Le peintre belge Ben Vanderick réalise des portraits de célébrités en noir et blanc, en partant de simples photographies. Il est désormais reconnu à travers le monde comme « Monsieur 14 nuances de gris ».

*Ben Vanderick à côté de son portrait de Kate Moss*
*©la Nouvelle Gazette*

De la sophrologie pour devenir artiste international ?

Ben Vanderick se lève un matin après une séance de sophrologie et avoue être « tombé dans un état hypnotique pendant plus d’une heure. Je baignais dans un environnement en kaléidoscope où seules les couleurs existaient (…) La peinture m’a semblé l’unique moyen de me rapprocher de cet état de béatitude. » C’est pourquoi, il décide d’abonner sa carrière de gérant de société pour s’adonner à la peinture. Celle-ci lui permet de donner forme à cette expérience immatérielle qu’est la sophrologie.

Peindre devient donc son terrain de découverte. Comme Ben Vanderick est autodidacte, il peine à trouver son propre style au début de sa carrière artistique. Il commence par peindre des œuvres abstraites avant de se diriger vers le figuratif.

Il développe sa patte artistique par la technique du pointillisme et même l’hyper-pointillisme. C’est précisément cette technique qui va le distinguer des autres artistes lors l’Affordable Art Fair AAF de New York en mars 2016.

Puis en décembre 2016, il est repéré par l’influente galerie belge Vogelsang Art Gallery. L’artiste expose alors ses œuvres à prestigieuse foire d’art contemporain Scope Art Basel de Miami.

Depuis, Ben Vanderick expose ses peintures à travers le monde ; Hong Kong, Basel, Londres, Paris, New York sans oublier Bruxelles.

Il est désormais représenté par différentes galeries internationales d’art contemporain : Robinsons Art Gallery (Knokke), Tanya Baxter Contemporary (Londres) et la Bouderton Art Gallery (Miami), entouré d’artistes de renommée internationale.

Un artiste du buzz ?

Ben Vanderick s’est donc fait connaître grâce à sa technique artistique : l’hyper-pointillisme. Cette technique ressemble au pointillisme qui consiste à peindre par petite touches juxtaposées, mais en étant plus fines et donc plus précises.

Mais sa notoriété internationale s’est largement développé grâce à la personnalité de ses clients : des célébrités, qu’elles appartiennent au domaine sportif, musical ou encore politique.

En effet, l’artiste fait le buzz sur les réseaux sociaux en 2019 avec le portrait de l’ancien footballeur de l’équipe national de Belgique, Marouane Fellaini.

Le footballeur du Manchester United Marouane Fellaini pose à côté de son portrait par Ben Vanderick
©@fellaini, Instagram

C’est ensuite le tennisman Rafael Nadal et le chanteur Elton John qui lui commandent un portrait.

Le travail de Ben Vanderick croise même le chemin de Sa Majesté la Reine Mathilde de Belgique.

*Sa Majesté la Reine Mathilde de Belgique, à qui Ben Vanderick a expliqué son œuvre ©PhotoNews pour La Nouvelle Gazette*

Cependant, le succès ne le grise pas. Cette popularité ne lui fait pas oublier ses valeurs d’aide et de partage. Ses toiles sont régulièrement vendues lors de ventes aux enchères afin que les bénéfices puissent être reversées à certaines Fondations dont la Fondation Papillon, la Fondation Samira et la Fondation Amade.

Pourquoi « Monsieur 14 nuances de gris » ?

La particularité de Ben Vanderick est la réduction de sa gamme chromatique. En partant de photographies, il peint ses toiles uniquement en noir et blanc. Intemporel, le noir et blanc incarne l’essence de la discipline photographique par sa force esthétique. Ces deux couleurs sont utilisées pour la richesse de leurs nuances.

Pourtant, l’artiste décide tout d’abord d’en utiliser 50, puis se satisfait d’utiliser uniquement 14 nuances de gris.

Le choix du noir et du blanc (ainsi que les dégradés de gris) induit de regarder un tableau de manière saisissante et de donner à voir son sujet. Cette unité esthétique, par la restriction des couleurs, renforce les émotions lors de la visualisation de l’œuvre.

En effet, le noir et blanc permettent de ramener à l’essence. L’important est le contenu du sujet et non la couleur de ses vêtements ou celle de ses lunettes. Cette réduction de couleur élimine les distractions pour se concentrer sur le sujet : le visage de la célébrité.

C’est ainsi que l’artiste parvient à transmettre les émotions de la célébrité. Il nous invite à partager ses sentiments.

Ben Vanderick nous propose de prendre le temps de regarder ses visages, qui nous sont pourtant si familiers car excessivement médiatisés. C’est pourquoi l’intitulé de sa page Facebook est « Ben Vanderick Eye Catcher ».

Screenshot de la vidéo https://www.telesambre.be/un-fleurusien-peintre-des-stars

L’artiste belge fait donc immerger le spectateur dans le regard de la star et surtout de son intimité, qui est très souvent difficile à capter.

Son expression de la relativité des points de vue, une nouveauté ?

Ben Vanderick est un passionné de la théorie de la relativité des points de vue. Il désire que chaque spectateur ait la possibilité de percevoir ses œuvres de manière différente. A ce propos, il explique :

« Imaginez, un accident se produit, 14 témoins sont sur place.  Chacun d’eux vous expliquant une version différente de la même scène (…) Mes 14 nuances de gris sont également perçues de façons différentes à chaque regard et pourtant, physiquement, il s’agit bien d’une seule et même toile. »

En effet, ses œuvres proposent une expérience mouvante en jouant sur la distance entre l’œuvre et le spectacle et son angle de vue.

Afin de résumer sa proposition artistique, Ben Vanderick déclare que « rien n’est blanc ou noir, rien n’est vrai, rien n’est totalement faux, tout n’est que nuances de gris. »

David Bowie, Ben Vanderick
©FilleulGalerie

Dans les faits, si vous vous approchez plus près d’un de ses tableaux et décidez de porter votre regard sur une petite zone, il est difficile de comprendre et deviner ce qu’elle représente. Mais en prenant du recul, en ajoutant du mouvement à votre observation et en prenant le temps d’analyser votre angle de vue, alors le sujet de l’œuvre se dévoilera avec une intensité croissante.

L’expérience artistique est donc au cœur de l’œuvre de Ben Vanderick. Elle devient un mélange entre abstraction (vision de petites touches) et figuration (vision d’un visage).

Une image en fait donc naître une autre, simplement grâce à un changement d’angle de vue.

Force est de constater que le travail de Ben Vanderick est d’une grande complexité : entre finesse du pinceau, patience et observation. L’artiste parvient en plus à faire découvrir et à transmettre en peinture l’humanité de ses portraits. Il apporte une valeur ajoutée à la photographie, grâce au nouveau volume proposé et surtout via l’expérience mouvante qu’il suggère au spectateur pour déchiffrer ses portraits.

Emma Navarro

Sources

www.benvanderick.com

https://www.eventail.be/art-culture/marche-art/5701-ben-vanderick-star-system-artist-robinsons-gallery-knokke

https://www.dhnet.be/regions/mons/mons-ben-vanderick-le-peintre-des-stars-en-exposition-ephemere-a-la-casa-nostra-5ff8d9d09978e227df58bcaa

https://www.lavenir.net/cnt/dmf20161219_00932668/du-business-a-la-peinture

Ben Vanderick

https://www.erudit.org/fr/revues/va/1967-n49-va1206688/58263ac.pdf

Jul et Aya, montage réalisé à partir de la pochette d'album La zone en personne de Jul et d'une photo postée sur instagram par Aya Nakamura

Pourquoi continue-t-on de mépriser Jul et Aya Nakamura ?

Musique, Réflexions21 marsaudenciaculture@gmail.comCritique, industries culturelles, musique

Qu’on aime ou qu’on n’aime pas, les chiffres ne mentent pas : Aya Nakamura et Jul font partie des artistes français les plus écoutés sur les plateformes de musique. L’une est l’artiste française la plus streamée au monde, l’autre est considéré comme un des rappeurs français les plus importants de son époque. Cependant, et ce depuis le début de leur carrière respective, ils sont très souvent sous-représentés dans les médias traditionnels et les critiques des journalistes leurs sont plus que défavorables.

On retrouve ce constat d’un succès populaire affilié à un rejet par les critiques autour de nombreuses carrières d’artistes, la plupart du temps catégorisés dans le style « musique urbaine ».

Ce qui apparaît comme une simple divergence de goûts musicaux témoigne pourtant d’un important mépris de classe, qu’il serait peut-être temps de remettre en question.

Jul, ovni workaholic du rap français

Pochette de l'album La zone en personne de Jul, sorti en 2018. — Pochette de l’album *La zone en personne* de Jul

Depuis son deuxième album « Dans ma paranoïa » sorti en 2014, Jul produit 2 albums par an tous certifiés disque de platine au minimum. En 2015, il fonde son propre label indépendant. En 2020, il devient le plus gros vendeur d’albums de rap français de tous les temps avec plus de 4 millions d’albums vendus avant l’âge de 30 ans. En parallèle, il sort très régulièrement des titres et des albums disponibles en téléchargement gratuit pour ses fans. Plutôt bosseur !

On peut aussi voir qu’il est énormément respecté par ses pairs du rap français : Gims, Soprano, l’Algerino, et même Booba qui avait déjà déclaré lors d’une interview pour Les Inrockuptibles en 2015 qu’il estime que seul Jul peut surpasser les ventes de ses albums : « Je pense qu’il va vendre plus que moi. C’est vraiment quelqu’un que je respecte. On discute souvent ensemble ».

Aya Nakamura, outsider avec une identité très forte

Photo publiée sur le compte instagram d'Aya Nakamura — Photo publiée sur le compte instagram d’Aya Nakamura

Aya Nakamura a également une fanbase solide parmi les autres talents de la scène francophone comme les chanteuses Angèle ou Pomme, qui n’hésitent pas à exprimer leur admiration et respect envers son travail sur les réseaux sociaux.

Sortant de tout cadre précédemment définis, ses phrases alambiquées et son style musical mélangeant R’n’B, pop et afrobeat font pourtant peur aux médias français. Ceux-ci pointent du doigt les expressions et jargon employés par Aya qui ne sont pas connus du dictionnaire français, comme dans la chanson Pookie sortie en 2019 :

« Toi t’es bon qu’à planer
Ouais je sens t’as l’seum, j’ai la boca
Entre nous y’a un fossé
Toi t’es bon qu’à faire la mala »

Ces médias n’ont cependant pas le même discours face aux textes de certaines pépites de la pop française comme Julien Doré et Christine & the Queens, qui utilisent eux aussi un bon nombre d’expressions tarabiscotées dans leurs chansons :

« Sur ta peau mellow sublime
Les dauphins du large
Ont le coeur tropico-spleen
Au lointain rivage
Je te veux Coco Câline »
– Coco Caline, Julien Doré.

« J’fais tout mon make up
Au mercurochrome
Contre les pop-ups
Qui m’assurent le trône »
– Tilted, Christine and the Queens

Curieux, non ?

Pour Marie-France Malonga, sociologue des médias, le succès d’Aya Nakamura « s’oppose au regard des dominants, relayés par les médias, qui s’estiment encore comme les seuls à pouvoir juger de ce qui est bon ou non, digne d’être de l’art ou non. »

Le mépris de classe, fléau des médias

Mais qu’est-ce que le mépris de classe et pourquoi notre Jul et Aya nationaux en sont-ils victimes ?

Aussi désigné comme « monopole du bon goût », le mépris de classe est une forme de mépris que déploie une personne de manière plus ou moins explicite face à la classe sociale d’une personne considérée comme de dignité « inférieure ». Cette notion a été surtout étudiée par Pierre Bourdieu.
En ce sens, les critiques subies par les deux artistes révèlent un profond mépris de classe de la part des journalistes envers les personnes issues de milieu plus populaire que le leur, mais aussi de la persistance de clichés dégradants à l’égard du rap français et de la musique dite « urbaine ». Pour Olivier Cachin, spécialiste du mouvement hip-hop, la plupart des médias les associent encore aujourd’hui à une « sous-culture générée par des irresponsables décérébrés ». Or aujourd’hui, on constate que le rap est en passe de devenir le genre musical préféré des français, « ses influences, références, codes, rythmes, sons et attitudes ont infiltré toutes les couches de la société » explique Laurent Bouneau, directeur des programmes de Skyrock.

Pour Olivier Cachin, il est évident que ce mépris envers ces genres musicaux est intrinsèquement lié aux fractures sociales de notre société. « Le mépris de classe qui entoure le rap est un corollaire du mépris qui frappe les milieux populaires, bien sûr. »

« On aime ou on n’aime pas, mais Jul est un personnage hyper intéressant. […] Mais les médias parisiens préfèrent parler de sa garde à vue plutôt que de sa musique. La majorité d’entre eux n’ont d’ailleurs jamais écouté un album de Jul ! »
Sophian fanen dans le journal Les jours

Jul et Michel Polnareff, une amitié inattendue prouvant que tout est possible ?

Ainsi, on critique Jul parce que généralement quand on en entend parler, ce n’est pas de manière valorisante et qu’on ne cherche pas à aller plus loin. On nous présente quelque chose comme étant de mauvais goût donc on le qualifie nous-même de mauvais goût. Michel Polnareff lui-même s’est fait prendre à ce piège lors du premier confinement en avril 2020. En effet, lors d’un live instagram animé par Magali Berdah, agente de télé-réalité, cette icône de la variété française s’est vu poser la question de quel artiste il n’aimait pas le travail. Ne sachant que répondre, il finit par donner le nom de Jul, suggéré par son interlocutrice. Peu après, Michel Polnareff est vite revenu sur sa déclaration via un tweet :

Tweet de Michel Polnareff :
"Quand @MagaliBerdah m'a demandé quel chanteur français je détestais, je ne trouvais pas le nom, et quand elle m'a dit JUL, j'ai dit oui c'est ça; je viens de l'écouter sur YouTube et me suis rendu compte que je me suis trompé de personne; je présente toutes mes excuses à @jul" — Message posté par Michel Polnareff sur son compte twitter

Jul, peu rancunier, a tweeté en réponse que ce n’était « pas grave ». Cet échange a marqué le début d’un rapprochement entre les deux chanteurs, Michel Polnareff n’hésitant pas à défendre Jul sur les réseaux sociaux ou à s’afficher en photo en train de faire le signe de Jul avec ses doigts. Jul a pour sa part publié des photos de lui avec la coupe de cheveux de Michel Polnareff, et laissait même entendre qu’un éventuel featuring se préparait entre eux.

Photo postée sur la page Facebook Michel Polnareff, le montrant faisant le signe de Jul — Photo postée par Michel Polnareff sur sa page Facebook

Photo postée sur la page Facebook de Jul, le représentant avec la coupe de cheveux et les lunettes de Michel Polnareff. — Photo postée par Jul sur sa page Facebook

Cette situation rejoint les travaux de Bourdieu : pour se démarquer des autres et montrer qu’on appartient à une certaine classe sociale, il est important de montrer ce qu’on aime mais aussi ce que l’on n’aime pas afin d’intégrer des groupes et tracer des distinctions entre le groupe auquel on se rattache et les autres. En laissant une ouverture et en exprimant que l’on n’a pas vraiment d’opinion particulière sur une chose, on accepte que les distinctions et barrières sociales soient poreuses, tangibles. En somme, accepter qu’il existe un monde où Jul et Michel Polnareff peuvent être amis, c’est aussi accepter de remettre en question la notion d’appartenance à des classes sociales bien définies.

Finalement, Aya Nakamura et Jul sont tous les deux des artistes qui ont su s’affirmer dans le paysage musical français malgré l’absence de soutien des médias, valorisant d’autant plus leur travail et leur carrière. Ce constat pose la question d’une possible restructuration des rapports de force entre artistes et médias, qui ne seront peut être plus aussi important dans le succès des futurs talents.

Charlotte Lepage

Sources :

http://www.slate.fr/story/153011/medias-francais-rap-longue-histoire-mepris

https://culture.newstank.fr/fr/article/view/201182/deezer-jul-aya-nakamura-artistes-plus-streames-2020-i-3-album-plus-ecoute.html

https://www.gentside.com/news/michel-polnareff-et-jul-l-improbable-amitie-apres-les-critiques_art94952.html

https://ventesrap.fr/jul-victime-du-mepris-de-classe-des-medias-francais/.html

https://leparterre.fr/2019/04/26/jul-catalyseur-de-degout/

https://www.madmoizelle.com/aya-nakamura-misogynoir-france-1067077-1067077

https://www.humanite.fr/olivier-cachin-le-mepris-de-classe-qui-entoure-le-rap-556833

Photo de Guillermo Muro capturant un cuisiner en train de décorer méticuleusement un plat.

Artistiquement culinaire

Arts visuels17 marsaudenciaculture@gmail.comArt, Cuisine, Gastronomie

« On dit d’un mets qu’il est excellent, d’une odeur qu’elle est délicieuse, mais non d’un mets qu’il est beau, et d’une odeur qu’elle est belle. » Kant.

L’idée avancée par l’auteur est que le champ culinaire ne peut être associé au champ artistique dans la mesure où, le cuisinier n’est pas artiste et ses réalisations ne peuvent être considérées comme des oeuvres d’art. Pourtant, l’acte de création intrinsèque à l’art est tout aussi présent dans le processus de réalisation d’une recette.
La cuisine peut-elle être érigée au rang d’oeuvre d’art? i.e Le domaine culinaire peut-il être source de plaisir esthétique et donc être dissocié dans certains cas de son utilité fondamentale?

Ainsi, il est opportun de comparer les caractéristiques d’une oeuvre d’art et celle d’un plat pour définir s’il est cohérent d’associer la cuisine à une forme d’art. Aussi, peut-on associer le champ culinaire à un champ à part entière de la culture si celui-ci procure des bienfaits similaires à ceux qu’engendrent la peinture, le cinéma ou encore le théâtre?

« L’art de la cuisine », une expression désuète

Historiquement, l’association des termes « art » et « cuisine » n’est pas propre à l’époque contemporaine. En effet, cette association qui parait presque révolutionnaire de par l’expression idiomatique « l’art de la cuisine » est en réalité héritée du XIXe siècle. Les auteurs André Viard et Antonin Careme sont à l’origine d’ouvrages portant dans leur titre cette association : Cuisinier impérial ou l’art de faire la cuisine et la pâtisserie (1806) et Art de la cuisine française au XIXe siècle (1833). Ces appellations sont sans doute inspirées par l’esthétique culinaire développée par le théoricien de l’art Carl Friedrich von Rumohr, qui publie en 1822 son Geist der Kochkunst (L’Esprit de l’art culinaire).

Ainsi, la cuisine est, depuis le XIXe siècle, associée à une forme d’art à part entière, mais cela est-il uniquement métaphorique ou témoigne d’une réelle correspondance?

*L’Art de la cuisine française au XIXe siècle Carême, Antonin*
*Payot / Rivages (1994)*

Une oeuvre d’art se trouve dans votre cuisine

Proposons une méthode pour se prononcer en faveur ou en défaveur de la cuisine comme un art. La comparaison des caractéristiques d’une oeuvre d’art, considéré par tous comme tel, à celle d’un mets peut nous aider à trancher. Les caractéristiques de l’oeuvre d’art que nous retiendrons sont qu’une œuvre d’art est le produit rare voire d’exception d’un humain qu’on appelle un artiste, qu’elle s’adresse à un public sur lequel elle a certains effets, comme des émotions, des engouements, un plaisir souvent liés à la beauté des oeuvres et enfin qu’elle semble dire quelque chose du monde à un moment précis, dans le sens où est destinée à la postérité.

La première caractéristique abordée se retrouve largement dans l’art de la pâtisserie. En effet, les pâtissiers, dans un processus de création perpétuelle, n’ont de cesse d’être créatifs et peuvent tout à fait être considérés comme des artistes. À la différence de l’artisan, l’artiste pâtissier crée, innove et travaille autour de la notion du « beau ». La pâtisserie est un art tant dans la forme que dans le fond lorsque la prouesse technique se marie à l’élégance du visuel. Cédric Grolet, pâtissier français contemporain, reprend le leitmotiv surréaliste de René Magritte « Ceci n’est pas une pomme » dans son oeuvre qui consiste à réaliser des gâteaux qui reproduisent les fruits à la perfection. Ce travail d’orfèvre l’a indéniablement érigé au rang d’artiste par ses pairs.

La seconde caractéristique aborde les ressentis des spectateurs autour d’une oeuvre d’art. L’art culinaire, pour sa part, attise un sens non sollicité par les autres oeuvres d’art : le goût. Les papilles gustatives sont en effet des réceptacles précieux d’émotions. L’art de la pâtisserie, par exemple, est autant un art qui sollicite le visuel, l’olfactif que le goût.
Ne peut-on pas dire que la cuisine, dans ce cadre, rempli totalement le rôle d’oeuvre d’art en tant qu’activatrice d’émotions?

Enfin, l’oeuvre d’art se doit d’être le témoin du monde présent pour le monde futur. C’est ainsi qu’une oeuvre comme le Impression, soleil levant de Claude Monnet nous parle de l’époque impressionniste et d’une nouvelle réalité du sentiment sous un trait en relief. La cuisine et la pâtisserie, elles aussi nous parlent d’une réalité culinaire liée à un moment donné. L’exemple le plus contemporain est surement notre nouveau rapport à la viande. Dans un monde où la défense animale devient une priorité dans les pays occidentaux, le mouvement culinaire du veganisme semble épouser cette nouvelle réalité. Les recettes et les techniques s’inscrivent d’autant plus dans le respect de la nature et par conséquent dans la réalité présente.

*Rôti de seitan farci, recette vegan de Noël élaborée par Pascale Stretti ãPETA France*

La cuisine, une oeuvre patrimoniale

Toutefois, le propre d’une oeuvre d’art est aussi d’être transmise à la postérité. Dans ce cas, il semble impossible de léguer une réalisation culinaire à la postérité dans toute sa matérialité. Le spectacle vivant est un exemple parlant d’art qui ne peut être reproduit à l’identique. En effet, une pièce de théâtre est vécue hic et nunc i.e. ici et maintenant, c’est donc les supports qui sont relayés à la postérité comme les livres ou les films d’une pièce de théâtre. De la même manière, ce qui rend transmissible l’art culinaire, ce sont évidemment les livres de cuisine qui regroupent de précieuses recettes et techniques mais aussi la photographie culinaire qui permet de conserver la réalisation dans son contexte. La photographie culinaire, très en vogue sur Instagram notamment, matérialise les idées d’association de goûts mais aussi les idées de dressage.

*Feed Instagram du compte Arts & Gastronomie*

La cuisine et la pâtisserie sont des associations délicieuses de créativité, d’émotions et de plaisir. Que les réalisations culinaires soient admises ou non dans le cercle restreint des oeuvres d’art, elles restent les représentantes attitrées de l’art du partage.

« Pour bien cuisiner il faut des bons ingrédients, un palais, du coeur et des amis. » Pierre Perret

Inès Megrad

Bibliographie :

Article Cairn : La cuisine et ses états d’art

Encyclopédie Larousse – Qu’est ce qu’une oeuvre d’art

Marmiton.org

Le marché de l’art se digitalise grâce à la covid-19

Arts visuels15 marsaudenciaculture@gmail.com#marchédelart, Covid19, digital, Enchère, peinture

*Le commissaire-priseur Oliver Barker prenant les enchères par téléphone et en ligne à Londres (source : Sotheby’s)*

84,5 millions de dollars. C’est la somme qu’un acheteur a déboursé le 29 juin 2020 chez Sotheby’s pour le fameux triptyque de Bacon, « Inspired by the Oresteia of Aeschylus », 1981. Le marché de l’art fait ainsi son entrée dans l’ère des ventes virtuelles de prestige.

*Triptyque “Inspired by the Oresteia of Aeschylus” de Francis Bacon (source : Sotheby’s)*

L’année 2020 a forcé le marché de l’art à faire ses preuves dans le digital. Alors que la plupart des institutions culturelles ont été mises au point mort par l’Etat au printemps 2020, et le marché de l’art a tenté tant bien que mal de poursuivre son activité.

Un marché de l’art mis à rude épreuve

Les galeries ont été frappées de plein fouet par la crise covid-19, accusant pour certaines une baisse de plus de 90% de leur chiffre d’affaires. Les foires ont dû trouver de nouveaux moyens de dialoguer avec leur public. La foire Art Basel Hongkong a ainsi annulé sont événement physique et lancé une alternative en ligne. Cette dernière a réuni 250 000 visiteurs virtuels, alors que l’édition 2019 avait rassemblé 90 000 visiteurs physiques.

Quelques galeries ont réussi à tirer leur épingle du jeu. La vente record de la foire a été attribuée à la galerie David Zwirner pour un tableau de Marlene Dumas à 2,6 millions d’euros. La galerie est un des précurseurs du changement digital. Elle a créé des « viewing rooms », permettant au public de parcourir les œuvres exposées, et son réseau est rompu aux visites et aux achats en ligne.

Il est indéniable que la digitalisation du marché de l’art ouvre la porte vers un nouveau public, vers de nouveaux acheteurs. Les grandes galeries pourraient s’imposer à l’avenir comme des figures incontournables du marché de l’art. Comment les maisons de ventes ont-elles fait face à cette crise sans précédent ?
(Oeuvre : Like Don Quixote, 2002, Marlene Dumas)

Une innovation portée par les leaders du marché

Les sociétés de ventes ont pu éviter le pire. En raison de l’urgence sanitaire, les maisons de vente ont reporté voire annulé leurs ventes physiques, mais elles ont pu développer leur solution de repli, les ventes en ligne. Dès le début de la crise, Sotheby’s a mis les ventes en ligne au centre de sa stratégie de développement, lui permettant de prendre de l’avance sur ses concurrents : à la mi-mars, la maison avait déjà vendu 10 fois plus d’œuvre que sa grande rivale, Christie’s.

Les enchérisseurs ont témoigné d’une grande confiance à l’égard de Sotheby’s : en avril elle génère 6,4 millions de dollars, un record pour ses ventes en lignes. En outre, la moitié de lots vendus sont au-delà de leur estimation haute. La maison a même réussi l’exploit d’attirer entre 30 et 35% de nouveaux enchérisseurs.

Christie’s a quant à elle effectué un incroyable bondissement au mois de mai, durant lequel elle multiplie par deux ses ventes en ligne. Son prochain défi est de faire repartir son marché haut de gamme, défi qu’elle relève haut la main en juillet avec l’inédite vente « ONE : A Global Sale of the 20th Century ». ONE est une vente hautement expérimentale : non contente d’employer l’ubiquité numérique, elle met également en avant la réalité augmentée (RA). Des QR codes sont ainsi associés aux œuvres, permettant aux futurs enchérisseurs de projet virtuellement celles-ci dans leur salon. ONE a regroupé quatre sessions de prestige, à Paris, New York, Hong Kong et Londres. Quatre-vingt pièces exceptionnelles ont été vendues aux quatre coins du globe, atteignant la somme pharaonique de 420 millions de dollars. Jusqu’alors, le grand public pouvait observer une œuvre dans ses moindres détails grâce aux nouvelles technologies. Ces dernières offrent désormais une qualité d’immersion inédite. Ces outils pourront éclairer les enchérisseurs sur les œuvres et motiver leurs intentions d’achats.

Portrait of Sir David Webster, David Hockney

Œuvre exposée sur le site de Christie’s en réalité augmentée, où l’on peut examiner le tableau sous toutes ses coutures (capture d’écran)

*Evolution du produit des ventes en ligne (source : rapport artprice « 20 ans d’Art Contemporain aux enchères »)*

Comment se différencie une vente en ligne d’une vente traditionnelle ?

Il est nécessaire de distinguer deux types de ventes en ligne. La première, la plus commune, présente uniquement la liste de lots avec la possibilité d’enchérir pendant une durée déterminée, généralement une semaine à dix jours. On peut en l’occurrence citer les ventes NOW! de la maison Sotheby’s. La deuxième revêt un caractère plus exceptionnel : une vente traditionnelle est filmée, et les acquéreurs ont la possibilité d’enchérir en ligne. La difficulté se pose alors pour les commissaires-priseurs qui doivent naviguer entre les acquéreurs en salle, les enchères par téléphone et les enchères en lignes qui s’affichent sur un écran. Le rythme de le la vente est alors considérablement accéléré.

Les ventes en ligne ou les prémices du renouvellement des collectionneurs

Enchérir à une vente aux enchères n’a jamais été aussi simple. L’acquéreur se connecte en quelques clics depuis son ordinateur, sa tablette ou même son téléphone portable. En 2019, 40% des ventes en ligne ont été conduit sur mobile, soit 1, 92 milliards de dollars. Les ventes en ligne sont ouvertes à tous, mais elles attirent en particulier un public plus jeune, et plus enclin à faire des achats de luxe sur Internet, à l’inverse des générations précédentes. Les maisons de vente aux enchères traditionnelles peinent à renouveler leur base de clientèle. La digitalisation des ventes permet d’attirer des collectionneurs plus jeunes. Cette nouvelle génération de collectionneurs n’aurait pas les mêmes intérêts et cibles que leurs aînés. Alors que les grands collectionneurs se concentrent traditionnellement sur le segment des œuvres d’art, le goût se déplace de plus en plus vers les objets de collection.

La vente en ligne semble s’afficher telle la panacée pour les sociétés de ventes et les acteurs internationaux. Mais se pose alors la question du plaisir sensoriel d’une vente aux enchères, de sa frénésie et de son atmosphère électrique.

Se dirige-t-on vers un marché de l’art résolument dématérialisé ?

Ostiane Moitry

Bibliographie :

Rapport Hiscox 2020 sur le marché de l’art en ligne Etude_Hiscox_Marche_de_l_Art_en_ligne_2020.pdf

Digitalisation des enchères : entre raison et émotion – VISIPLUS academy

Rapport Artprice « 20 ans d’Art Contemporain aux enchères » Le marché de l’art contemporain 2020 (artprice.com)

Le marché de l’Art peine encore à se digitaliser, Actualité/Actu Passion (boursier.com)

Les Animaux et l’Art

Arts visuels12 marsaudenciaculture@gmail.com#artcontemporain, Art, Culture

*Jeune tigre jouant avec sa mère, Eugène Delacroix, 1830 (huile sur toile, musée du Louvre)*

En 2020, 39% de la population française est flexitarienne et tend à réduire sa consommation de viande. Ce chiffre ne cesse d’augmenter chaque année. Cette tendance est due à la forte conscientisation du mal-être animal qu’impose notre surconsommation de viande. L’animal nous est indéniablement utile pour sa force, son aspect ludique ou bien comme matières premières. Pourtant, il reste absent de notre quotidien, malmené, abattu à la chaîne.

La considération de l’ensemble des êtres vivants par les humains est un processus lent que nous allons explorer à travers le prisme de l’Art.

À l’origine de nombreuses formes d’art

L’art paléolithique

Il y a 3,3 millions d’années, l’apparition des premiers outils lithiques marque le début du Paléolithique, la plus longue période de la Préhistoire. À l’époque des chasseurs-cueilleurs naissent les premières formes d’art. Nous retrouvons de nombreuses représentations animales mais peu de représentations de végétaux.

De nombreux dessins datant du Paléolithique ont été retrouvés en Europe. On trouve des vestiges de cet art figuratif en France et en Espagne notamment. 179 sites ont été découverts en hexagone, mais c’est sans doute les grottes de Lascaux dont nous tendons à nous souvenir. Des bisons, des cerfs, des chevaux, des aurochs, des bouquetins et des rennes y sont représentés.

*Mur gauche de la salle des Taureaux, Lascaux II*
*(réplique de la grotte d’origine, cette dernière étant fermée au public)*
*©brewminate.com*

Les animaux peints dans les grottes étaient tantôt les proies des chasseurs-cueilleurs tantôt leurs prédateurs. À Lascaux, sur 597 animaux, on compte un humain. Plus largement, sur l’ensemble de l’art paléolithique seul 5% des figures représentées sont des silhouettes humaines. À cette époque, l’art avait alors une utilité mystique, se protéger des animaux dangereux ou attirer ceux qui étaient mangés.

L’art égyptien

L’Égypte est composée de trois biotopes distincts, le désert, le Nil, et la jungle. Cette particularité géographique offre aux égyptiens une faune riche et multiple. Admiratifs, mais toujours craintifs face à cette diversité, la civilisation égyptienne a largement été influencé par le monde animal, et situe l’homme à son niveau.

Les recherches archéologiques ont tout aussi bien donné lieu à des découvertes de momies humaines qu’animales. On a retrouvé notamment des chats, des crocodiles, des oiseaux voire même des lionceaux. Les fouilles de la nécropole de Saqqarah en 2019 ont permis de découvrir des dizaines de momies d’animaux. Les hiéroglyphes au même titre que les momies sont les exemples les plus courants permettant de rendre compte du rôle des animaux dans l’histoire de l’Égypte ancienne.

*Mummified cats inside a tomb, at an ancient necropolis in Saqqara, Giza, Egypt, November 10, 2018. (©Nariman El-Mofty/AP, journal the Times of Israel)*

Absence et représentation

L’art au Moyen Âge

Le Moyen Âge a fondamentalement transformé notre rapport aux animaux. À cette époque, une réelle rupture a lieu entre les êtres vivants. La naissance du christianisme, un mariage de la culture juive et gréco-romaine en est le point d’ancrage. La sphère religieuse exclut radicalement l’animal du rapport au spirituel.

« Dieu créa l’homme à son image, il le créa à l’image de Dieu, il créa l’homme et la femme »
Genèse 1.27

Ce passage de la Bible fonde le rapport des humains aux animaux dans les civilisations chrétiennes ou postchrétiennes. L’anthropocentrisme délivre une place supérieure à l’Homme. Les animaux ne sont plus représentés pour leurs qualités mystiques comme à l’ère paléolithique ou dans l’Égypte Ancienne. Au début du Moyen-âge, les représentations animales sont allégoriques. La colombe est le symbole de la paix, le serpent celui de la tentation.

Au Moyen-âge, les animaux bien qu’exclus dans le domaine religieux, demeurent fortement représentés dans la vie quotidienne car considérés comme esthétiques. Les ornements animaliers sont à la mode. La façade de la cathédrale Saint-Trophime d’Arles datant de la fin du XIIème siècle présente chaque évangéliste sous la forme de l’animal qui le symbolise – l’homme pour Matthieu, l’aigle pour Jean, le lion pour Marc et le taureau pour Luc.

*Portail de la cathédrale Saint-Trophime d’Arles, XIIe siècle (photo ©Djedj sur Pixabay)*

Le Moyen-âge est paradoxal, il exclut totalement les animaux au travers de la religion qui régit la société mais les représente pour leurs esthétiques.

L’animal-machine

L’animal-machine est évoqué par Descartes. Le philosophe attribue aux animaux des qualités certaines de rentabilité et d’efficacité. En revanche, les machines sont dépourvues d’âme et de conscience. Cette thèse soutient que les animaux existent pour être au service des humains. Le célèbre tableau de Rosa Bonheur représente des vaches comme des animaux moteurs. Cette conception de l’animal est une des répercussions de la diffusion du christianisme en Europe.

L’industrialisation de nos sociétés a éloigné l’animal de notre quotidien. C’est ainsi que l’animal-machine est souvent remplacé par de vraies machines encore plus rentables. Les campagnes se dépeuplent : c’est l’exode rural. Ce phénomène d’urbanisation a engendré une forte nostalgie de la ruralité chez les bourgeois des villes. Dans ce contexte, Rosa Bonheur peint Le labourage Nivernais en 1849.

*« Labourage nivernais », Rosa Bonheur, 1849 (huile sur toile, musée d’Orsay)*

Éveil intellectuel

Questionner notre relation au vivant

Notre relation au vivant évolue. Si depuis l’arrivée du christianisme, l’animal est souvent relayé au second rang, il semble être de nouveau considéré par le milieu intellectuel et philosophique contemporain. De nombreux ouvrages récents portent sur notre rapport au vivant. L’ouvrage Manière d’être vivant de Baptiste Morizot est très inspirant. Il réalise son terrain auprès des loups, et son étude démontre que l’infériorité supposée des animaux n’a rien de palpable. Il amorce un dialogue avec les autres espèces dont leurs paroles sont si longtemps restées ignorées.

« Imaginez cette fable : une espèce fait sécession. Elle déclare que les dix millions d’autres espèces de la Terre, ses parentes, sont de la “nature”. »
Postface de Baptiste Morizot

Baptiste Morizot n’est pas le seul à remettre en question l’anthropocentrisme. Sans doute car les chiffres sont vertigineux, un million d’espèces animales et végétales sont en danger d’extinction. La pandémie de la COVID-19 semble progressivement mener les esprits vers une reconsidération de l’autre. La lenteur à laquelle ce processus a lieu ne nous donne que très peu d’espoir d’avenir.

L’animal dans l’art contemporain

L’éloignement de nos racines rurales est d’autant plus important que nos sociétés se développent. Aimer les animaux est souvent vu comme marginal ou enfantin. D’un autre côté, les animaux de compagnie occupent une place très importante dans les foyers et semblent structurer la vie de famille. Le renouement est lent mais l’animal jugé ringard redevient lentement à la mode.

Par exemple, la taxidermie n’était plus du tout exposée dans les salons ou galeries. L’artiste dadaïste et surréaliste Victor Brauner crée le Loup-table (qui fait penser à « redoutable ») en 1939/1947 – la sculpture est conservée au Centre Pompidou. L’artiste associe les restes d’un renard avec une table en bois, l’objet s’impose de lui-même. Le pied arrière gauche de la table est décalé. Ce détail rend impossible de déterminer si la table est l’inspiration de l’artiste ou bien si l’œuvre est une adaptation de l’animal.

*Victor Brauner, « Le Loup-table », (1939-1947, Centre Pompidou)*
*Photo ©Alaia Lamarque*

Conclusion

La considération animale, et plus largement la considération de l’autre en tant qu’égal passe en premier lieu par la dénomination. Faire une distinction entre nature et culture d’une part, animal et homme d’autre part revient à refuser les différentes manières des espèces d’être vivant.

Alaia Lamarque

Pour en savoir plus

Podcasts :

Quand les enfants découvriront-ils que les écureuils ne vont pas à l’école ? Chloé Leprince sur France Culture, le 3 décembre 2017. < https://urlz.fr/eTQd>
Les animaux ont aussi leurs histoires. Michel Pastoureau et Mathilde Wagmam sur France Culture, le 28 décembre 2020. <https://urlz.fr/eTQh>

Source :

Cet article a été inspiré du cours Histoire de l’Art diachronique : l’animal délivré par Monsieur Denis Chevallier à L’École du Louvre en 2021.

Comprendre le phénomène JuL

Nantes Culture10 marsaudenciaculture@gmail.com#artistedelasemaine, musique

En 2020, JuL est sacré meilleur vendeur d’albums de l’année en France avec 770 000 ventes cumulées. Il devient officiellement le plus gros vendeur de disques de l’histoire du rap français avec plus de 4 millions d’albums vendus en sept ans de carrière. Véritable phénomène social, le succès de JuL agace autant qu’il fascine. Il incarne un triomphe du mauvais goût insupportable à tous les mélomanes qui jurent saigner des oreilles dès qu’ils l’entendent.

Pourtant le marseillais de 31 ans, Julien Mari de son vrai nom, mérite son surnom d’ovni dans le paysage musical français. C’est une véritable machine de productivité avec 24 albums en sept ans. De plus, il est attaché à son indépendance et compose lui-même ses instru et textes. Il demeure hermétique aux avances des majors depuis la création de son label D’Or et de Platine en 2015. Comment expliquer le succès colossal d’un rappeur auquel personne ne croyait ?

Une musique écrite pour plaire

«Mon but c’est de faire de la musique dansante avec des mots qui touchent.»
JuL dans Libération

Structure de ses morceaux : comment écrire un hit ?

Quelle est la recette d’un hit de JuL ? A première écoute, on répondrait : une mélodie répétitive et entraînante, un tempo rapide. Mais aussi des paroles simples, tour-à-tour amusantes ou pleines d’émotion, racontant la vie d’un mec de cité à Marseille.

JuL n’a pas tout inventé. Son style s’apparente à la trap, qui est une forme de rap plus mélodieuse, avec un rythme répétitif et des formules courtes, percutantes. Ainsi ce n’est pas un hasard si ses chansons restent dans la tête dès la première écoute, mais bien le résultat d’une construction précise.

Illustrons cela en analysant le tube Ma Jolie. Le morceau de 3’53 contient 524 mots. A titre de comparaison le morceau de IAM Né sous la même étoile en contient 810 pour une durée similaire (3’49). Le débit est lent, les refrains chantés et non rapés. Les mots « Ma jolie » apparaissent 72 fois : répétitif vous dites ? Le refrain revient 4 fois, les pré-refrains 6 fois, et tous reprennent le titre de la chanson. Certes, tous les morceaux ne sont pas aussi caricaturaux que Ma Jolie, cependant beaucoup sont construits de la même manière

Cette structure très répétitive facilite l’appropriation. Elle demande moins d’écriture, ce qui permet à JuL, surnommé à raison « la machine », d’avoir une productivité si impressionnante (3 à 4 albums par an !). Cela explique aussi qu’il soit parfois désigné comme « rap de chicha» car sa trap est teintée de pop, plus festive et légère, propice à une ambiance de bar à chicha.

Des influences surprenantes et assumées

« Moi j’suis comme maman, des fois j’écoute Dalida »
Italia, JuL

Pour trouver des mélodies qui restent en tête, le rappeur a une astuce : remixer des musiques cultes des années 80/90. Ainsi Barbie Girl du groupe Aqua donne My World chez JuL, Nuit de folie de Début de Soirée donne Folie. Il reprend autant des hits vieillis comme Perdono de Tiziano Ferro ou Free From Desire de Gala, que des classiques de la variété française : Paroles… Paroles de Dalida ou Ella, elle l’a de France Gall.

De Barbie Girl à Nuit de Folie en passant par France Gall : on a compilé les reprises de @Jul et ses clins d'oeil aux musiques qu'il aime ? pic.twitter.com/X9uO4D87Xw
— Konbini France (@KonbiniFr) December 7, 2016

Au-delà de ces reprises, JuL teinte son rap de funk, de reggaeton, et bien sur de variété française à laquelle il aime faire référence, probablement pour son côté populaire et intergénérationnel.

« J’fais danser ton oncle et ta cousine, et même ta voisine
Et j’fais chanter les mamas comme Roch Voisine »
Sous terre, JuL

C’est Marseille bébé

JuL se revendique également héritier de l’âge d’or du rap marseillais avec lequel il a grandi. C’est une fierté pour lui de faire désormais des feats avec IAM, les Psy 4 de la rime ou le Rat Luciano de la Fonky Family. En 2020, JuL pousse plus loin cette filiation en initiant le projet 13 Organisé, un album réunissant 50 rappeurs marseillais de toutes les générations. L’idée est de montrer que Marseille forme une école unie de rap, de mettre en lumière les jeunes pousses tout en rendant hommage aux anciens.

« D’origine Corsica, j’écoute FF, Psy 4 »
Rentrez pas dans ma tête, JuL

Marseille est inséparable de l’œuvre de JUL : il fait référence à des lieux marseillais ou aux différentes cités dans la plupart de ses chansons. Mais surtout, il utilise l’argot des cités et il ne cache pas son accent, contrairement à ce que la plupart des rappeurs marseillais font : SCH, Soprano, Alonzo,… Ainsi énormément d’expressions des cités de Marseille se sont popularisées auprès des jeunes en France grâce à JuL : « merce la zone », « le sang » ou encore « en Y ».

*Le port et la cathédrale de Marseille (Frédéric Raux)*

Un personnage sans filtre et attachant

Authenticité à toute épreuve

« Ils m’ont vu tout gentil parce que mon cœur est grand
Parce que j’me montre pas, j’fais pas l’voyou quand j’suis à l’écran »
Sous Terre, JuL

On ne peut comprendre JuL sans évoquer sa personnalité à laquelle ses fans sont si attachés. C’est un anti-héros touchant, il raconte la vie d’un mec de cité de Marseille, sans jouer au caïd. Il est autant aimé par les gars de sa cité qui se reconnaissent, que par les jeunes bobos parisiens pour qui il incarne un Marseille fantasmé. Il assume sans complexe être un fan de Renaud ou de Dalida, ou encore avoir des sentiments et être timide avec les filles, ce qui s’oppose totalement aux codes habituels du rap, comme dans Ma Jolie : « J’ai des sentiments il me semble, mais j’lui dis pas je suis trop ter-ter […] J’vois que tu m’parles plus, dis-moi qu’est-ce qui s’passe là ? Qu’est-ce qui t’a déplu ? Qu’est-ce qu’il faut que je fasse ? »

Il a un lien fusionnel avec ses fans, sa « team JuL », comme il le dit dans Bravo «Sur ma mère, heureusement qu’il y a la team JuL hein…où j’serais sinon ? ». Il gère lui-même ses réseaux sociaux et interagit énormément avec sa communauté, à grand renfort de fautes d’orthographe qui sont sa marque de fabrique. Pour remercier ses fans de leur soutien, il leur offre régulièrement des albums gratuits. Le dernier en date Album gratuit vol.6 est sorti le 26 février dernier. La team est soudée autour du fameux « signe JuL » (photo ci-dessus) devenu un véritable symbole de la pop culture, qu’il soit fait au 1^er degré ou ironiquement. « Wesh le poto, t’es de la team, que tu fais le signe viens on fait la photo» Sousou, JuL.

*Jul signant les autographes de ses fans jusqu’à 20h au vélodrome de Marseille ©Fred Dugit*

« Survêt’, claquettes, veste Quechua », un style inimitable

« Survêt’, claquettes, veste Quechua, paire de Oakley dans l’RS3 », ainsi décrit-il lui-même son style dans le morceau au titre si poétique Veste Quechua. JuL refuse le côté bling-bling qui fait habituellement partie des codes du rap, il s’habille comme tous les mecs de son quartier. Il a d’ailleurs lancée une vraie mode du Quechua et du Kalenji dans les cités, où d’habitude les marques de luxe comme Gucci et Balenciaga font rêver les jeunes, quitte à porter des contrefaçons. Aux Victoires de la Musique 2016, alors que toute la salle est en smoking et robe de soirée, il vient chercher sa récompense en jogging noir et orange fluo D’Or et de Platine (la marque de son label), assortie évidemment de son emblématique mèche blonde.

*JUL aux victoires de la musique 2016 ©Radio France*

Par son succès populaire et hors-système, JUL a réussi à légitimer une sous-culture malgré la condescendance de la plupart des acteurs du monde de la musique à ses débuts. Il serait tentant mais pourtant erroné de distinguer ses fans au premier degré, les jeunes de cité de Marseille, de ceux qui écoutent « ironiquement » sa musique, les jeunes d’école de commerce par exemple. Car cette deuxième catégorie se prend au jeu beaucoup plus vite qu’elle ne l’aurait cru, et touchée par la personnalité atypique de ce drôle d’ovni, elle finit par faire partie, elle aussi, de la Team JuL.

Mathilde Lefèvre

Sources :

Livre 

Julien Valnet, M.a.r.s. Histoires et légendes du hip-hop marseillais, Wildproject, septembre 2013

Documentaires 

« D’IAM à JuL, Marseille capitale du rap », documentaire de 58’ réalisé par Gilles Rof et Daarwin, produit par 13 Production avec la participation de France Télévision https://www.france.tv/france-5/passage-des-arts/2071825-d-iam-a-jul-marseille-capitale-du-rap.html

« Comment une veste de Decathlon portée par Jul est devenue le must-have des cités de Marseille » reportage de Azir Said Mohamed Cheik, Soizic Pineau et Benjamin Brechemier, pour France 3 Provence Alpes Côtes d’Azur https://www.youtube.com/watch?v=mq0EmJq0jXk

Articles de presse 

Balla Fofana, Stéphanie Harounyan, Gurvan Kristanadjaja, Marie Ottavi, « Jul en cinq actes », Libération, 7 décembre 2017 https://www.liberation.fr/apps/2017/12/jul-en-cinq-actes/

Philippe Amsellem, « Jul : décryptage de « l’Ovni »,un phénomène de société », La Marseillaise, 10 octobre 2020 https://www.lamarseillaise.fr/culture/jul-decryptage-de-l-ovni-un-phenomene-de-societe-HH4900779

« Jul boit la concurrence en 2020 : meilleur vendeur d’albums en France », Mouv’, 13 janvier 2020

https://www.mouv.fr/musique/rap-fr/le-plus-gros-vendeur-de-l-annee-2020-s-appelle-jul-366133

Hong-Kyung Kang, « Comment JUL a révolutionné la pop culture », Konbini, 14 janvier 2021 https://www.konbini.com/fr/musique/jul-pop-culture/

Articles de blog

G. Belhoste, B. Bossavie, M. Bampély, M. Maizi, Y. Sar, Shkyd, J. Valnet, B. Weill, « Six spécialistes analysent le phénomène Jul : « c’est devenu Dark Vador » », Greenroom, 6 juillet 2017 https://www.greenroom.fr/117654-six-specialistes-decortiquent-le-phenomene-jul/

Alban Malherbe, « Phénomène JuL : un OVNI dans le rapjeu », Streams, 1 février 2017 http://streamsescp.com/briller-en-societe/phenomene-jul-ovni-rapjeu/

Le festival polonais

Spectacle vivant08 marsaudenciaculture@gmail.comfestival, musique, musique électronique

La musique, un élément indissociable de la vie de chacun. Que serait la vie sans la musique qui nous divertit, apaise nos nerfs et nous guérit ? Je m’appelle Filip et je viens de Pologne. En tant qu’amateur de musique de différents genres je voudrais partager ma passion avec vous !

La nécessité et la volonté d’écouter de la musique a suscité la création de plusieurs festivals musicaux dans le monde entier. Certains d’entre eux sont très connus à l’échelle internationale comme par exemple Coachella ou Sziget Festival, d’autres plutôt locaux sont seulement connus dans le pays où ils ont lieu.

D’après une enquête d’Universal Music Poland, neuf Polonais sur dix, âgés de 18 à 24 ans, écoutent de la musique quotidiennement. Il en est de même pour 85 % des 25-34 ans, 80 % des 45-54 ans et 71 % des plus de 54 ans. C’est pourquoi, je veux vous faire découvrir la culture musicale de mon pays grâce aux plus grands et célèbres festivals de musique polonais. Tous les Polonais connaissent ces festivals et y participent avec plaisir. Pour vous renseigner sur ce sujet je vous propose une courte histoire sur deux festivals, auxquels j’ai déjà participé quelques fois et auxquels je participerai sans doute encore !

Open’er Festival

L’histoire de ce festival commence en 2002. A l’époque, il s’appelle Open Air Festival et il se déroule à Varsovie, la capitale de la Pologne. L’année suivante, il est déplacé sur la côte vers la ville de Gdynia où il se tient encore aujourd’hui – actuellement à l’aéroport Gdynia-Kosakowo. Au début, Open’er Festival est un festival d’une journée avec seulement deux scènes. C’est sur La Grande scène que le groupe électronique The Chemical Brothers s’est présenté pour la première fois en Pologne.

*L’affiche de la première édition, le 2 juillet 2002 à Varsovie*

Un festival toujours plus grand !

Au cours des années, la popularité de cet évènement a augmenté et le festival d’un jour devient en 2004 le festival de deux jours et puis de trois jours en 2006. Pendant ces quatre ans de fonctionnement, Open’er a rassemblé environ 120 000 personnes, 25 artistes polonais mais également de nombreux artistes internationaux comme Pink, Snoop Dog, Muse, Björk, Pharell Williams ou encore Kanye West. Le nombre de stars invitées continue à se développer année après année. De plus, le nombre de passionnés qui souhaitent participer aux concerts ne fait qu’augmenter. Par conséquent, pas moins de sept scènes ont été créées : Main Stage, Tent Stage, World Stage, Young Talent Stage, Alter Space et deux espaces électroniques.

Un an après, le festival s’étend à 4 jours et devient un centre culturel. En plus de la musique, il est possible de contempler l’exposition du Musée de l’art contemporain et d’assister à des pièces de théâtre. Il est possible de monter sur une grande roue et de danser dans l’espace Silent Disco – un endroit où les participants peuvent danser tous ensemble, tout en écoutant la musique que chacun souhaite grâce à des casques. Au fur et à mesure, le festival attire de plus en plus de gens. Malheureusement, en raison de la pandémie de coronavirus en 2020, le festival n’a pas eu lieu et la prochaine édition est prévue du 30 juin au 3 juillet 2021.

*Openerfestival 2014 ©Martyna Rojewska pour DW Fixel – na fest*

Réception du festival parmi les artistes

Grâce à plusieurs commentaires d’artistes qui sont venus en Pologne à l’occasion d’Open’er, on peut résumer en disant qu’on ne regrette pas d’y aller !

Les nombreux artistes qui ont participé à Open’er ont créé l’atmosphère merveilleuse et conviviale de ce festival. Certains artistes comme Josh Homme, leader de Queens Of The Stone Age, quitte son service de sécurité après « le meilleur concert de la tournée » et s’amuse avec ses fans en 2013 – c’est un exemple parfait de la communion entre artistes et public qui se produit souvent à Open’er. Un autre exemple marquant de cette atmosphère particulière est lorsque Kings of Leon a joué pour 60 000 fans, dont Rihanna, qui a passé tout le concert à danser devant la scène. L’année 2013 est ainsi appelée l’année de « Kings and Queens ».

On en déduit que les artistes ne cachent pas leurs émotions et n’hésitent pas à partager des moments uniques avec la communauté festivalière de Open’er. En effet, les moments privilégiés ne manquent pas – en 2011 des milliers de fans ont assisté à un concert de Prince lors duquel un feu d’artifice a été tiré pour son anniversaire et durant lequel les festivaliers lui ont transmis tous leurs vœux de bonheur. Open’er garantit à son public et aux artistes un moment inoubliable !

*Rihanna donnant un concert à Open’er 2013 sur la scène de Gdynia*
*©photo : Adam Warżawa/PAP*

Partenariat

Depuis quelques années Open’er Festival appartient à l’association Yourope qui a pour objectif de promouvoir la culture, la musique et le design. Chaque année l’association cherche à toucher des millions de personnes par le biais de la culture, de la musique et du design. C’est pourquoi, certains concerts sont même retransmis sur Internet pour que le festival soit plus accessible aux personnes qui ne peuvent pas y assister en personne. Par contre, ce qui est le plus important pour eux, c’est une ambiance et le public qui crée une communauté exceptionnelle. Ces gens fondent leurs valeurs sur une passion pour la musique, la culture et l’amour des festivals. Open’er participe aussi au programme international ETEP, qui soutient la promotion de nouveaux talents musicaux dans les festivals européens. Grâce à ETEP, Octavian, Sigrid, ALMA, Superorganism, Nothing But Thieves et Soom T, entre autres, se sont produits à Open’er jusqu’au présent.

Pol’and’Rock festival (anciennement Station Woodstock)

Le Pol’and’Rock festival est l’un des plus anciens festivals en Pologne. Il se déroule chaque année depuis 1995 à la mi-juillet ou au début du mois d’août. L’année dernière pendant la pandémie de covid, les organisateurs n’ont pas déçu les passionnés de musique alternative, de rock, et de blues. En effet, ils ont organisé des concerts en ligne pour que chacun puisse se divertir avec sa musique préférée à la maison. Pol’and’Rock a diffusé des rencontres avec des invités exceptionnels et les concerts de 30 artistes. Les publics en ligne pouvaient regarder les concerts en direct, en choisissant parmi plusieurs plateformes, dont YouTube, Facebook et Twitch, ou en suivant sur les chaînes partenaires. Cette transmission de près de 70 heures est un énorme défi logistique, auquel personne en Pologne ou dans le monde n’a jamais été confronté auparavant – que ce soit à cette échelle et sous cette forme.

*La Grande Scène du Pol’and Rock Festival*
*©PW_2015_Arek_Drygas2620, site officiel du festival*

Un festival unique

Il faut mentionner que le Pol’and’Rock festival est le plus grand événement non commercial d’Europe. Le festival attire chaque année un public de près d’un demi-million de personnes, qui affluent à Kostrzyn nad Odrą, un petit village dans l’ouest de la Pologne. De plus, pour la plupart des Polonais c’est un lieu où chacun peut faire l’expérience d’une musique et d’une liberté incomparables. Ce festival est aussi considéré comme l’événement de masse le plus sûr en Pologne. Chaque année, la police confirme qu’il y a peu de signalements d’agressions aux vues de l’importance de l’audience. Une multitude de personnes différentes se rencontrent, vivent au même endroit dans un camping et s’amusent ensemble à Pol’and’Rock.

Depuis quatre ans, les artistes se produisent sur cinq scènes : Grande scène, Petite scène, Scène Lech, Scène Viva Culture et Scène de nuit ASP. Chaque édition du festival présente des dizaines de groupes polonais et étrangers. Depuis plusieurs années, le festival organise des auditions de groupes désireux de se produire devant un large public.

Ce qui est spécial dans ce festival c’est le thème et le message du concert qui change à chaque fois, on peut citer des thèmes comme : l’amour, l’amitié, la musique ou encore mettre fin à la violence.

A bientôt en Pologne !

Je voulais vous rapprocher de la culture musicale polonaise qui n’est pas si différente de la culture musicale française. Bien sûr je n’ai cité que deux festivals parmi les dizaines de festivals qui existent. Open’er et Pol’and’Rock n’ont pas la même taille ni la même notoriété mais je tenais à présenter d’un côté un grand festival international et de l’autre un festival unique et plus local. J’espère que j’ai réussi à vous encourager à visiter la Pologne qui a encore beaucoup à vous offrir !

Filip Kolecki

Principales récompenses de Pol’and’Rock et Open’er

2020 – Le Pol’and’Rock festival a été nommé Top Brand dans la catégorie Festivals – selon Press et Press Service.

2017 – Le festival Station Woodstock onbtient la troisième place du classement Music Festival Wizard dans la catégorie des festivals européens et à la première place parmi les festivals organisés en Europe centrale.

2015 – Le festival Station Woodstock est récompensé par Los Angeles MUSEXPO 2015 International Music Industry Award.

Sources :

https://opener.pl/en/history-10

https://en.polandrockfestival.pl

10 ans de Nostalgia Ultra

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A l’occasion des 10 ans de la mixtape « Nostalgia Ultra », un retour s’impose sur le parcours impressionnant d’un des plus grands artistes contemporains, Frank Ocean.

Né en 1987 en Californie sous le nom de Christopher Breaux, il part vivre à la Nouvelle Orléans à l’âge de 5 ans avec sa mère. Sa famille étant peu aisée, sa mère lui fait comprendre que l’argent qu’elle gagne est consacré à ses études et non à la musique. Christopher enchaîne les petits boulots à côté de la fac pour se payer du matériel et enregistrer sa musique, mais l’ouragan Katrina de 2005 en décide autrement. Son studio d’enregistrement ravagé, il décide de partir à Los Angeles. Un tournant s’opère.

Les débuts sous le nom de « Lonny Breaux »

Arrivé à LA, il rencontre des producteurs et notamment « Midi Mafia » qui a produit entre autres « 21 questions » de 50 cents. Il expose ses premières mixtapes avec la « Lonny Breaux Collection », un projet très RnB et dans les codes de ce qu’il fait avec « Bricks and Steel », « Can’t be the last time » ou encore « One Look » avec Midi Mafia à la production.

Il est d’abord remarqué pour son écriture et les producteurs vendent ses chansons à des étoiles montantes de la musique RnB, notamment Brandy. A cette période, il regarde le film « Ocean Eleven » avec Frank Sinatra et décide de changer « Lonny Breaux » en « Frank Ocean ».

*Frank Ocean Øyafestivalen 2012. ©Ole Hagen, NRK P3, flickr*

Odd Future et le projet Nostalgia Ultra

En 2010, il rejoint un collectif d’artistes appelé « Odd Future » et rencontre Taylor The Creator. Le collectif est très apprécié dans le milieu du RnB mais n’a pas encore connu de gros succès majeur puisque l’album « Bastard » de Taylor n’a pas été apprécié à sa juste valeur. Le label « Def Jam » entend parler de Frank Ocean et le signe à contrecœur, sous la pression de Tricky Stewart qui insiste sur le talent du jeune artiste. Mais la signature du contrat n’avance pas beaucoup Frank Ocean qui ne reçoit aucun acompte pour ses projets et ne bénéficie pas d’un réel suivi. Il passe donc beaucoup de temps avec Odd Future et incorpore de plus en plus de sonorités hip-hop tout en gardant son identité soul et RnB. Il attire l’attention de la presse indépendante puisqu’il propose une alternative entre le hip-hop classique et la soul/funk. Inspiré par l’indépendance du mouvement Odd Future, il sort gratuitement sa mixtape Nostalgia Ultra et la critique annonce déjà un succès majeur de la deuxième décennie du XXIème siècle, nous sommes alors en 2011.

Def Jam et Channel Orange

Le label Def Jam daigne tardivement s’intéresser à l’artiste en même temps que de nombreux grands noms de l’industrie de la musique le découvrent. Il collabore avec Jay-Z et Kanye West en écrivant « No church in the wild » sur leur album commun, avec Beyoncé en composant « I miss you » et Jay-Z lui achète le titre « Thinking about you » pour sa protégée Bridget Kelly. En 2012, il rachète ses droits avant de sortir sa version, pour préparer la sortie de son premier album. La même année il annonce sa bisexualité sur son seul réseau social Tumblr. Il marque alors les esprits puisqu’il est le premier dans le monde du RnB à l’annoncer officiellement et suscite l’engouement des médias indépendants. Une semaine plus tard, sort son premier album « Channel Orange » : il construit un personnage iconoclaste et non-radiophonique. Il nous offre alors des chefs d’œuvres sortis des codes : « Sierra Leone », « Super rick kids » en feat avec Earl Sweatshirt, « Pyramids » aux sonorités plus électro, « Pink Matter » avec André 3000 ou encore « Bad Religion » où il évoque ses premières attirances pour un homme. C’est un album aux inspirations multiples comme Prince ou Steve Wonder qui propose une néo-soul indépendante de la pop contemporaine de l’époque. Il reçoit le prix du meilleur album urbain contemporain au Grammy de l’année.

*Pochette de l’album Channel orange – Frank Ocean*

De la discrétion à l’indépendance

Après cette nomination, Frank Ocean n’est que très peu aperçu dans les médias, il ne donne aucune interview et on ne peut l’apercevoir que sur quelques collaborations triées sur le volet, avec Kanye West sur « Life of Pablo » ou avec Les Carters par exemple. Sa discrétion ne l’empêche pas d’être très reconnu dans le milieu, mais toujours pas de deuxième album à l’horizon.

En 2016, le label s’impatiente et fait une mauvaise publicité à l’artiste en disant qu’il se comporte en « diva » et que son caractère est de plus en plus difficile à gérer. Sorti de nulle part, Frank Ocean publie sur Youtube son deuxième album « Endless », qui le libère de ses obligations contractuelles avec le label. Vingt-quatre heures plus tard, il sort en indépendant sur son label Boysdon’tcry un album indétrônable : « Blonde ». Avec des collaborations comme Beyoncé sur « Pink + White » ou André 3000 sur l’interlude, l’artiste propose une tracklist aussi inventive que subversive. Le clip aux références multiples de « Nikes » produit par Tyrone Lebon sera visionné plus de 1,4M de fois, sur Vimeo. Avec des prodiges comme « Ivy », « Nights », « White Ferrari » ou encore « Godspeed », l’album a un caractère éclectique et atmosphérique, avec des guitares à la dérive et des mélodies sans beat qui accompagnent un lyrisme dense et puissant. Dans le Guardian, le critique d’album Tim Jonze a qualifié Blonde de « l’un des disques les plus intrigants et contraires jamais réalisés »[1]. Il est considéré comme l’un des plus grands albums R&B/pop de tous les temps. Outre sa performance artistique, l’album s’inscrit comme iconique puisqu’il contourne les codes de l’industrie musicale.

*Pochette de l’album Blonde – Frank Ocean*

Clip de Nikes – Frank Ocean :https://vimeo.com/179791907

Depuis, l’artiste a notamment sorti en solo « Chanel », un titre qui s’écoute en boucle sans jamais s’en lasser. Il a aussi participé au projet de Tyler The Creator sur « 911 » qui a donné naissance à des lives emblématiques[2]. Frank Ocean s’inscrit comme un artiste humble, peu conventionnel et qui sait prendre des risques. On attend le prochain projet avec impatience !

Marie Iversenc

Sources

[1] https://www.theguardian.com/music/2016/aug/25/frank-ocean-blonde-review-a-baffling-and-brilliant-five-star-triumph

[2] https://www.youtube.com/watch?v=4m-2jTp5Wk8

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Alice Guy : La pionnière oubliée du cinéma

Nantes Culture03 marsaudenciaculture@gmail.com#artistedelasemaine, cinéma, Culture

Alice Guy. ce nom évoque peu de choses pour la plupart d’entre nous, pourtant, il fut celui d’une véritable pionnière du cinéma.

Première réalisatrice et première patronne d’un studio au monde, son héritage de plusieurs centaines de films, reflet d’une passion profonde pour le cinéma, est aujourd’hui encore très méconnu.

L’histoire d’une pionnière

Quand on pense aux débuts du cinéma, on pense souvent aux frères Lumière, à Griffith ou Méliès. Pourtant, il en est une qui a tout autant apporté au 7^ème art.

Alice Guy, née le 1^er juillet 1873 à Saint-Mandé est la fille d’un propriétaire d’une chaîne de librairies chiliennes. Elle grandit entre la France, le Chili et la Suisse, où vivaient ses grands-parents.

À 17 ans, conseillée par un ami de la famille, la jeune Alice décide d’étudier la sténodactylo. En 1895, elle est recrutée pour être la secrétaire d’un certain Léon Gaumont. Cette même année, elle est invitée avec son employeur à une projection privée d’Auguste et Louis Lumière, célèbres inventeurs du cinématographe. Léon Gaumont envisage alors de suivre l’exemple de Louis Lumière et de se consacrer à la vente d’appareils de projection.

De son côté, Alice est impressionnée par ce qui a été présenté. Néanmoins, elle a le sentiment que l’on peut faire bien mieux que simplement documenter la vie quotidienne, comme le font les frères Lumières. L’idée émerge alors dans son esprit : Pourquoi n’utiliserions-nous pas les films pour raconter des histoires ?

Elle demande alors à son patron l’autorisation d’écrire des saynètes et de les faire jouer par des amis. Gaumont accepte à la condition que son « courrier n’en souffre pas ».

Peu à peu, Alice Guy se met à l’écriture et la réalisation de courtes « histoires fabriquées comme ça”.

À 23 ans, elle tourne son premier film intitulé « La fée aux choux », une histoire de moins d’une minute, donnant vie à la légende française selon laquelle les bébés garçons naissent dans les choux.

Ce film sera le premier d’une longue liste, certains historiens estimant l’œuvre d’Alice Guy à plus de 1000 courts métrages.

À cette époque, étant donné que le métier de réalisateur n’existait pas encore, c’est tout un monde de possibles qui s’offre à Alice Guy. Au fil du temps, elle gagne la confiance de ses supérieurs et s’installe à la tête de la production cinématographique de Gaumont. Grace à son apport, la maison Gaumont se transforme rapidement en une véritable entreprise tournée vers le cinéma, rivalisant avec son principal concurrent : Pathé.

Sous sa direction, le développement de fictions passe de 15% des activités de Gaumont en 1900 à 80% six ans plus tard.

En 1907, avant la naissance d’Hollywood, Alice est envoyée avec son époux aux Etats-Unis ou elle décide de fonder sa société nommée : la « Solax Film Co ». Ses films connaissent un franc succès et les médias américains s’intéressent alors à celle qu’ils appellent « La charmante petite dame française ». Elle devient rapidement la femme la mieux payée des Etats-Unis avec un salaire mensuel de 25 000 dollars. Très engagée dans son art, elle conseille de nombreux acteurs qui deviendront par la suite de véritables vedettes. Son style ? Le « Be Natural », poussant les acteurs à interpréter leurs rôles le plus naturellement possible.

Alice Guy se distingue par sa créativité et ses innovations. Elle devient l’une des premières à utiliser des techniques novatrices tel que les gros plans, la colorisation à la main ou la technique du son synchronisé. Cette technique permet, plusieurs décennies en avance, de passer outre les limitations techniques du cinéma muet.

Un des premiers gros plans de l’histoire

MADAME A DES ENVIES – Gaumont Pathé Archives

Elle réalise aussi le premier making-off de l’histoire : « ALICE GUY TOURNE UNE PHONOSCÈNE », en 1905, ainsi que le premier péplum de l’histoire avec « La vie du Christ ». Véritable prouesse pour l’époque, le film comporte vingt-cinq scènes dans lesquelles ont joué plus de 300 figurants.

La Naissance, la vie et la mort du Christ © DR Coll. Christophe L

Au-delà de la technique, Alice Guy a aussi marqué son temps en abordant des sujets parfois révolutionnaires pour son époque. Ainsi, en 1906, elle s’amuse du sexisme et des normes genrées dans des films tels que « Les résultats du féminisme ». Dans celui-ci, elle inverse les rôles genrés attribués aux femmes et aux hommes à cette époque. On peut voir les hommes s’occuper des tâches ménagères, s’adonner à la couture et se coiffer avec des fleurs dans les cheveux. Pendant ce temps, les femmes sont au bar, buvant et séduisant d’autres hommes. Cette situation tourne court suite à la rébellion menée par les hommes à la fin du film. Précurseur, ce film remet clairement en cause les inégalités criantes de la société, et ce, au tout début du 20^ème siècle.

Les résultats du féminisme d’Alice Guy © Gaumont

Alice est aussi la première réalisatrice à faire exclusivement appel à des acteurs afro-américains dans « A fool and his money » tourné en 1912. Pendant sa vie, elle se risquera même à aborder de nombreux sujets polémiques comme l’immigration, l’avortement ou le planning familial.

Le temps de l’oubli

« Alice Guy était une réalisatrice exceptionnelle, d’une sensibilité rare, au regard incroyablement poétique et à l’instinct formidable. Elle a écrit, dirigé et produit plus de mille films. Et pourtant, elle a été oubliée par l’industrie qu’elle a contribué à créer. »
Martin Scorsese

Martin Scorsese résume plutôt bien la situation. Mais comment une telle pionnière a-t-elle pu être oubliée ? Seraient-ce les effets du patriarcat ? Un simple coup du destin ?

En regardant son histoire, on se rend compte que celle à qui tout réussissait va connaître un vrai revers de fortune en 1919. Suite à un divorce compliqué et accablée de dettes, Alice retourne en France après avoir essayé en vain de se refaire une place dans le cinéma.

À presque 50 ans, elle commence à écrire des contes pour enfants qu’elle vend à des revues. Malheureusement, sa contribution au cinéma est oubliée et de nombreux films sont perdus ou attribués à d’autres. Elle se battra le restant de ses jours pour retrouver ses bobines et mourra dans l’indifférence totale, en 1968. Aujourd’hui encore, de nombreux films sont manquants : certaines bobines ont été fondues pour être réutilisées dans la production industrielle de guerre, d’autres n’ont pas été préservées.

Alice reprendra la célèbre citation de Roosevelt pour conclure ses mémoires : « Il est dur d’échouer, il est pire de n’avoir jamais essayé. »

Serions-nous donc ingrats avec nos pionniers féminins ? L’historienne Margaret Rossiter parle de « l’effet Matilda » pour désigner le déni ou la minimisation récurrente des contributions féminines à la recherche.

La première victime de cet effet est Trotula de Salerne, une femme médecin et chirurgienne du 11ème siècle. Au cours de sa vie elle écrivit plusieurs ouvrages de référence, notamment en matière de gynécologie, mais qui furent longtemps attribués à des hommes.

Trotula de Salerne, selon un manuscrit de la fin du XIIe siècle Source : *Contraception and Abortion from the Ancient World to the Renaissance by John M.*

Dans l’histoire récente, on pourrait citer, Henrietta Swan Leavitt, une astronome américaine qui a fait de grandes découvertes sur la luminosité variable de certaines étoiles, ce qui a permis de mesurer la distance entre la Terre et d’autres galaxies. Ses découvertes ont notamment été indispensables aux travaux d’Hubble sur l’expansion de l’Univers.

On peut alors se demander si le monde des arts et du cinéma est lui aussi soumis à cet « effet Matilda » ?

Les oubliées se comptent par centaines et dans le cas d’Alice, force est de constater qu’une certaine amnésie l’entoure. C’est d’autant plus vrai en France où les pouvoirs publics ne sont jamais réellement mobilisés sur le sujet. Très peu ont essayé de la réhabiliter même si de nos jours certains, comme la réalisatrice Pamela B.Green qui lui a dédié le documentaire « Be Natural : l’histoire cachée d’Alice Guy-Blaché », ou le musée MoMA, tentent de faire connaître la cinéaste.

La mémoire des hommes est parfois impitoyable, et pour que ces femmes ne disparaissent pas à jamais dans les méandres de l’histoire, il faut à tout prix raconter leurs histoires et comment elles ont contribué à créer le monde qui est le nôtre.

Valentin Himblot

Sources :

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L’influence de Tik Tok sur l’industrie musicale

Musique01 marsaudenciaculture@gmail.comCulture, musique, TikTok

Aujourd’hui, les applications de divertissement, qui font d’ailleurs office d’outil de communication, sont devenus le « must have » des plus jeunes. Il est donc important pour les artistes de suivre la tendance et d’être au plus proche de leur public, en passant par exemple par Tik Tok, application la plus téléchargée devant Youtube ou encore Instagram.

Avec le succès monstre de “old town road” de Lil N’as X grâce à Tik Tok, il est clair que l’application peut être considérée comme surpuissante pour promouvoir les chansons. En très peu de temps, des centaines de milliers de personnes se sont filmées sur le titre en suivant le Yee Yee Juice Challenge.

De là, s’en est suivi une multitude de challenges sur l’application, que ce soient des challenges de danse, de sketch, de cuisine… Et dans cette sphère de challenges on remarque que certains artistes arrivent à créer un réel engouement et se démarquent ainsi des autres en rendant leur morceau viral.

Mais en réalité, qu’est-ce que Tik Tok ?

Cette application se base sur un fonctionnement assez simple : l’utilisateur enregistre une courte vidéo sur laquelle une bande sonore ou musicale peut être intégré. On y retrouve des personnes qui chantent en playback, des chorégraphies, des sketchs et d’autres scènes amusantes. Une fois la vidéo publiée, elle est visible par le reste de la communauté. Et la communauté est vaste : on compte près de 650 millions d’utilisateurs actifs dans le monde, dont 4,5 millions en France.

De nombreux artistes déjà connus se servent de la plateforme pour promouvoir leur musique (comme Miley Cyrus qui s’en est servi pour annoncer son prochain album) et on remarque également un essor d’artistes émergents qui ajoutent leur musique sur Tik Tok via des applications telles que BeeCut, YouCut ou encore Via Video. Le titre et l’artiste sont toujours crédités, ce qui [ rend le morceau facilement identifiable.

Fun Fact : Il y a deux ans de ça, Gary Vaynerchuk voyait en Tik Tok le nouveau réseau social capable de concurrencer Instagram. C’est désormais le cas.

Grâce à cette application, des artistes émergent de tous les continents, certains naissent et d’autres ressuscitent grâce à 15 secondes de vidéos devenues virales.

Des artistes qui naissent

Après avoir parlé du cas de Lil N’as X et de son “old town road” ayant fait le tour du monde, on ne peut pas se pencher sur Tik Tok sans aborder le cas de Savage Gasp. Cet artiste était inconnu au bataillon avant de voir ses sons exploser sur l’application : “Tunnel of love”a comptabilisé plus de 700 000 vidéos sur l’application. Si on multiplie le nombre de vidéos réalisées avec ce titre et le nombre de vues sur ces vidéos, on atteint des millions d’écoutes générées directement par ce nouveau réseau social.

Mais alors, comment cela se traduit-il sur les ventes de l’artiste ?

Tik Tok n’est pas considéré comme une plateforme de streaming mais véritablement comme un réseau social. Ainsi, Tik Tok ne permet pas de rémunérer les artistes, même si des centaines de milliers de vidéos ont été générées avec un loop de 15 à 30 secondes d’un morceau.

La question qui se pose alors est : les utilisateurs de Tik Tok vont-ils écouter les morceaux seulement sur l’application ou une conversion va-t-elle s’effectuer vers les plateformes de streaming ? La réponse est la seconde option. Heureusement, les gens stream !

Si on prend l’exemple de “Tunnel of love”, il comptabilise aujourd’hui plus de 30 millions d’écoutes sur Spotify sachant que le titre s’est fait connaître via l’arme massive de promotion qu’est Tik Tok. Avant de commencer à se faire connaître, le chemin était long pour un artiste. Sur internet, il fallait notamment être repéré sur Youtube avec des clips de qualité. Désormais Tik Tok offre des millions d’écoutes en un temps record !

D’autres exemples d’artistes français inconnus avant Tik Tok sont à noter, tel que le rappeur de niche 1pliké qui a connu un gros boom dès que les utilisateurs Tik Tok ont commencé à faire des vidéos sur ses titres. Son “Freestyle hors-série” est passé de 500 000 vues à 10 millions de vues sur Youtube en l’espace d’un mois.

Bien évidemment, l’exemple parfait reste celui de Wejdene. C’est la chanteuse par excellence qui a décollé avec cette application. Il lui a fallu un son, un challenge Tik Tok et le tour était joué. “Anissa” a très vite été certifié platine, soit 30 millions d’équivalents streams. Depuis, elle a sorti son premier album “16” qui est disque d’or.

Fun Fact : Se sentant pousser des ailes, Wejdene a tout de même imposé une avance de 500k minimum à tous les labels qui souhaitaient la signer. Résultat, seul Universal Music a su répondre à sa demande.

La génération des 13-18 ans passe désormais par Tik Tok pour découvrir de nouveaux artistes, de nouveaux tubes. Ce boom de Tik Tok permet ainsi aux artistes de signer plus rapidement au sein d’une maison de disque avec une offre bien plus conséquente qu’un artiste que l’on aurait pu considérer comme « en développement ». Autre exemple : grâce à cette outil de promotion qu’a su utiliser Sueco the child, Atlantic Records, label détenu par Warner Music, a décidé de signer le jeune artiste sur le champ.

On notera que plus de 70 musiciens qui ont connu une révélation via Tik Tok ont ensuite dégoté un contrat avec une maison de disque.

Au sein des labels de musique, Tik Tok n’est plus une option mais un must have. Beaucoup de chefs de projet proposent directement aux artistes de trouver un challenge sur un nouveau son ou de créer un profil tiktok et de partager le son via une courte vidéo. Il y a ensuite ceux qui se prêtent au jeu et ceux qui sont plus craintifs quant à cette application.

Des artistes qui reviennent au goût du jour

Aux côtés d’artistes qui ont émergé via Tik Tok, on trouve également des « ressuscités ». K camp en est l’exemple même, car depuis 2015 sa notoriété a baissé au niveau mainstream. C’est avec son titre “lottery”, titre le plus écouté et ayant généré le plus de vidéos sur Tik Tok, que K Camp a retrouvé son succès d’antan voire bien plus encore. Grâce à l’application, il a même pu renégocier son contrat avec Interscope, son label, notamment au niveau de la promotion et des passages en radio qu’il a jugé moindres face à son succès retentissant sur le réseau social.

K Camp – Lottery

Lorsque ce ne sont pas des artistes qui ressurgissent, ce sont des sons qui ressuscitent comme par exemple “la boulette” de Diams, ou “something new” de Wiz Khalifa. Les sons arrivent sur l’application et poussent ensuite les utilisateurs à streamer la musique sur YouTube et les plateformes de streaming.

Tik Tok ou l’application qui veut venir en aide aux artistes en développement… mais sans jouer le jeu des droits d’auteur ?

La naissance de “Tik Tok spotlight” a été annoncée en 2019 en Chine. Ce programme a pour but de promouvoir et manager les artistes indépendants non signés. A l’aide d’une nouvelle chaîne de l’application, ces artistes soumettent leurs vidéos, challenges et autres qui seront ensuite classés (en fonction des vues) parmi les 100 vidéos les plus populaires de l’application. Les finalistes auront ensuite la possibilité d’aller à la rencontre de labels et maisons de disques partenaires à l’application.

Cependant, une question reste en suspens. Si certains artistes voient leurs morceaux écoutés en boucle sur des plateformes de streaming rémunératrices ou réussissent à signer des contrats, cela compense-t-il l’utilisation non rémunérée de leur œuvre musicale sur des milliers d’œuvres vidéo au sein desquelles la musique est souvent au premier plan ? Pire encore, les artistes qui ne deviennent pas viraux mais tournent tout de même beaucoup n’ont aucune rémunération, et la célébrité apportée est négligeable. Comme les autres réseaux, Tik Tok offre beaucoup à une minorité et bafoue les droits de la majorité.

Le réseau social mondial pose un réel problème de droits d’auteur. Les lois n’ont pas eu le temps de s’adapter et Tik Tok profite aujourd’hui d’un vide juridique autour des droits d’auteur. Car Youtube le premier, mais aussi le réseau social Facebook a pris en compte les problématiques de droits d’auteurs et applique une réglementation stricte sur l’utilisation de morceaux musicaux. Pour des artistes moins connus, la soumission à la réglementation de Tik Tok est nécessaire, oui, car en effet elle offre une petite chance de devenir célèbre. Mais nécessaire ne signifie pas correct. Il faut, comme sur Youtube (qui déjà n’offre pas une rémunération suffisante), que les artistes soient rémunérés pour les vues réalisées grâce à leurs morceaux. Le problème est complexe (quelle est la place du morceau dans l’oeuvre vidéo ?), mais il est nécessaire, pour le bien des droits d’auteur que nous avons eu tant de mal à faire valoir ailleurs et qu’internet met à mal.

Notoriété, opportunité, fame & visibilité sont ainsi les maîtres mots de Tik Tok, le réseau social qui a provoqué un réel bouleversement au sein de l’industrie musicale.

Eugénie Herbert

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Un artiste du buzz ?

Pourquoi « Monsieur 14 nuances de gris » ?

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Aya Nakamura, outsider avec une identité très forte

Le mépris de classe, fléau des médias

Jul et Michel Polnareff, une amitié inattendue prouvant que tout est possible ?

À l’origine de nombreuses formes d’art

L’art paléolithique

L’art égyptien

Absence et représentation

L’art au Moyen Âge

L’animal-machine

Éveil intellectuel

Questionner notre relation au vivant

L’animal dans l’art contemporain

Conclusion

Une musique écrite pour plaire

Structure de ses morceaux : comment écrire un hit ?

Des influences surprenantes et assumées

C’est Marseille bébé

Un personnage sans filtre et attachant

Authenticité à toute épreuve

« Survêt’, claquettes, veste Quechua », un style inimitable

Open’er Festival

Un festival toujours plus grand !

Réception du festival parmi les artistes

Partenariat

Pol’and’Rock festival (anciennement Station Woodstock)

Un festival unique

A bientôt en Pologne !

Principales récompenses de Pol’and’Rock et Open’er

Les débuts sous le nom de « Lonny Breaux »

Odd Future et le projet Nostalgia Ultra

Def Jam et Channel Orange

De la discrétion à l’indépendance

Sources

L’histoire d’une pionnière

Un des premiers gros plans de l’histoire

Le temps de l’oubli

Sources :

Mais en réalité, qu’est-ce que Tik Tok ?

Des artistes qui naissent

Des artistes qui reviennent au goût du jour

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