tout d’abord, la France et le Québec entretiennent de nombreuses alliances et partenariats, tels que la Fédération France-Québec, la Délégation générale du Québec à Paris et l’Office franco-québécois pour la jeunesse (OFQJ).  

En Loire-Atlantique, Nantes partage plusieurs points communs avec le Québec. On y retrouve notamment une certaine douceur de vivre, un axe culturel (comme l’île de Nantes) et une proximité avec l’eau (la Loire et le fleuve Saint-Laurent, et même l’océan Atlantique). Cependant, il existe également un lien étroit sur les plans culturel, économique et artistique entre Nantes, Montréal et la ville de Québec.  

Nantes-Métropole et ses liens avec le Québec 

Depuis près de dix ans, Nantes et le Québec entretiennent des liens forts grâce à des échanges réguliers et des missions exploratoires. Nantes est d’ailleurs la seule ville française à avoir une présence physique permanente à Montréal, facilitant ainsi la coopération entre les deux territoires.  

Les deux villes partagent des valeurs communes d’innovation, d’inclusion et de développement urbain durable, favorisant des collaborations dans des secteurs clés, tels que les technologies numériques, la santé et l’intelligence artificielle, les industries culturelles et créatives, l’alimentation et la ville durable. Cette coopération se reflète également dans les investissements croisés : la France est le deuxième investisseur étranger au Québec et une trentaine d’entreprises québécoises sont implantées à Nantes.  

Les institutions culturelles nantaises manifestent un vif intérêt pour le Québec, inscrit dans une politique de coopération décentralisée. Ainsi, depuis plus d’une décennie, Montréal, Nantes et Québec travaillent en étroite collaboration sur des sujets tels que le climat, le numérique responsable et les industries culturelles et créatives. 

Numérique et industries culturelles et créatives : un partenariat stratégique 

Cette collaboration se manifeste par des projets culturels et économiques, à l’image du « Corridor Culturel » de Montréal, inspiré du Voyage à Nantes, ainsi que par la présence d’une délégation d’acteurs économiques, académiques et culturels nantais à de nombreux événements québécois majeurs (Semaine numériQC, le Web à Québec [W@Q], Festival TransAmériques, Prix Numix). Des organismes tels que Trempo, Stereolux et la Maison de la littérature de Québec s’unissent pour créer de nouvelles initiatives. Des initiatives sur le numérique illustrent cette volonté de construire ensemble l’avenir, issu de l’accueil de la délégation québécoise à Nantes Digital Week en septembre 2024 et la présence nantaise à MTL connecte en octobre 2024. 

Les BIS de Nantes et la présence québécoise 

Les Biennales Internationales du Spectacle (BIS) de Nantes figurent parmi les plus grands marchés du spectacle en Europe francophone. En janvier 2023, une délégation québécoise d’une cinquantaine de professionnels, accompagnée d’attachés de la Délégation générale du Québec à Paris, y a participé. L’objectif était d’identifier les nouvelles tendances culturelles et artistiques, tout en renforçant les échanges avec les acteurs européens. 

Les BIS constituent un rendez-vous incontournable pour la filière des arts vivants (musique, danse, humour, cirque, théâtre, jeune public). La programmation dense comprend des conférences et des ateliers sur les politiques culturelles, les tendances émergentes et les enjeux internationaux. 

La participation québécoise, majoritairement issue du milieu de la musique, était coordonnée par la SODEC en partenariat avec Musicaction sous la bannière « Côte à Côte ». De plus, la Délégation générale du Québec en France et l’OFQJ encouragent la présence de jeunes professionnels, ce qui stimule les liens franco-québécois. 

À la bouffe! 

En parallèle à tous ces partenariats, il y a également plusieurs restaurants québécois dans le centre-ville nantais. Afin de mieux (re)découvrir la culture québécoise, voici 3 adresses à visiter lors de votre passage à Nantes : 

  1. Comptoir de Québec  

Tout près de la Place du Cirque, cette épicerie fine présente une bonne sélection de produits d’épicerie salée (fèves au lard, sauce à poutine, épices à steak), sucrée (thé et tisanes, beurre et biscuits d’érable, mélange à pancakes*) et une grande sélection d’alcool (bières Unibroue, cidre de glace, whisky et vodka Canadiens). Il s’agit également d’un petit restaurant typique d’un diner québécois avec des hot-dogs, du smoked meat avec salade de chou. Miam ! Aussi, ce comptoir se promène un peu partout en France, pour les marchés d’été et les marchés de Noël. Vous aurez donc peut-être la chance de le croiser ailleurs ! 

  1. Comptoir à poutine 

Sur l’île de Feydeau (près du Château des ducs de Bretagne), ce restaurant donne la possibilité de déguster plusieurs poutines ! Outre la poutine « regular » (régulière), d’autres options sont offertes, comme celles au porc effiloché, végétarienne ou même avec un twist français, comme celle au magret fumé, aux poireaux à la crème, au bœuf mariné, et même aux joues de porc. En plus, une petite épicerie avec plusieurs boissons québécoises (bières St-Ambroise, whisky Coureur des bois, rhum Chic-Choc), du sirop d’érable et ses dérivés (caramel, bonbons). Ils proposent également un service de traiteur… !  

  1. Tabarnak 

Un petit bar bien sympathique en plein centre-ville, tout près de la station Commerce, ayant plusieurs cocktails et shooters avec une sélection d’alcool québécois. Parmi les gourmandises disponibles ; du camembert au sirop d’érable et des petites saucisses cocktail ! 

Bonus « Culture québécoise »  
Pour ceux et celles qui ne le savent pas, « tabarnak » est un juron québécois. On dit bien « tabarnak » et non « tabernacle ». Dans l’ensemble des sacres québécois, il est le plus intense pour désigner (avec gravité) quelqu’un ou quelque chose. La beauté de la culture québécoise, c’est que tous ces jurons sont utilisés positivement ou négativement, peu importe le contexte, et peuvent avoir des variantes (ex. : tabarouette).  

Le meilleur exemple pour démontrer les divers contextes et variantes de ce juron est ce petit extrait vidéo tiré de la trilogie d’un film culte québécois « Elvis Gratton ». Robert Gratton est un imitateur d’Elvis Presley de la Rive-Sud de Montréal, et l’ensemble de cette trilogie critique de manière satirique le contexte politique particulier du Québec et les caractéristiques caricaturales du québécois de classe moyenne. Pour en savoir plus sur l’ensemble des jurons, voir la belle description de « ma prof de français ». 

Bon appétit et bonne découverte du merveilleux monde québécois à Nantes !  

Cynthia Hétu  

David Lynch, the disappearance of the master of art cinema

Cinéma / TV, , ,

French version below

January 2015. My family has a very specific ritual: every Saturday night, we used to watch a film or series. My parents suggested that my brother and I discover Twin Peaks. A simple pitch: Laura Palmer, a well-liked teenager, is found lifeless by the lake in Twin Peaks, a quiet town that hides many secrets. Little did I know at the time that this series would leave a deep impression on me.  

Ten years later, I enjoyed this cult series for a second time… only to learn in the following weeks that David Lynch had died. The news sounds a heartbreak for me. At the age of 78, he leaves behind a multitude of unanswered questions and a legacy that will remain forever elusive. His entire body of work is an enigma, still the subject of eternal theories and speculation.  

David Lynch was not initially destined to become a film director. He entered the Pennsylvania Academy of Fine Arts with the firm intention of becoming a painter. Deeply inspired by the work of Francis Bacon, Lynch was already projecting onto his paintings the dark, anxiety-inducing world that would later appear in his films. At the end of the 1960s, he began making animated short films, which were gradually mixed with live action. His many experiments culminated in Eraserhead (1977), a nightmarish first feature in which he brought his darkest fears to life.  

His second film, Elephant Man (1980), is just as tragic, drawing heavily on the life of Joseph Merrick, a man with a deformed face. Nominated in eight categories at the Oscars, it marked the director’s public consecration. On the road to success, David Lynch was entrusted with the big-screen adaptation of Dune (1984), but his artistic demands diverged from commercial expectations. The film was cut by an hour, and received a great reception from both press and audience.  

Blue Velvet (1986) was Lynch’s revenge, since he had control over the entire project right up to the final cut. The film divided critics as much for its unhealthy, revolting eroticism as for its strangely surreal nature. In 1990, while his fifth feature Wild at Heart was winning the Palme d’Or at the 43rd Cannes Film Festival, the pilot for Twin Peaks was broadcast on ABC. Without knowing it, David Lynch was to revolutionize the universe of series by combining his cinematic vision with the TV format. The first episode was a huge hit with American households and worldwide. The series became a must-see, remained enigmatic, and the answers were not to be found either in the prequel Twin Peaks: Fire Walk With Me, released the following year, or in the third season, Twin Peaks: The Return, released in 2017.  

Lynch followed this up with Lost Highway (1997), The Straight Story (1999) and Mulholland Drive (2001), other projects with powerful symbolism, and the last one Inland Empire (2006), a return to his freer, more spontaneous beginnings. In it, he explores the dark side of Hollywood, portraying disembodied characters trapped in a merciless industry.  

If I had to sum up his cinema in a single word, “hors-norme” (literally out of the ordinary) would undoubtedly be the truest to his universe. David Lynch has never stopped thinking outside the box, playing with the rules of conventional narrative. The fact that his whole artwork so difficult to get is no accident. It is up to the viewer to put the pieces together and make their own interpretation. Like the Arte documentary David Lynch, une énigme à Hollywood (currently available), I would like to end this article with these words from David Lynch: “There is still so much to say, so many stories to tell. In the end, every life is a mystery until we find the key. We’re all heading in that direction, consciously or unconsciously.” 

Marie Damongeot

David Lynch, la disparition du maître du cinéma d’art

Janvier 2015. Ma famille a un rituel bien précis : chaque samedi soir, nous regardons un film ou une série. Mes parents proposent à mon frère et moi de découvrir alors Twin Peaks. Le pitch : Laura Palmer, une adolescente appréciée de tous, est retrouvée sans vie au bord du lac de Twin Peaks, une ville tranquille qui cache bien des secrets. J’ignore à ce moment-là que cette série me marquera viscéralement.  

Dix ans plus tard, je savoure une seconde fois cette série culte … avant d’apprendre dans les semaines suivantes que David Lynch est décédé. La nouvelle me fait l’effet d’un crève-cœur. A 78 ans, il laisse derrière lui une multitude de questions en suspens et un héritage à jamais  insaississable. Son œuvre entière est une énigme qui fait encore aujourd’hui l’objet d’éternelles théories et spéculations.  

David Lynch n’avait pourtant pas vocation à devenir réalisateur au départ. Il fait ses premiers pas à l’Académie des Beaux-Arts de Pennsylvannie avec la ferme intention de devenir artiste peintre. Profondément inspiré par l’œuvre de Francis Bacon, Lynch projette déjà sur ses tableaux un univers sombre et anxiogène que l’on retrouvera plus tard dans ses films. A la fin des années 1960, il entreprend de réaliser des court-métrages animés, puis progressivement mélés à des prises de vue réelles. Ses nombreuses expérimentations aboutissent à Eraserhead (1977), un premier-long métrage cauchemardesque dans lequel il donne vie à ses angoisses les plus noires.  

Son second film, Elephant Man (1980), est d’un registre tout aussi tragique, puisqu’il s’inspire largement de la vie de Joseph Merrick, un homme au visage difforme. Nommé dans huit catégories aux Oscars, il sonne la consécration publique du réalisateur. Engagé sur la voie du succès, David Lynch se voit confier l’adaption sur grand écran de Dune (1984), mais ses exigences artistiques divergent des attentes commerciales. Le film est amputé d’une heure et reçoit un accueil mitigé de la presse et des spectateurs.  

Blue Velvet (1986) apparaît alors comme la revanche de Lynch, qui a la main mise sur l’entièreté du projet jusqu’au final cut. Le film divise la critique autant par son érotisme malsain et révoltant que sa nature étrangement surréaliste. En 1990, tandis que la Palme d’Or du 43ème festival de Cannes est décernée à son cinquième long-métrage Sailor et Lula, le pilote de Twin Peaks est diffusé sur la chaîne ABC. Sans le savoir, David Lynch va révolutionner le monde des séries en conjuguant son regard de cinéaste au format TV. Le premier épisode rencontre un franc succès auprès des foyers américains et au-delà des frontières. Une série devenue incontournable qui restera néanmoins énigmatique, et dont on ne trouvera les réponses ni dans son prequel Twin Peaks : Fire Walk With Me sorti l’année suivante, ni dans sa troisième saison Twin Peaks : The Return sortie en 2017.  

Lynch poursuit sa lancée avec Lost Highway (1997), Une Histoire Vraie (1999) et Mulholland Drive (2001), autres projets à la symbolique puissante, puis finalement Inland Empire (2006), qui s’annonce comme un retour à ses débuts plus libres et spontanés. Il y explore la part d’ombre d’Hollywood en mettant en scène des personnages désincarnés et pris au piège d’une industrie sans merci.  

Si je devais résumer son cinéma, hors-norme serait sans doute le mot le plus fidèle à son univers. David Lynch n’a jamais cessé de sortir des sentiers battus en jouant avec les règles de la narration conventionnelle. Le fait que ses œuvres soient si difficilement déchiffrables n’a jamais été pensé au hasard. C’est au spectateur que revient la tâche (ou peut-être l’honneur ?) de rassembler les pièces du puzzle et de se faire sa propre interprétation. A l’instar du documentaire Arte David Lynch, une énigme à Hollywood (actuellement disponible), je terminerai cet article par ces paroles de David Lynch : « Il reste tant à dire, tant d’histoires à raconter. En fin de compte, chaque vie est un mystère jusqu’à ce que nous en trouvions la clé. On vogue tous vers cette direction, consciemment ou pas. » 

Marie Damongeot  

Techno Music And Evolution Of the Movement 

Musique, Non classé,

In the dimly lit warehouses of Detroit in the 1980s, a new sound emerged which would be fertile ground for contestation. Techno music was forged in the remnants of industrial decline and would be more than just an electronic rhythm. 

Detroit : The Cradle of Techno Music 

Detroit, a city once at the heart of America’s industrial American dynamic in the early 20th century with an era of establishment of major automotive companies like Ford, General Motors, and Chrysler., had fallen into economic ruin. Abandoned factories and rising unemployment became the backdrop for a generation of Black youth looking for an alternative future. Among them were Juan Atkins, Derrick May, and Kevin Saunderson (known as the Belleville Three) who were inspired by the mechanized rhythms of Kraftwerk, the synth-driven explorations of Giorgio Moroder, and the funk of Parliament-Funkadelic, they created a new sound: techno. 

For these pioneers, techno was of artistic expression of an Afrofuturist vision. By using drum machines like Roland TR-808 and synthesizer , initially designed for sequencing basslines and unwelcomed by the expected public, these producers turned for building hypnotic, psychedelic soundscapes bringing a more experimental and immersive way of dancing. 

From Underground to Global Movement 

While techno remained an underground movement in the U.S. during its early years, it found an eager audience in Europe, particularly in Berlin. The fall of the Berlin Wall in 1989 coincided with the explosion of electronic music culture in the city, where abandoned warehouses and bunkers became venues for hedonistic, post-Cold War raves. Techno became the soundtrack of reunification, symbolizing freedom from past divisions. 

At the same time, emerging in the late 1980s, acid house, with its hypnotic 303 basslines, became the backbone of the U.K.’s rave explosion. It fueled the rise of illegal warehouse parties and outdoor raves, challenging state control over public spaces. The government responded with the Criminal Justice Act (1994), which targeted raves and their « repetitive beats, » unintentionally reinforcing the music’s status as a symbol of defiance. Acid house also dismantled social barriers, uniting working-class youth, punks, and marginalized communities under a shared ethos of collective euphoria and resistance to Thatcherite neoliberalist conservatism. 

Techno and Counterculture: A Political Statement 

Throughout the 1990s and early 2000s, this underground movement turned into a tool of protestation. In the U.S., events like Reclaim the Streets turned techno sound systems into instruments of opposition against urban privatization, police repression and capitalist austerism. In Eastern Europe and Latin America, techno raves became spaces of political expression, challenging authoritarian governments and economic oppression as with the Czechtek festival in Czech Republic or Buenos Aires’ resistance raves in early 2000’s. 

The free party movement carried the ethos of techno as an act of defiance against corporate control over music and public spaces. Meanwhile, artists like Underground Resistance in Detroit infused their music with radical anti-capitalist and pro-Black liberation messages, reinforcing the genre’s political edge. 

The Rise of Corporate EDM and the Fragmentation of Techno 

By the late 2000s, the mainstream music industry had appropriated electronic music, transforming it into the commercial EDM (Electronic Dance Music) phenomenon. Festivals like Electric Daisy Carnival and Ultra Music Festival prioritized spectacle over subversion, making techno and its underground ethos less visible in popular culture. 

Since the COVID-19 pandemic, techno has undergone a significant transformation, accelerating its reappropriation by capitalist structures through social media. Platforms like Instagram and TikTok have depoliticized the genre, reducing it to a glossy, marketable aesthetic centered on mainstream festivals and celebrity DJs, stripping away its rebellious essence. The rise of algorithm-driven visibility favors viral artists and events, standardizing the music and prioritizing sponsorship deals over radical experimentation. Simultaneously, gentrification has reshaped club culture, with underground spaces being replaced by luxury venues and corporate-backed festivals, further alienating the grassroots communities that originally defined the movement. 

The evolution of this initial cultural and political contestation is one of many examples of how capitalism has been applying a strategy of reappropriation of underground movements to turn them into profit when it becomes developed and fertile enough. 

However, in the underground, the spirit of techno persists. DIY raves, community-run festivals, and independent labels continue to push the boundaries of the genre, ensuring that its roots in resistance and futurism remain intact. 

Why won’t I go watch A Complete Unknown  

Cinéma / TV, ,

(French Version Below)

In recent years, biopics have become the undisputed star of the big screen. Every month, a new film promises to «reveal» the fascinating story of an icon (singer, sportsman, scientist or political figure). And yet, you always end up with a feeling of déjà vu.  

The biopic is always the same formula, worn down to the rope and that we unroll lazily according to the same pattern: 

  • Difficult childhood or traumatic event experienced by the future star (directly told or through the presence of countless flashbacks) 
  • The rise of the protagonist, despite a difficult and fraught with pitfalls (often embodied by an antagonist character, who is part of mainstream currents and who tries to discourage the rising star, like Hank Snow with Elvis)  
  • And finally, the triumph (often accompanied by a « mythical » performance or major event.) 

Add to that a nice soundtrack (which takes the artist’s greatest commercial successes -in the case of the musical biopic), an actor in vogue and made up so that he looks like the person he embodies, and there you have your “winning biopic”. 

Take the example of Bryan Singer’s Bohemian Rhapsody. When it was released in 2018, this biopic by Freddie Mercury hit the box office. Admittedly, Rami Malek brilliantly embodies the iconic singer of Queen (he also won the Oscar for best actor in 2019), but if we scratch a little the Hollywood polish, we find a sweetened scenario that borders on caricature. We erase the rough edges and deliver a « mainstream » version. As a result, Bohemian Rhapsodie is a «nice» film, but above all calibrated to please the greatest number and without real depth. In 2023, the biopic is consecrated, Christopher Nolan offers him the Oscar for best film (among others). So, certainly Oppenheimer is masterfully realized, but he persists in showing, between some great moments of dramatic dialogue, interspersed with pseudo-intimist scenes how the protagonist is a complex and tortured genius. Boring. 

Beyond the predictable aspect, what is really annoying is the absurd number of biopics that are being made. We’re on the verge of an overdose. Since 2022, about fifteen of these films have been released each year and continue to capitalize on popular figures to attract an audience already conquered: Blonde, Elvis, Simone, le voyage du siècle, Iron Claw, Priscilla, One Love, Back to black, Monsieur Aznavour and I spare you everything else… 

And finally, what did we learn about these characters from these films? Not much. Because the biopic is not a real way to explore a life or an era, but rather a formatted product designed to be as smooth and accessible as possible. No need to be creative or original. Why bother to invent new stories when you can just recycle the life of a celebrity? Why build ambitious scenarios when you can bet on nostalgia and public recognition? And the irony is that these films sell as deep and intense works. 

Well, I’m not going to say that all the biopics are lame and superficial. Some films manage to stand out, like Steve Jobs (Boyle, 2015), who in my opinion avoids the linear narrative trap and offers a more daring reflection on his character’s complex personality. But these examples are too rare. 

In the meantime, we will continue to be drowned by these interchangeable films that sell us lives larger than nature, while emptying their subject of its complexity. Because what Hollywood seems to have forgotten is that telling a story is not just about aligning and romancing facts. 

P.S. : I recommend the documentary Il était une fois Michel Legrand, a thousand times more effective to understand without artifice, without wobbly actor-sosie, without reconstitution, nor storyboard trick, who was this genius of music. The real added value of this documentary, in addition to the very relevant testimonies, the multitude of very qualitative images and archive videos, is that the director, David Hertzog-Dessites was able to follow Michel Legrand until the end of his life and during his very last concert in December 2018 (a month before his death). He managed to capture the last gestures of a conductor, real farewells to his audience but also to life. An intense, pure and beautiful emotion that personally, no biopic has ever managed to make me feel. 

Léa Balson 

Pourquoi je n’irai pas Un parfait inconnu 

Depuis quelques années, le biopic est devenu la star incontestée du grand écran. Chaque mois, un nouveau film promet de nous « révéler » l’histoire fascinante d’une icône (chanteuse, sportif, scientifique ou encore personnage politique). Et pourtant, on finit toujours avec un sentiment de déjà-vu.  

Le biopic, c’est toujours une même formule, usée jusqu’à la corde et qu’on déroule paresseusement selon le même schéma : 

  • L’enfance difficile ou un événement traumatique vécu par la future star (directement raconté ou par la présence d’innombrables flash-backs) 
  • La montée en puissance du protagoniste, malgré un parcours difficile et semé d’embûches (souvent incarné par un personnage antagoniste, qui fait partie des courants mainstream et qui essaie de décourager l’étoile montante, genre Hank Snow avec Elvis)  
  • Et finalement, le triomphe (souvent accompagné d’une performance « mythique » ou d’un événement majeur.) 

Ajoutez à cela une BO sympa (qui reprend les plus grands succès commerciaux de l’artiste -dans le cas du biopic musical), un acteur en vogue et maquillé pour qu’il ressemble à s’y méprendre à la personne qu’il incarne, et hop, vous avez votre biopic « à récompenses ». 

Prenons l’exemple de Bohemian Rhapsody de Bryan Singer. A sa sortie en 2018, ce biopic de Freddie Mercury a cartonné au box-office. Certes, Rami Malek incarne avec brio le chanteur iconique de Queen (il a d’ailleurs remporté l’Oscar du meilleur acteur en 2019), mais si on gratte un peu le vernis hollywoodien, on trouve un scénario édulcoré qui frôle la caricature. On gomme les aspérités et on livre une version « grand public ». Résultat, Bohemian Rhapsodie est un film « sympa », mais surtout calibré pour plaire au plus grand nombre et sans réelle profondeur. En 2023, le biopic est consacré, Christopher Nolan lui offre l’Oscar du meilleur film (entre autres). Alors, certes Oppenheimer est magistralement réalisé, mais il persiste à montrer, entre quelques grands moments de dialogue dramatiques, entrecoupés de scènes pseudo-intimistes à quel point le protagoniste est un génie complexe et torturé. Boring. 

Au-delà de l’aspect prévisible, ce qui insupporte, c’est surtout la quantité absurde de biopics qui voient le jour. On frôle l’overdose. Depuis 2022, une quinzaine de ces films sortent chaque année et continuent de capitaliser sur des figures populaires pour attirer un public conquis d’avance : Blonde, Elvis, Simone,Le voyage du siècle, Iron Claw, Priscilla, One Love, Back to black, Monsieur Aznavour et je vous épargne tout le reste… 

Et finalement, qu’avons-nous appris sur ces personnages grâce à ces films ? Pas grand-chose. Parce que le biopic n’est pas un véritable moyen d’explorer une vie ou une époque, mais plutôt un produit formaté, conçu pour être aussi lisse et accessible que possible. 

Plus besoin alors de vouloir être créatif ou original. Pourquoi s’embêter à inventer des histoires nouvelles quand on peut simplement recycler la vie d’une célébrité ? Pourquoi construire des scénarios ambitieux quand on peut miser sur la nostalgie et sur la reconnaissance du public ? Et l’ironie, c’est que ces films se vendent comme des œuvres profondes et intenses.  

Bon tout de même, je ne vais pas dire que tous les biopics sont nuls et superficiels. Quelques films parviennent à sortir du lot, comme Steve Jobs (Boyle, 2015), qui selon moi évite le piège du récit linéaire pour proposer une réflexion plus audacieuse sur la personnalité complexe de son personnage. Mais ces exemples sont trop rares. 

En attendant, on continuera d’être noyés sous ces films interchangeables qui nous vendent des vies plus grandes que nature, tout en vidant leur sujet de sa complexité. Parce qu’au fond, ce qu’Hollywood semble avoir oublié, c’est que raconter une vie, ce n’est pas simplement aligner et romancer des faits. 

Ps : je vous recommande le docu Il était une fois Michel Legrand, mille fois plus efficace pour comprendre sans artifice, sans acteur-sosie bancal, sans reconstitution, ni astuce scénaristique, qui était ce génie de la musique. La réelle plus-value de ce documentaire, outre les témoignages de grande qualité, la multitude de très jolies images et vidéos d’archives, c’est que le réalisateur, David Hertzog-Dessites a pu suivre Michel Legrand jusqu’à la fin de sa vie et durant son tout dernier concert en décembre 2018 (un mois avant sa mort). Il est parvenu à capturer avec justesse les derniers gestes de chef d’orchestre, de véritables adieux faits à son public mais aussi à la vie. Une émotion intense, pure et très belle que personnellement, aucun biopic n’a jamais réussi à me faire ressentir. 

Léa Balson 

Cabaret and the Paradox of Entertainment  

Spectacle vivant,

If you were on TikTok in January, you may have heard of the musical Cabaret. The music “Money Money” from its 1972 movie adaptation was used in hundreds of videos criticizing the American government and its capitalistic tendencies. The song works well with video edits as it talks about living in extreme poverty, and because like most show tunes, it is very dramatic and has a catchy rhythm.  

But Cabaret was also put in the spotlight recently as the Young Theatre company from Kiev did an amazing production of the show.  It really stood out with incredible costumes, a new choreography, and a completely original staging. A lot of extracts promoting the show could be found on TikTok, leaving the musical fans amazed. Under the videos, you could see comments like “OMG, I want to see this live” or “I wish I was there”. Distracted by the beauty of the show, they seem to have forgotten that Ukraine is currently at war.  

What is Cabaret?  

Cabaret was inspired by Christopher Isherwood’s book The Berlin Stories (1945). It is a semi-autobiographic novel where he recounts life as a young American writer living in Berlin from 1929 to 1933. His book was adapted into a play (I Am a Camera, 1951), which itself was adapted into a musical in 1966. The musical was a huge success, winning in 8 categories at the 1967 Tony awards.  

So, What’s the Story?  

We follow American writer Clifford Bradshaw as he arrives in Berlin in 1929. He meets Ernst, who helps him find a place to stay (Fraulein Schneider’s building), and invites him to the Kit Kat Club. At this cabaret, we encounter the Master of ceremonies, a sort of narrator, and Sally Bowles, a dancer which quickly becomes Cliff’s girlfriend. Between performances from the Kit Kat Club, we understand that Ernst has an affair with Cliff and with Sally, and that the political situation is getting tense in Berlin, with the rise of Nazism. This soon becomes a problem as  

Fraulein Schneider is to celebrate her engagement to Herr Schultz a Jewish greengrocer, and Ernst turns out to be a nazi sympathizer.  

The play shows a shocking contrast between real life and the life in the cabaret were you can forget about everything and enjoy showstopping and hilarious performances. But Nazism is growing and catches up to the characters, even those trying so very hard to ignore the problems outside of the Cabaret. The final scene (spoiler) reminds the audience of this in a shocking way:  

The Master of Ceremonies is left all alone on stage, reminiscing the time he worked at the cabaret. He slowly opens his coat, and underneath it, we can see he is wearing a striped prison uniform with a pink triangle on his chest.  

An Unexpected Success for Hollywood 

The popularity of Cabaret motivated Hollywood to turn it into a movie in 1972. But even though the show worked well on Broadway, the movie version of Cabaret should have been a flop. The original director of the movie had been fired and his replacement, Bob Fosse, wasn’t doing well in Hollywood, as his first movie was a huge tank.  

There were also concerns about the main character, Cliff (Brian in the movie), which is openly queer. This shouldn’t be shocking at all as queer life was normalized and even celebrated in 1920s Berlin. In the 1970s USA however, it wasn’t a common thing to depict non heterosexual characters, especially in a good light as the censorship code in cinema had just ended a few years ago. But this new kind of representation is also what motivated Bob Fosse to make the best rendition he could of the story.  

Against all odds, the movie was well received both by the public and critics. It received a total of 8 Oscars including best director and best actress for Liza Minelli (Sally Bowles). The success of Cabaret ultimately led to the comeback of musicals in cinema and allowed for more experimental and excentric musicals such as The Rocky Horror Picture Show to exist.  

Why It Is Still Relevant Today  

« – One of these days I’ve got to sit you down and read you a newspaper, you’d be amazed at what’s going on out there! 

– Ugh, you mean politics! What does that got to do with us!? » 

This extract from a dialogue between Cliff and Sally is a good summary of the message Cabaret tries to convey. Sally is convinced that “life is a cabaret” and that politics could never affect her personally. Like many at the time, she refuses to see how dangerous the small nazi party can be. 

I believe we are seeing a lot of people ignoring politics and inhumane laws being passed because they follow the rule of “well this doesn’t affect me”, a very Matin Brun type of behavior.  

Even the spectators of Cabaret are not immune to this. Recent performances of Cabaret has seen actors themselves begging the audience to pay attention as they were laughing at an antisemitic joke that is made in the show and that is supposed to horrify us. 

The Paradox of Entertainment  

The cabaret is of course a metaphor for everything that distracts us and helps us ignore politics and the dangers that come with it. But art does have the undeniable function of escapism, which can help us go through tough times. I love musicals, but part of what I love is the show, and sometimes I go on TikTok to relax and watch fun videos, not to join a revolution.  

And so shows like Cabaret become the exact distraction they are criticizing bringing us back to the “whish I was in Ukraine” comments. But that is why shows with strong messages are important: they help us stay focused in our escape.  

Just like Cliff looks at German politics from an American point of view, we may feel uneasy and powerless when confronting news about what’s going on in the world. But as Cabaret teaches us, we mustn’t forget to pay attention.  

If you want to watch Cabaret, there is a free quality version on YouTube of Sam Mendes’ production (1993) 

Marie Bédrune  

Cabaret et le paradoxe du divertissement 

Si vous étiez sur TikTok en janvier, vous avez peut-être entendu parler de la comédie musicale Cabaret. La chanson « Money Money » de  l’adaptation cinématographique de 1972 a été utilisée dans des centaines de vidéos critiquant le gouvernement américain et ses tendances capitalistes. Cette chanson marche bien pour les montages vidéo, puisqu’elle parle de la pauvreté extrême et, comme la plupart des airs de comédie musicale, elle est très dramatique et a un rythme entraînant. 

Mais Cabaret a également été mis en lumière récemment grâce au Young Theatre Company de Kiev, qui a produit une version incroyable du spectacle. Elle s’est distinguée par des costumes impressionnants, une nouvelle chorégraphie et une mise en scène totalement originale. De nombreux extraits du spectacle ont circulé sur TikTok, laissant les fans de comédies musicales émerveillés. Sous les vidéos, on pouvait lire des commentaires comme « OMG, je veux voir ça en vrai » ou « J’aimerais tellement y être ». Distraits par la beauté du spectacle, ces spectateurs semblaient avoir oublié que l’Ukraine est actuellement en guerre. 

Cabaret, c’est quoi ? 

Cabaret s’inspire du livre The Berlin Stories (1945) de Christopher Isherwood. Ce roman semi-autobiographique raconte la vie d’un jeune écrivain américain vivant à Berlin de 1929 à 1933. Son livre a été adapté en pièce de théâtre (I Am a Camera, 1951), puis transformé en comédie musicale en 1966. Celle-ci a été un immense succès, remportant huit récompenses aux Tony Awards de 1967. 

Et l’histoire ? 

On suit Clifford Bradshaw, un écrivain américain, qui arrive à Berlin en 1929. Il rencontre Ernst, qui l’aide à trouver un logement (dans l’immeuble de Fraulein Schneider) et l’invite au Kit Kat Club. Dans ce cabaret, nous découvrons le Maître de cérémonie, une sorte de narrateur, ainsi que Sally Bowles, une danseuse qui devient rapidement la petite amie de Cliff. 

Entre les performances du Kit Kat Club, on comprend qu’Ernst est l’amant de Cliff et de Sally, et que la situation politique à Berlin devient tendue avec la montée du nazisme. Cela devient problématique lorsque Fraulein Schneider souhaite célèbrer ses fiançailles avec Herr Schultz, un épicier juif, et qu’Ernst se révèle être un sympathisant nazi. 

La pièce met en contraste de manière frappante la vie réelle, et celle du cabaret, où l’on peut tout oublier et profiter de spectacles grandioses et hilarants. Le nazisme progresse et rattrape les personnages, même ceux qui s’efforcent d’ignorer les problèmes en dehors du cabaret. La scène finale (spoiler) rappelle cela aux spectateurs de manière brutale : le Maître de cérémonie se retrouve seul sur scène, et se remémore son travail au cabaret. Il ouvre lentement son manteau, et on voit qu’il porte un uniforme de prisonnier rayé avec un triangle rose sur la poitrine. 

Un succès inattendu à Hollywood 

Le succès de Cabaret a motivé Hollywood à en faire un film en 1972. Pourtant, malgré son triomphe à Broadway, la version cinématographique aurait pu être un échec. Le réalisateur initial du film avait été renvoyé, et son remplaçant, Bob Fosse, traversait une période difficile à Hollywood après l’échec cuisant de son premier film, Sweet Charity. 

Il y avait également des inquiétudes concernant le personnage principal, Cliff (Brian dans le film), qui est ouvertement queer. Cela ne devrait pas être choquant, car la vie queer était normalisée et même célébrée dans le Berlin des années 1920. Cependant, dans l’Amérique des années 1970, il était encore rare de représenter des personnages non hétérosexuels, surtout de manière positive, le code de censure cinématographique venant tout juste d’être arrêté. Mais c’est précisément cette nouvelle forme de représentation qui a poussé Bob Fosse à offrir la meilleure adaptation possible de cette histoire. 

Contre toute attente, le film a été bien accueilli par le public et la critique. Il a remporté huit Oscars, dont celui du meilleur réalisateur et de la meilleure actrice pour Liza Minnelli (Sally Bowles). Le succès de Cabaret a finalement marqué le retour des comédies musicales au cinéma et a ouvert la voie à des films plus expérimentaux et excentriques comme The Rocky Horror Picture Show. 

Pourquoi Cabaret reste pertinent aujourd’hui 

« – Un de ces jours, il faudra que je te fasse lire un journal. Tu serais étonnée de ce qui se passe dehors ! » 

– Oh, la politique, tu veux dire ! Qu’est-ce que ça a à voir avec nous ?! » 

Cet échange entre Cliff et Sally résume bien le message que veut faire passer Cabaret. Sally est convaincue que « la vie est un cabaret » et que la politique ne l’affectera jamais personnellement. Comme beaucoup à l’époque, elle refuse de voir à quel point le petit parti nazi peut être dangereux. 

Aujourd’hui encore, beaucoup de personnes ignorent la politique et la mise en place de lois inhumaines, en suivant la règle du « ça ne m’affecte pas vraiment », style Matin Brun. Même les spectateurs de Cabaret ne sont pas à l’abri de cette indifférence. Lors de récentes représentations, des acteurs ont dû supplier le public de prêter attention, car certaines personnes riaient à une blague antisémite écrite pour horrifier le public. 

Le paradoxe du divertissement 

Le cabaret est bien sûr une métaphore de tout ce qui nous distrait et nous pousse à ignorer la politique et les dangers qu’elle peut engendrer. Mais l’art a aussi une fonction indéniable d’évasion, qui nous aide à traverser des périodes difficiles. J’aime les comédies musicales, mais ce que j’aime aussi, c’est le spectacle en lui-même. Et parfois, je vais sur TikTok pour me détendre et regarder des vidéos drôles, pas pour rejoindre une révolution. 

C’est ainsi que des spectacles comme Cabaret deviennent la distraction exacte qu’ils dénoncent, ce qui nous ramène aux commentaires du type « J’aimerais être en Ukraine ». Mais c’est aussi pour cette raison que les œuvres aux messages forts sont importantes : elles nous aident à rester concentrés même dans l’évasion. 

Tout comme Cliff observe la politique allemande avec un regard extérieur d’Américain, nous pouvons nous sentir impuissants face aux nouvelles du monde. Mais comme Cabaret nous l’enseigne, il faut toujours rester alerte. 

Si vous souhaitez voir Cabaret, il existe une version gratuite et de bonne qualité de la production de Sam Mendes (1993) sur YouTube. 

Marie Bédrune  

An example of the theme of the article

From the Laboratory to the Public Sphere: BioArt’s Multidimensional Landscape

Arts visuels, , , , ,

Contemporary BioArt, fueled by gene editing (e.g., CRISPR/Cas9), synthetic biology,
microbial manipulation, data science, and AI algorithms, transforms the laboratory into a
creative arena (Reichle, 2009; Mitchell, 2010). Liberated from static media constraints, art
now revolves around dynamic, evolving life processes. Artworks emerge not solely from
human creators but through an interplay of microbes, algorithms, environments, and
audiences. This shift reshapes aesthetic logic and incites profound debates in philosophical,
ethical, social, and ecological dimensions.

Philosophical and Theoretical Background: Materializing Posthumanism and Biopolitics

Posthumanist theory (Donna Haraway, A Cyborg Manifesto, 1991; Rosi Braidotti, The
Posthuman, 2013) urges us to reexamine life and value in multispecies, multi-actor networks,
rejecting human exceptionalism. In BioArt, gene editing and cell cultivation place nonhuman
life forms (fungi, microbes) and technological systems (sensors, algorithms) into the creative
process. Abstract posthumanist ideals thus materialize: viewers must consider fungal growth,
microbial metabolism, and algorithmic decisions, rather than focusing solely on human intent.


Meanwhile, biopolitics (Foucault; Agamben) addresses life’s governance and distribution.
BioArt’s manipulation of genetic resources and microbial ecologies provides a sensory entry
point into these power dynamics. Exhibitions can present genetic patent clauses,
environmental movement cases, and expert interviews, transforming “biopolitics” from a
scholarly term into a tangible problem scenario. Audiences recognize that beyond artistic
novelty lie economic and political forces shaping life itself.

Case Analysis: From Individual Spectacle to Systemic Perspectives

Early bio-artists often carried the aura of mad scientists, with many of their works delivering
a powerful and provocative impact. Early BioArt milestones like Eduardo Kac’s GFP Bunny
(2000), which introduced a fluorescent gene into a rabbit, triggered public fascination an
anxiety over biotech’s aesthetic and moral stakes. Without deeper interpretation, such works
risk trivialization as mere spectacle. By contextualizing their techno-social backgrounds,
audiences perceive not just novel visuals but prompts to question genetic authority and
public understanding.

Illustration of BioArt
Eduardo Kac, GFP Bunny, 2000

Oron Catts and Ionat Zurr are pioneers of bio-art, they established Tissue Culture & Art
(TC&A) in 1996, renowned for their bold explorations of the definition and control of life.
Their early work, Semi-Living Worry Dolls, used tissue culture techniques to “grow” semi-living dolls composed of living cells and biological scaffolds, blurring the boundaries between
life and non-life. The piece, both visually striking and deeply unsettling, sparked intense
debates about ethics, the commodification of life, and humanity’s power to manipulate
nature, cementing its place as a landmark in the intersection of science and art.

Illustration of BioArt
The Tissue Culture & Art Project (Oron Catts & Ionat Zurr),
The Semi-Living Worry Dolls, 2000

Recent BioArt endeavors embrace more systemic thinking. Some artists employ GANs and
evolutionary algorithms to model microbial communities, adjusting conditions via
environmental sensor data. This surpasses isolated ethical shocks, highlighting information
asymmetry, resource inequities, and potential regulatory voids. Instead of a single-level moral
dilemma, viewers confront a vast socio-ecological framework.

Anna Dumitriu is an internationally renowned bio-artist known for integrating cutting-edge
scientific technologies with artistic expression. Her work delves into fields such
microbiology, antibiotic resistance, synthetic biology, gene editing (including CRISPR), and
artificial intelligence, often in collaboration with scientists to transform the latest research
into works that are both academic and artistic. Her notable works include The Bacterial
Sublime and Make Do and Mend, which explore the microscopic world of bacterial
communities and the history of antibiotic resistance, respectively. In Engineered Antibody,
she presents the artistic potential of gene editing, while her AI-based projects analyze
biological data to investigate the boundaries between nature and the artificial.

Beyond the West, other cultural contexts reinforce BioArt’s global dimension. Mexican artist
Gilberto Esparza’s Plantas Nómadas couples microbial fuel cells and plants to address
environmental pollution and resource control. Chinese artist Zheng Bo, though not always
using gene editing, integrates plant ecologies into artistic inquiry, linking human-nature
relations to subtle political and cultural narratives. These cases show that BioArt can engage
agricultural traditions, local biodiversity, and communal knowledge, demonstrating that life
politics and resource challenges transcend Western settings.

Illustration of BioArt
Zheng Bo, The Pleasure of Slowness, 2023

Controversies and Multiple Perspectives: Balancing Knowledge, Property, and Public Attitudes

BioArt’s controversies span multiple levels:

  • Scientists fear insufficient experimental rigor and potential public misunderstanding. Artists
    seek to democratize knowledge production, challenging scientific hegemony. Exhibitions
    that present scientific critiques alongside artistic visions highlight that knowledge
    frameworks are not neutral.
  • Gene patents and bioproperty raise moral and legal dilemmas: is artistic use legitimate and
    ethical? Might audiences be nudged toward irrational biotech admiration? By juxtaposing
    legal texts, industry data, and artist testimonies, viewers gauge how art subtly influences
    public sentiment.
  • Environmental groups protesting an exhibition for implying bioresource misuse exemplify art
    as a catalyst of public concern. Instead of neutral objects, artworks become arenas of
    contested values. This reveals how BioArt spotlights moral boundaries and engenders
    societal reflection on technological incursions into life.
Illustration of BioArt
Left: Victimless Leather– A Prototype of Stitch-less Jacket grown in a Technoscientifi “Body”, 2004.
Right: Nutrient Bug1.0: Stir Fly, in collaboration with Robert Foster, 2016. The Tissue Culture & Art (Oron Catts & Ionat Zurr)

Ecological Dimensions and Capitalist Logic: Sensory Bridges to Grand Narratives

Transgenic plants, fungal installations, and microbial ecosystems metaphorize global
ecological crises and capitalist monopolies over genetic resources. Curators can use data
visualization and storytelling, turning policy debates into sensory scenes. Observing microbial
imbalances, viewers sense how capital molds environments. Such experiential translation is
deliberate, connecting personal encounter with larger ecological-political discourses.

Exhibition Mechanisms, Education, and Public Participation: From Passive Reception to Collaborative Insight

BioArt exhibitions demand careful technical arrangements and interdisciplinary collaboration.
Microscopic observation points, data interfaces, and workshops let audiences attempt
microbial cultivation or data analysis. Participation enhances scientific and ethical literacy
turning exhibitions into collective inquiry forums. Instead of passive consumption, viewers
become knowledge co-producers, enriching public debate on gene editing, biosafety, and
environmental governance.

Illustration of BioArt
Liang Shaoji, The 8 Puzzle (right), Making Squares into Circles and Circles into Squares (left), Two groups of projects presenting the action of silkworms spitting silk with artificial
intervention – Photo by Ziyin ZHANG

Redefining Subjectivity and Creative Logic: A Bio-Tech-Human Nexus

In BioArt, outcomes emerge from microbial proliferation, environmental fluctuations
algorithmic judgments, and audience input—not solely from the artist’s will. This distributed
subjectivity enacts posthumanist ideals, positioning artworks as relational nodes rather than
isolated objects. Recognizing this collaborative ecosystem offers a cultural reference fo
future art-tech experiments that acknowledge nonhuman agencies.

Illustration of BioArt
Thomas Feuerstein, PANCREAS, 2012. He decomposed the cellulose of books or paper into
glucose, which was used to cultivate human brain cells in a glass reactor.

Future Directions and Practical Strategies: Ecological Accountability and Governance Structures

As CRISPR and gene drive technologies mature, BioArt could affect ecosystems on a grand
scale, risking irreversible environmental impacts. Focus should shift from technical details to
social and ecological accountability. Involving environmental NGOs, policymakers, and
scientists in exhibition dialogues exposes audiences to multiple stances and impending
responsibilities. International agreements, professional guidelines, and public consultations
ensure that innovation remains transparent and answerable.

Public education is crucial. Establishing BioArt public labs—offering free workshops and
immersive sessions—lets citizens grasp basic biotech principles, enabling them to critically
assess bioresource patents, GMO crops, and environmental policies. Such initiatives turn art
venues into educational platforms for the biotech era, fortifying public judgment and
empowerment.

Frontier Topics and Cross-Sectoral Expansion: Diverse Information and Immersion

CRISPR-based genomic refinements, GAN-driven microbial simulations, blockchain-mediated gene usage tracking, and VR/AR immersions reflect BioArt’s expanding frontiers. Curators can provide supplementary readings, thematic symposia, and VR installations, offering multiple information sources. In VR environments, visitors “enter” cellular worlds adjust microbial growth conditions, and observe algorithmic forecasts, rendering abstract concepts tangible and experiential.

Illustration of BioArt
Linda Dement and Laura Splan in collaboration with the Cardiovascular Regeneration Group at UTS, Bloom, 2024

Indonesian collective Lifepatch integrates DIY bioexperimentation with local ecological and
community practices. Their approach merges bioartistic inquiry with agricultural traditions
and environmental challenges, exemplifying how BioArt, in diverse cultural contexts,
reinterprets life politics and resource control beyond Western paradigms.

Illustration of BioArt
Lifepatch, Hackteria Lab workshop, 2014

Humility, Responsibility, and Value Reassessment: Guarding Against Techno-Utopianism

While embracing the synergy of art and technology, one must resist naive techno-utopian
visions. Emphasizing humility, introspection, and responsibility is essential. When life is
artistic material, innovation carries risks and reorders power. Incorporating philosophical,
ethical, and social science voices in exhibitions and critical essays prevents art from
becoming a tool for capital-driven spectacle or unchecked tech worship. Balanced vigilance
ensures that beneath aesthetic allure lies awareness and critical thought.

Conclusion and Outlook: Revisiting Core Threads and Future Inspirations

BioArt’s significance lies in posing deeper, more complex questions rather than offer
simplistic resolutions.

By comparing early and recent cases, highlighting multifaceted controversies, and proposing
concrete measures, the dynamic evolution of BioArt’s knowledge-value network comes into
focus. Immersive technologies, public labs, and multi-viewpoint exhibition sections empower
audiences to form independent judgments amid conflicting narratives.

BioArt goes beyond merely applauding or condemning technology, serving instead as a public
forum where life, technology, and aesthetics intersect. With clarified thematic threads, more
coherent case analyses, and tangible action recommendations, BioArt exhibitions transcend
spectacle, evolving into laboratories of societal inquiry, challenging our understanding of
existence, responsibility, and future destinies in an era of perpetual flux.

Ziyin Zhang

Boualem Sansal Imprisoned: Freedom of Expression Under Scrutiny 

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« When a writer claims a country is a dictatorship and is imprisoned for it, it clearly proves he was right. » These were the words of French author Emmanuel Carrère on Thursday, December 5, 2024, during his appearance on the literary program La Grande Librairie on France 5. He was defending his friend Boualem Sansal, 75, who was arrested in Algiers on November 16 and has been imprisoned since. 

The Franco-Algerian writer, widely known for his book 2084: The End of the World, which won the French Academy Novel Prize in 2013, is highly regarded for his unwavering commitment to denouncing power abuses in Algeria. His criticism of authoritarian regimes has made him a prime target in his home country, where the repression of dissenting voices has intensified. 
Indeed, tensions between France and Algeria have escalated following the publication of Houris, the 2024 Goncourt Prize winner. Its author, Kamel Daoud, has been barred from returning to Algeria due to his novel recounting the Black Decade, the brutal Algerian civil war that ravaged the country from 1992 to 2012. Since the scandal surrounding the ban on his novel’s publication in Algeria and the exclusion of Gallimard, his publisher, from the Algiers Book Fair, Kamel Daoud has spoken out against the pressures and threats he faces.

These two literary events highlight not only the ongoing necessity of defending freedom of expression beyond France’s borders but also the persistent geopolitical tensions between France and Algeria. 
One major factor fueling these renewed tensions is France’s decision in July to recognize Morocco’s sovereignty over Western Sahara. This announcement provoked outrage from the Algerian regime. On July 26, 2024, Algeria’s Ministry of Foreign Affairs issued a statement containing thinly veiled threats: “The Algerian government will draw all the consequences of this French decision, for which the French government bears sole and full responsibility.” 

Regarding Boualem Sansal’s imprisonment, Le Monde reports that his arrest may be linked to comments he made in the far-right media outlet Frontières, where he claimed that Moroccan territory was carved out in favor of Algeria under French colonization. This controversial stance aligns with his literary trajectory of consistently criticizing the Algerian regime. Sansal frequently explores themes of corruption, authoritarianism, and religious extremism in Algeria in his works. In 2006, he penned an op-ed in Le Figaro decrying the regime’s grip on society: « Algeria has become a laboratory of totalitarianism, where fear reigns supreme. » However, his recent support for Morocco appears to have crossed a red line for the Algerian government, which now accuses him of undermining national unity. 

Gallimard, the publisher of Boualem Sansal’s works since the release of Le Serment des Barbares—a book that sparked debate 25 years ago—has expressed deep concern following his arrest by Algerian security forces. The publishing house has called for his immediate release. 

Since the re-election of Abdelmadjid Tebboune, 79, who has served as Algerian president since 2019 and was re-elected with 95% of the vote, the arrest of writers by the regime is sadly not unprecedented. 
Shortly before this election, Amnesty International warned of « a continued erosion of human rights through the authorities’ dissolution of political parties, civil society organizations, and independent media, as well as a growing number of arbitrary arrests and prosecutions based on trumped-up terrorism charges. » 

This imprisonment raises a fundamental question: that of freedom. Freedom, first, for Boualem Sansal to be released from prison, but also—and more broadly—freedom of expression. In Algeria, laws restricting free speech are in force, including one prohibiting mention of the Black Decade, a central theme in Kamel Daoud’s novel. Moreover, some writers addressing « indecent content »—such as sexual and gender diversity and homosexuality—remain behind bars to this day. 

Freedom of expression should transcend borders and political divides. Yet, in France, certain political factions, particularly on the left and far left, have criticized Boualem Sansal for expressing his views in a far-right media outlet, denouncing what they perceive as a political hijacking of his statements. These differing opinions underscore the tensions surrounding this fundamental right, even in democracies. 
Nonetheless, freedom of expression has been won over decades of struggle and landmark trials. Iconic examples abound, from Gustave Flaubert’s historic trial for Madame Bovary, accused of immorality, to far more recent threats, such as the attack on Salman Rushdie in New York over his Satanic Verses. These episodes are reminders that defending this right remains a constant battle against various forms of censorship and violence. 

Today, the literary world has rallied in a tribute published by Le Point. Nobel laureates Annie Ernaux, Jean-Marie Gustave Le Clézio, Orhan Pamuk, and Wole Soyinka, as well as Salman Rushdie, Peter Sloterdijk, Andrey Kurkov, Roberto Saviano, Giuliano da Empoli, and Alaa el Aswany, have demanded Sansal’s release in a text written by Kamel Daoud: « We cannot remain silent. This concerns freedom, the right to culture, and our own lives as writers targeted by this terror. I urgently call for international solidarity: let us demand the immediate release of Boualem Sansal and all writers imprisoned for their ideas. » 

Despite these appeals, Boualem Sansal’s fate remains uncertain. His lawyer has yet to access the case file and does not know the exact charges against the writer. Unwillingly, Sansal finds himself entangled in a web of passion and vengeance between France and Algeria, becoming a scapegoat in a volatile bilateral relationship. He faces the grim prospect of spending the rest of his life in prison.

Judith Waterlot 

Boualem Sansal en prison :  La liberté d’expression en question  

« Quand un écrivain écrit qu’un pays est une dictature et qu’il est mis en prison pour ça, ça prouve bel et bien qu’il avait raison ». Voilà ce que l’auteur français Emmanuel Carrère a dit le jeudi 5 décembre 2024 lors de sa prise de parole sur l’émission littéraire La Grande Librairie sur France 5 pour défendre son ami Boualem Sansal, 75 ans, arrêté à Alger le 16 novembre et emprisonné depuis.  

L’écrivain franco-algérien, connu du grand public pour son livre 2084 : la fin du monde récompensé par le prix du roman de l’Académie française en 2013, jouit d’une véritable reconnaissance dans son milieu pour son engagement constant à dénoncer les abus de pouvoir en Algérie. Sa critique des régimes autoritaires a fait de lui une cible privilégiée dans son pays d’origine où la répression des voix dissidentes s’intensifie.  

En effet les tensions entre la France et l’Algérie se sont intensifiées depuis la publication de Houris, lauréat 2024 du Prix Goncourt. Son auteur, Kamel Daoud est interdit de retourner dans son pays à cause de son roman racontant la décennie noire, terrible guerre civile algérienne qui a ravagé le pays pendant dix ans, entre 1992 et 2012. Depuis le scandale lié à l’interdiction de la publication de son roman en Algérie, ainsi qu’à l’exclusion de sa maison d’édition Gallimard du Salon du Livre d’Alger, Kamel Daoud a pris la parole pour dénoncer les pressions et les menaces auxquelles il est confronté.

Ces deux événements littéraires illustrent non seulement la nécessité de continuer à défendre la liberté d’expression au-delà des frontières françaises, mais révèlent également les tensions géopolitiques persistantes entre la France et l’Algérie. 

Parmi les principales causes de ce regain de tensions figure la décision de la France, en juillet dernier, de reconnaître la souveraineté marocaine sur le Sahara occidental. Cette annonce a suscité l’indignation du régime algérien. Le 26 juillet 2024, le ministère algérien des Affaires étrangères a publié un communiqué contenant des menaces à peine voilées : « Le gouvernement algérien tirera toutes les conséquences qui découlent de cette décision française et dont le gouvernement français assume seul la pleine et entière responsabilité. » 

Concernant l’emprisonnement de Boualem Sansal, Le Monde rapporte que son arrestation pourrait être liée à ses déclarations au média d’extrême droite Frontières, où il a affirmé que le territoire marocain aurait été amputé au profit de l’Algérie sous la colonisation française. Cette position controversée s’inscrit dans un parcours littéraire marqué par une critique récurrente du régime algérien. L’écrivain explore fréquemment dans ses œuvres les thèmes de la corruption, de l’autoritarisme et des dérives religieuses en Algérie. En 2006, il publiait dans Le Figaro une tribune dénonçant la mainmise du régime sur la société : « L’Algérie est devenue un laboratoire du totalitarisme, où la peur règne en maître. » Cependant, sa récente prise de position en faveur du Maroc semble avoir franchi une ligne rouge pour le gouvernement algérien, qui l’accuse désormais de porter atteinte à l’intégrité nationale. 

La maison d’édition Gallimard, éditeur des œuvres de Boualem Sansal depuis la parution du Serment des barbares qui avait déjà fait débat il y a vingt-cinq ans, exprime leur très vive inquiétude à la suite de l’arrestation de l’écrivain par les services de sécurité algériens et appellent à la libération immédiate de celui-ci. 

Depuis la réélection d’Abdelmadjid Tebboune, 79 ans, président algérien en poste depuis 2019 et réélu avec 95 % des suffrages exprimés, l’arrestation d’écrivains par le régime n’est malheureusement pas un fait inédit. 

Peu avant cette échéance électorale, l’association Amnesty International dénonçait « une érosion continue des droits humains à travers la dissolution par les autorités de partis politiques, d’organisations de la société civile et de médias indépendants, ainsi que la multiplication d’arrestations et de poursuites arbitraires fondées sur des accusations de terrorisme forgées de toutes pièces » 

Cet emprisonnement soulève une question essentielle : celle de la liberté. La liberté d’abord pour Boualem Sansal d’être libéré de prison mais aussi et surtout la liberté d’expression. En Algérie, des lois limitant la liberté d’expression sont en vigueur, notamment une interdisant l’évocation de la décennie noire mise en avant dans le roman de Kamel Daoud. Par ailleurs, certains écrivains évoquant du contenu « contraire à la décence » (sur la diversité sexuelle et de genre et sur l’homosexualité) sont aujourd’hui toujours retenus en prison. 

La liberté d’expression ne devrait connaître ni frontières ni clivages politiques. Pourtant, certains courants politiques, notamment à gauche et à l’extrême gauche en France, critiquent Boualem Sansal pour avoir exprimé ses idées dans un média d’extrême droite, dénonçant au passage une récupération politique de ses propos. Ces divergences d’opinion mettent en lumière les tensions que suscite ce droit fondamental, même dans les démocraties. 

Pourtant, cette liberté d’expression a été conquise au fil des décennies grâce à de nombreux combats et procès. Des exemples emblématiques jalonnent l’histoire, à commencer par le procès historique de Gustave Flaubert pour Madame Bovary, accusé d’immoralité, jusqu’à des menaces bien plus récentes, comme l’agression de Salman Rushdie à New York en raison de ses Versets Sataniques. Ces épisodes rappellent que défendre ce droit reste une lutte constante, face à des formes variées de censure et de violence. 

Aujourd’hui, c’est toute la sphère littéraire qui s’est agitée dans une tribune relayée par Le Point. Les prix Nobel Annie Ernaux, Jean-Marie Gustave Le Clézio, Orhan Pamuk et Wole Soyinka, ainsi que Salman Rushdie, Peter Sloterdijk, Andreï Kourkov, Roberto Saviano, Giuliano da Empoli et Alaa el Aswany, ont demandé sa libération, dans un texte rédigé par Kamel Daoud : « Nous ne pouvons pas rester silencieux. Il y va de la liberté, du droit à la culture et de nos vies à nous, écrivains ciblés par cette terreur. Je lance un appel urgent à la solidarité internationale : exigeons la libération immédiate de Boualem Sansal et de tous les écrivains emprisonnés pour leurs idées ». 

Cependant, malgré ces soutiens, le sort de Boualem Sansal demeure incertain. Aujourd’hui l’avocat de Boualem Sansal n’a pas eu accès au dossier et ne sait pas exactement pour quels chefs d’accusation l’écrivain est poursuivi. Boualem Sansal est inscrit sans le vouloir dans une logique de passion et de vengeance entre la France et l’Algérie dans laquelle il est devenu le bouc émissaire d’une relation bilatérale en feu. Il risque de finir le reste de sa vie en prison.  

Judith Waterlot